Un músico maltratado por los años, el desgaste de la fama, la autodestrucción, un púpilo que le ha superado ampliamente, una mujer que aparece en su vida.....
Si, ya conocemos esta historia. Pero la película cuenta con un Jeff Bridges colosal.
No es a Bridges a quien vemos, sino a "Bad" Blake , desde el principio al final de la película. Una bestia interpretativa suelta, sin exagerar en ningún momento, sin excederse, sin quedarse corto.
Baretos de mala muerte, Bourbon, cigarrillos, desengaños vitales....Bueno, pues aunque yo no sea ni alcohólico, ni cantante de country, ni tenga cincuenta y muchos años (todavía…), esta peli me tocó el corazon.
Quizás es que también tenga algo de rebelde. "Bad" Blakees un completo desastre y su vida está a punto de irse al garete.
Bebe demasiado, no ha prestado atención jamás al amor, y malvive tocando viejas canciones en antros de mala muerte.
Pero a pesar de todo, es un genio. Y su coherencia vital es completa y absoluta, y su existencia parece –literalmente- sacada de una de sus sentidas canciones….
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Crazy Heart
AÑO 2009
DURACIÓN 112 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Scott Cooper
GUIÓN Scott Cooper (Novela: Thomas Cobb)
MÚSICA T-Bone Burnett
FOTOGRAFÍA Barry Markowitz
REPARTO Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Robert Duvall, Colin Farrell, Sarah Jane Morris, Beth Grant, Annie Corley, Tom Bower, Alexandria Morrow, Luce Rains, Therese Olson, Josh Berry, Jack Nation, Ryan Bingham .
Este post va dedicado para los amantes de los Stones , con una de esas curiosidades que tanto les gusta......
Got Live if You Want It! es el primer álbum en vivo de los Stones.
Aunque fue publicado oficialmente en Estados Unidos a finales de 1966, ya hacia tiempo que el mercado Britanico lo tenía disponible. El álbum es el resultado de las exigencias del contrato con el distribuidor americano London Records, y por ello la banda no se mostro contenta con su lanzamiento. Posteriormente ellos lo desautorizaron y argumentaron que Get Yer Ya-Ya's Out! (1970) era su verdadero álbum en vivo.
La actuaciones capturadas en el Got Live if You Want It! se realizaron a principios de 1966 en Newcastle upon Tyne y Bristol, durante su última gira por el Reino Unido, aunque en el álbum se afirma que fueron en el Royal Albert Hall.
Los Stones entraron al estudio en octubre de 1966 para intentar reparar las imperfecciones. A pesar de eso Got Live if You Want It! fue considerado como un débil y harapiento documento en vivo.
Para completar el álbum, se agregaron "Fortune Teller" y "I've Been Loving You Too Long" las cuales fueron editadas en estudio agregando gritos de chicas....
La verdad es que tenía esperanzas de ver algo del estilo de ¡Ay Carmela! , o El viaje a ninguna parte , pero no fue así.
Sobre la documentación histórica no hay nada más que preguntar a cualquier anciano que viviese la posguerra, y más en Madrid; para ver que la cosa no era así, y que por un comentario desafortunado o por una sospecha de ser un excombatiente a cualquier nivel del bando de los vencidos, acababas siendo abono bajo la tapia del cementerio.
No es creible la forma de hablar sobre política de los protagonistas, No es creible el giro que pretenden dar con el atentado a Franco, No es creible que cantasen la canción de "Con un franco..." ya que eso era firmar tu pena de muerte y la de toda la compañía de actores... todo el argumento No es creible, las situaciones son irreales, y parecen más propias de una serie infantil, con el único fin de buscar la lagrimilla facil.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Pájaros de papel
AÑO 2010
DURACIÓN 122 min.
PAÍS ESPAÑA
DIRECTOR Emilio Aragón
GUIÓN Fernando Castets, Emilio Aragón
MÚSICA Emilio Aragón
FOTOGRAFÍA David Omedes
REPARTO Imanol Arias, Lluís Homar, Roger Príncep, Carmen Machi, Fernando Cayo, Diego Martín, Oriol Vila, Cristina Marcos, José Ángel Egido, Emilio Aragón 'Miliki', Luis Varela, Asunción Balaguer, Pedro Civera, Javier Coll, Francisco Merino, Lola Baldrich .
Os presento otra banda "garagera sesentera" que he descubierto, que se que alguno os mola este rollo.
The Druids se forman en Nueva York, en 1965, con 5 chavales de 17 años. Gracias a su amistad con Tom Nolan, entran a grabar unas canciones, basicamente versiones, y que propiciaron el lanzamiento de un álbum, que tuvo una buena acogida.
Consiguieron dar un sonido cañero, con voz a grito desgarrado, roto, de cierto parecido a los primerizos Jagger, Eric Burdon, Van Morrison.
El cantante de Druids , David Budge, recuerda tres buenas anécdotas, os las relato que tienen su gracia.
Durante una actuación en un local de Manhattan, estaban como público Mick Jagger, Keith Richard, y Brian Jones . Mientras este último se puso en pie aplaudiendo, a Mick, y a Keith, no les sentó bien lo que se parecia el sonido de los Druids con los Stones , entonces Budge les gritó que si los Druids estaban tocando, era por que admiraban a los Stones.
Otra de esas anécdotas fue la casualidad de que un guitarrista llamado James Marshall Hendrix se tuvo que alojar por un tiempo en el apartamento de Budge, y se empeñó en enseñarle a tocar la guitarra, pero a las dos semanas no le quedó mas remedio que admitir su derrota y le aconsejó que cantara.
Y la tercera y última anécdota, después de una actuación, se le acercó Otis Redding, y le dijo "No está mal, hijo".
Y ahora con todos vosotros The Druids Of Stonehenge .....
Viendo el fin de semana que nos esperaba, decidi el sábado ver Invictus. A priori, la temática de la cinta no es que me atrajese mucho. La hubiera visto tarde o temprano porque me interesa la figura de Mandela, pero hubiera dejado que ella viniese a mí y no al revés. ¡¡ Y así fue!!.
Es una película llena de sentimientos, donde el deporte es utilizado inteligentemente por Mandela como arma política, como nexo de unión entre blancos y negros, con la intención de unir al país de Sudáfrica, no es la mejor película de Clint Eastwood, pero dirigiéndola el maestro....
CAMPEONES CAMPEONES OE OE OE!!!
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Invictus (The Human Factor)
AÑO 2009
DURACIÓN 134 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Clint Eastwood
GUIÓN Anthony Peckham (Libro: John Carlin)
MÚSICA Kyle Eastwood, Michael Stevens
FOTOGRAFÍA Tom Stern
REPARTO Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Julian Lewis Jones, Adjoa Andoh, Patrick Mofokeng, Matt Stern, Leleti Khumalo .
Descubrí hace poco a este "tipo" y me apetecía compartirlo con vosotros.
Fue guitarrista, violinista, cantante y armonicista de blues, nacido en Vinton, Louisiana (EEUU), el 18 de abril de 1924, y fallecido en Orange (Texas), el 11 de septiembre de 2005.
Clarence “Gatemouth” Brown se erige ante nosotros como una de las más colosales figuras de la música de raíces americana. Su estilo personalísimo abrazaba con verdadero ardor e impresionante solvencia, ¡¡Al Loro!!: el swing, el blues de pantano, el zydeco, el jazz en todas sus variantes, especialmente en plan New Orleans, el bluegrass, el country and western.
Virtuoso instrumentista, carismático intérprete, arreglista de una sabiduría y versatilidad inusual. Guitarrista imaginativo, muy expresivo a la vez que veloz, con composiciones tónicas llenas de humor, muy acorde con su estilo guasón como cantante. Como violinista es ecléctico y versátil, capaz de cultivar cualquier estilo.
Trasladado a Texas desde muy pequeño, sus primeras influencias fueron el "western swing" y las big bands de la zona. Se inició musicalmente en bandas del área de San Antonio (Texas), donde se instaló, tocando en un estilo muy cercano al de T-Bone Walker. Comenzó, a partir de 1947, a grabar un buen número de discos en un estilo rhythm and blues muy californiano. A comienzo de los años 1960, tocó música cajún, con Buckwheatcomo pianista.
Obtuvo un gran éxito en Europa a partir de su presencia en el Chicago Blues Festival de 1971 y en el Festival de Jazz de Montreux, donde realizó dos shows el mismo día, uno con música country, y otro de blues, junto a B.B.King. A finales de la década de 1980, varias grabaciones con Rounder Records y Alligator Records, lo redescubrieron para el público americano y lo convirtieron en una figura reverenciada por el gran público.
Asentado en Slidell, junto a Nueva Orleans, sobrevivió milagrosamente al huracán Katrina (2004), aunque perdió su casa y sus bienes. Se refugió en casa de su hermano, en Texas, donde murió con 81 años.
¡¡Por cierto!!, novedades. Estoy migrando el blog de last. fm, que tiene mogollón de limitaciones a Blogger, el problema, es que tiene que ser poco a poco (corta-pega) ya que no me permite exportar a lo bestia, y claro es una currada y un coñazo. Ya os ire contando cuando este acabado.
Más de lo mismo, es decir, Mr. Moore sigue con su tónica “mi país es una mierda, no obstante, me encanta” y arremete ahora contra el sistema económico por antonomasia: EL CAPITALISMO
A mí, personalmente, me gusta el estilo Moore, qué queréis que os diga; es un tipo con mucha gracia. Lo que cuenta y como lo hace me parece muy interesante: imágenes de archivo, películas, vídeos caseros, entrevistas plagadas de preguntas ingeniosas... todo ello aderezado con una banda sonora genial y con los comentarios irónicos y las tonterías de turno que se le ocurren.
Ningún detalle, ningún dato es escandalosamente exagerado... creo que la realidad es tal cual, o peor, de lo que Mr. Moore apunta.
En conclusión, que Michael Moore puede ser el hombre más ególatra del mundo, ¿por qué no? Pero su forma de criticar, dejando siempre espacio para el optimismo y el humor, y su manera de explicarlo todo de esa manera tan sencilla y amena opino que tiene mucho mérito.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Capitalism: A Love Story
AÑO 2009
DURACIÓN 120 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Michael Moore
GUIÓN Michael Moore
MÚSICA Jeff Gibbs
FOTOGRAFÍA Daniel Marracino, Jayme Roy
REPARTO Documentary, Michael Moore
PRODUCTORA Dog Eat Dog Films / Overture Films / Paramount Vantage .
Moby Grape es perfecto para aquellos que disfruten del sonido de los 60, tiene un poco de folk, pop, blues, toques de rock & roll, country y hasta gospel.
Los cinco componentes componían cantaban de maravilla y una acertada (y bastante difícil) conjunción de las tres guitarras.
La banda tuvo una serie de pequeñas calamidades consecutivas que afectó a su carrera. Su mánager, un personaje llamado Matthew Katz; y la compañía Columbia tuvieron mucho que ver.
Maravillados ante la calidad de la banda en su primer trabajo Moby Grape (1967) decidieron sacar 5 singles a la vez en lugar de uno, lo que propició la confusión de disc-jockeys y público, el cual desconfiaba de todo aquello que pareciera demasiado comercial. Muchos creyeron que eran una copia de los Monkees (considerados como los "triunfitos" de la época).
Además, tres de ellos fueron pillados con chicas menores de edad y denunciados por ello. Y por si fuera poco, eran aficionados a los escándalos y a la marihuana. Demasiada mala publicidad... una lástima.
Os cuelgo Hey Grandma , himno del rock ácido californiano.
El Instinto protector se convierte en el único argumento para no saltarse la tapa de los sesos y seguir luchando en un mundo moribundo, degenerado, hostil.
Un mundo sin esperanza en el que los escasos supervivientes son aves rapaces que matan a sus semejantes para subsistir. Para arañarle horas, días, semanas o meses a una muerte segura.
Por eso pienso que no es lo mismo ver "The Road" teniendo un hijo de corta edad que no teniéndolo. Ni por el forro. Para comprender las razones que pueden empujar a un hombre a peregrinar sin rumbo fijo por un mundo agonizante.
"The Road" huye rápidamente de lo que podría haber sido una película sin demasiada sustancia, y se transforma en algo mucho más definido, donde las decisiones de un hombre que ha perdido la fe, la esperanza, chocan con la opinión de su hijo, un niño que aun posee algo de inocencia y que no ve tanta negrura en el corazón de los demás como lo hace su propio padre.
Una notable película, para reflexionar.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL The Road
AÑO 2009
DURACIÓN 112 min.
PAÍS USA
DIRECTOR John Hillcoat
GUIÓN Joe Penhall (Novela: Cormac McCarthy)
MÚSICA Nick Cave
FOTOGRAFÍA Javier Aguirresarobe
REPARTO Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce .
Siempre me han producido ternura los Kiss . Es probable que sea de las bandas que más me impresionaban a mediados de los 80.
Sin ser seguidor de su música, recuerdo como me alucinaba el "escalope de ternera" de lengua de Gene Simmons , los pinchos, las plataformas las guitarras con forma de hacha.....
Me fui haciendo mayor y la verdad es que los olvide, mis gustos musicales eran otros y en los rockero me iban más los AC-DC por ejemplo.
Pero cuando me entere este invierno que volvían a Madrid, me dije que no me los podía perder.
Quería experimentar como era un concierto de Kiss que tantas veces me habían contado como algo espectacular, sentía autentica curiosidad y también algo de temor, ya que la línea que separa lo espectacular con lo patético es muy fina cuando se trata de una panda de tíos de más de 50 tacos que se pintan la cara de blanco, calzan alzas y escupen sangre y fuego.
Ya cuando nos íbamos aproximando al Palacio de los Deportes se iba catando el ambiente, gente de todas las edades, muchas camisetas negras, mucho maquillaje….
Una vez dentro un enorme telón con el nombre de la banda en plateado nos daba la bienvenida, y en unas pantallas laterales podíamos ver la imagen de Google Earth como se iba aproximando a toda velocidad al Palacio hasta que unos gigantes Kiss se introducían en el recinto.
La cámara les seguía por el backstage a punto de salir con manager incluido. La verdad es que me molo el vídeo.
Tengo que reconocer que al principio me pareció algo cutre, lo de Google Earth no me parece muy original, y lo de la banda como gigantes aproximándose al Palacio pues tampoco pero el rollo del backstage con el manager tipo mafioso italiano a lo John Pesci me encanto le dio un sabor muy Las Vegas.
Y empezó todo, explosiones, fuegos Gene Simmons, Paul Stanley, Tommy Thayer y Eric Singer aterrizando sobre una plataforma articulada en el escenario un descenso del cielo a los infiernos del rock .
Sonaron todos los temas clásicos Love gun Detroit rock city, 'Black diamond' , y fue en I was made for lovin' you cuando Paul Stanley se desplazó a toda velocidad sobre una tirolina jugándose el tipo hasta el centro de la pista.
Tras esto “apoteosis final” con 'Rock and Roll All Nite'; confeti, llamaradas batería levitando como por arte de magia y homenaje de la banda a los grandes del rock.
En resumen sensación de hipnosis generalizada por la gran cantidad de efectos, explosiones y despliegue audiovisual, y por supuesto poder ver a cuatro tipos haciendo “su curro a la perfección”, todo controlado como una máquina bien engrasada que funciona a pesar de sus años en la carretera.
Se que para mucha gente esto es solo un circo pero ¡coño!
Por eso antes de nada advierto que al que le guste Blowin in the wind y dos más y no tenga ni idea de la vida o de las canciones de Dylan mejor que se ahorre esta película, ya que es posible que al cuarto de hora esté diciendo:
.- ¡¡Menudo lio!! No me entero de nada.¡¡Que coñazo!!.-
Esta Inspirada en “la música y las múltiples vidas de Dylan”, a través de seis personajes distintos, interpretados por tantos actores, que cubren las personalidades y épocas más representativas del de Minnesota.
La historia esta contada de una forma desordenada, sin linealidad temporal, con cambios a veces bruscos entre personajes y tonos, y narra hechos reales pero también leyendas y fragmentos inventados sobre Dylan para dar forma no sólo a su historia, sino para reflexionar sobre el arte y el propio artista.
En cuanto a las interpretaciones, destacar las de Cate Blanchett, en el papel del Dylan más identificable de la película
En resumen, un regalo para los fans de Dylan que dudo que te guste si no lo eres.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL I'm Not There
AÑO 2007
DURACIÓN 135 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Todd Haynes
GUIÓN Todd Haynes, Oren Moverman
MÚSICA Bob Dylan
FOTOGRAFÍA Edward Lachman
REPARTO Christian Bale, Cate Blanchett, Charlotte Gainsbourg, Richard Gere, Heath Ledger, Julianne Moore, Michelle Williams, Bruce Greenwood, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin, Kris Kristofferson, Kyle Switzer
Hoy le toca a una canción que el martes pasado cumplió 45 años.
A mi se me había pasado¡¡PECADOR!! para ti que DYLAN ES DIOS.
Pero uno es un simple humano y la verdad es que no tenía ni idea.
Y fue gracias a mi "documetalista preferida" que me paso esta información, para que hoy podamos hacerle este pequeño homenaje a esta MARAVILLA ....
Apenas tres meses antes, el 8 de marzo de 1965, 3.500 marines habían desembarcado en la base survietnamita de Da Nang. Faltaban tres años para aquel mayo, pero en París, en Roma, incluso en Madrid y Barcelona, muchos ya veían en los adoquines un arma- arrojadiza, y soñaban con que debajo de ellos esperaba la playa. El mundo olía a molotovs y banderas rojas. Negros y blancos habían caminado juntos en Washington hacía un par de veranos.
En la 7° Avenida de Nueva York aquel día de junio del 65, el 15, exactamente, en los estudios de Columbia Records, la cosa está que arde.
En su refugio de Woodstock, de vuelta de una gira agotadora, no tiene muy claro cuál será su camino de aquí en adelante. El viejo folk dé Guthrie y Seeger se le queda pequeño, pero de repente Bob- Dylan sufre un trance poético que de forma automática derramará sobre diez folios en blanco:
«Once upon a time you dressed
so fine / Thew the bums a dime,
in your prime...»
(«En otro tiempo
ibas muy elegante, estabas en la flor
de la vida y le arrojabas centavos a
los mendigos..;»).
Bob llegó al estudio y empezó a comerse el coco. La canción estallaba en su cabeza pero no había forma de conectarla con algo parecido a un pentagrama, algo mínimamente entendible, emocionante. Se sienta al piano, se levanta. Al Kooper tamborilea sobre su teclado Hammond.
Dylan ve la luz. Ahí, ahí. El grupo lo intenta una y otra vez, hasta cinco, la cosa no acaba de cuajar. La canción se les va de las manos, se pierde, la buscan y no la encuentran. Mañana será otro día. 16 de junio de 1965. Una,dos, tres tomas. A la cuarta va la vencida.
Un golpe de baqueta de Bobby Gregg cae como un martilló sobre la caja, un baquetazo que era simplemente, como Bruce Springsteen recordaría años más tarde, «como si alguien abriera de una patada la puerta de tu mente».
Había echado a rodar una de las canciones más extrañamente bellas, más intensas de la historia del rock and roll: «Like a rolling stone», seis minutos de desasosiego, de angustia, de venganza, como si Dylan clamara en el desierto:
«Dime, dime, qué como te
sientes sin un puto hogar,
como undesconocido, como una puta bala perdida».
La mejor de las mejores Qué canción, llena de esquinas, de recovecos, de escondrijos, de tormentas. Dios, no tengo palabras.
Pero sí las ha tenido el periodista Greil Marcus, quien le ha dedicado a la tonada 200 páginas, las de su libro «Like a rolling stone. Bob Dylan en la encrucijada» Una canción que ha sido elegida por la revista «Rolling Stone» como la mejor de la historia del rock and roll. Todo lo que quiso saber sobre ella y nunca se atrevió a preguntar. Y al decir todo, decimos todo. Sus orígenes, sus miles de posibles significados, la epopeya de su grabación minuto a minuto, sus influencias («La bamba», de Ritchie Valens), Muddy Waters (de su «RoUin'stone» tomaron su nombre los chicos de Jagger) y, por supuesto, sus consecuencias: cuando Bob Dylan la estrenó un mes después (el 25 de julio, a los cinco días de su edición) en el Festival de Folk de Newport nació el cisma entre puretas y eléctricos con Bob a la cabeza.
Un año después (7 de mayo del 66), a Dylan le llamaron Judas en Inglaterra, antes de que empezara a tocarla.
El libro de Marcus pone todos y cada uno de los puntos sobre todas las íes de una canción que cambió la historia del rock. Poesía y decibelios de la mano. El verso encendido e incendiado de Dylan y el poderío de una guitarra eléctrica.
Aquel 20 de enero de 1942 se produjo una reunión en una mansión de una villa al sudeste de Berlín que haría que la historia del pueblo judío, de Europa y por lo tanto del Mundo cambiara radicalmente.
Aquella reunión convocada por quizá el más siniestro, pero también uno de los más estimulantes nazis de la época, Reinhard Heydrich, y organizada por el coronel de las SS Adolf Eichmann es contada de forma brillante en esta película producida para televisión del año 2001 y dirigida por Frank Pierson.
Un producto de la HBO, siempre es algo que cuidan hasta el detalle. Y en éste se nota este esmero, aunque no necesitase una elaborada producción. Sólo una mansión, un buen guión y unos cuantos actores competentes.
Y realmente se logra el propósito. Más que una reunión para decidir el destino de millones de personas, parece que entras en una reunión burocrática de cualquier ministerio o empresa. No hay odio, sólo intereses. No hay pasión, sólo es un trámite administrativo. No hay ni siquiera una lucha por un malvado ideal, sólo es un papeleo más.
Es lo que Hannah Arendt llamaba con acierto "la banalidad del mal". Y por eso horroriza más.
La estructura es muy teatral, pero poco a poco logra captar tu atención demostrando como se puede preparar un infierno en la tierra... con sólo un bolígrafo.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Conspiracy (TV)
AÑO 2001
DURACIÓN 96 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Frank Pierson
GUIÓN Loring Mandel
FOTOGRAFÍA Stephen Goldblatt
REPARTO Stanley Tucci, Kenneth Branagh, Colin Firth, Barnaby Kay, Ben Daniels, David Threlfall, Jonathan Coy, Brendan Coyle, Ian McNeice
Rock of Ages fue el primer álbum en directo de la carrera discográfica del grupo canadiense The Band .
El álbum supone una crónica de la serie de conciertos ofrecidos en la Academia de la Música de Nueva York entre el 28 y el 31 de diciembre de 1971, combinando varios de sus éxitos con versiones de temas clásicos compuestos por Marvin Gaye o Chuck Willis e incluso una improvisación de Garth Hudson al órgano.
Rock of Ages es considerado por seguidores y parte de la crítica musical como uno de los mejores álbumes en directo de la histora musical.
Originariamente publicado como álbum doble, sería reeditado en 1980 como dos LPs separados, titulados Rock of Ages, Vol. 1 y Rock of Ages, Vol. 2.
La primera edición en disco compacto, en 1987, comprimió varias de las canciones para su publicación en un único CD.
En 2001, Rock of Ages sería nuevamente reeditado, incluyendo diez canciones adicionales de la misma serie de conciertos, cuatro de las cuales incluyen la participación de Bob Dylan.
Tan real que duele, que molesta, que cabrea, porque su tema principal está candente. Que en plena crisis económica se haga una película sobre un tipo que trabaja para una agencia que despide a la gente es, como poco, irónico. Y muy valiente.
Up in the air aborda sin concesiones y sin que te des cuenta cosas como el “American Dream”, las aspiraciones, las necesidades de etiquetarnos en un lugar aunque eso incluya infidelidades y necesidades de escapar, el sentido del trabajo y lo prescindible que somos, la realidad de los despidos, la soledad, el amor, el lugar y las pertenencias como definición propia…
Up in the aires original, divertida, sexy, elegante, de las que se disfruta y saborea. Es de envase ligero pero de reflexión dura y pesada.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Up in the Air
AÑO 2009
DURACIÓN 109 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Jason Reitman
GUIÓN Jason Reitman, Sheldon Turner (Novela: Walter Kirn)
MÚSICA Rolfe Kent
FOTOGRAFÍA Eric Steelberg
REPARTO George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, Tamala Jones, J.K. Simmons, Danny McBride, Chris Lowell, Zach Galifianakis, Steve Eastin .
Tras la visita el pasado miércoles del gran BB King y con este calor hoy me he levantado con ganas de Blues.
No se porque yo siempre he relacionado el Blues con el calor.
Os voy a hablar de....
GEORGE BUDY Y BIG MAMA THORNTON
George "Buddy" Guy (30 de julio de 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy.Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.
A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Louisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vio tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciéndose acreedor a un contrato de grabación.
Willie Mae Thornton (Montgomery (Alabama), 11 de diciembre de 1926 – Los Ángeles, 25 de julio de 1984), Big Mama Thornton, cantante estadounidense de blues y de rhythm and blues. Tocó también la armónica y la batería. Prototipo de vocalista de blues, su voz es apasionada y exuberante, tendente a los desplazamientos de volumen. Su fuerte sentido de la independencia, la privó probablemente de haber conseguido más contactos que hubiesen impulsado una carrera no excesivamente exitosa. Entre las influencias que se le pueden apreciar están las de Bessie Smith, Ma Rainey, Mahalia Jackson y Julia Lee. Fue la primera en obtener un gran éxito con la canción "Hound Dog" en 1952. El tema fue número uno en Billboard charts durante siete semanas.
Bueno pues tras este rollo wikipedia, aquí les tenéis a los dos tocando y cantando el famosísimo "Hound Dog"
Posiblemente, estemos ante una de las pelis más raras de los Coen. O pillas la broma, o no la pillas.
El prólogo es… inquietante.
El desarrollo… fulminante.
El final…, …, …, ¿cómo es el final?..., …, diré, de nuevo, inquietante.
Los personajes maravillosos, con ese señor a la cabeza, que parece el hermano de Harold Lloyd, y un montón de secundarios de perfecta integración en el relato.
Me encanta, sobre todo, ese señor oficinista que siempre se asoma al despacho del protagonista. Pero se podría destacar a cualquiera de los actores que por la película asoman, incluso a los que ni siquiera tienen texto (esa señora que entra en el despacho del jefe de estudios a traer un café… cualquier mujer que ejerciese tal función en 1967, debería de ser exactamente así).
La expresividad, marca de la casa . Aquí los sueños lo son antes de serlo, los fumaos van muy fumaos, los feos son muy feos, los judíos muy judíos, los viejos muy viejos, las desgracias el colmo del humor negro…..
En resumen . Es una peli de los Coen no apta para todos los públicos. Ellos no buscan a todos los públicos, y asumen que tanto la crítica como el público lo mismo la van a alabar que a poner a parir, y ambas cosas son justas y merecidas. Se lo han ganado a pulso.
Menos mal que hoy en día todavía queda gente capaz de hacer cosas completamente distintas a las existentes.
¡Viva la anarquía narrativa!
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL A Serious Man
AÑO 2009
DURACIÓN 105 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Joel Coen, Ethan Coen
GUIÓN Joel Coen, Ethan Coen
MÚSICA Carter Burwell
FOTOGRAFÍA Roger Deakins
REPARTO Michael Stuhlbarg, Richard Kind, Fred Melamed, Sari Lennick, Adam Arkin, Aaron Wolff, Jessica McManus, Simon Helberg, George Wyner, Fyvush Finkel .
The Fratellis son una banda de rock originaria de Glasgow, Escocia.
Tocaron por primera vez el día 4 de Marzo de 2005 en el bar O’Henry’s de Glasgow.
Supuestamente la banda surgió a partir de un cuarteto que tocaba en bodas, pero de acuerdo al programa televisivo Top of the Pops, la banda se reunió después de que los miembros se conocieron colocando anuncios en la misma tienda de discos.
Diferentes fuentes citan diferentes orígenes del nombre de la banda. Algunos dicen que se deriva de la película "The Goonies", aunque la banda confirmó que éste no es el caso durante el programa Jonathan Ross Show de la cadena BBC Radio 2 el 9 de septiembre de 2006. De acuerdo a una entrevista para el periódico The Sun, parece que el nombre fue tomado de Barry el bajista, cuyo apellido original es Fratelli, siendo así que los demás miembros de la banda adoptaron este pseudónimo.
Millennium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina
Continuación de la saga Millennium que deja bastante que desear.
La primera me pareció una película sorprendente e impactante, entretenida, intensa, intrigante y con unos personajes muy bien construídos. Pero no puedo decir lo mismo de su continuación.
Tal vez vista dentro de la trilogía, "Millennium 2" sí resulte básica ya que parece más bien un preludio largo para la tercera y última entrega, pero como película individual es un desastre. De entrada, si no has visto la primera entrega o no has leído la novela, ni te molestes en verla porque no te enteraras de nada en absoluto, porque "Millennium 2" no se molesta en explicar mínimamente al espectador NADA de lo que acontece en el metraje ni porqué.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Flickan som lekte med elden (The Girl Who Played with Fire)
AÑO 2009
DURACIÓN 129 min.
PAÍS Suecia
DIRECTOR Daniel Alfredson
GUIÓN Stieg Larsson
MÚSICA Jacob Groth
FOTOGRAFÍA Peter Mokrosinski
REPARTO Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto .
Se dice de The Jayhawks que son la mejor banda desconocida del planeta, y mucho nos tememos que pueda ser verdad.
The Jayhawks nacen en Minneapolis en 1985 como una idea original de Mark Olson. Para ello, cuenta con la ayuda de Marc Perlman como bajista y de Norm Rogers como batería. En sus primeras actuaciones les acompaña Steve Retzler como segunda guitarra. Cuando Olson comenta a Gary Louris que necesitan un lead-guitar estable en la banda y le pide alguna sugerencia, Louris se ofrece a sí mismo como la solución que buscaban.
Es con esta formación con la que empiezan a darse a conocer en los conciertos locales de Minneapolis. Anclados en el country rock, los jóvenes Jayhawks imitan en su sonido a los clásicos de este estilo como Flying Burrito Brothers, Poco o The Byrds de "Sweetheart of the Rodeo".
En 1995, una de las mitades creativas del grupo, Mark Olson, se cansó de que su banda fuera unánimemente alabada por la crítica y por un pequeño pero fiel sector de fans, y sin embargo las ventas nunca llegaran. Gary Louris, el otro cantante, compositor y guitarrista de la banda, decidió seguir adelante con el proyecto.El grupo evolucionó entonces del country-rock de sus anteriores álbumes a un sonido más cercano al pop y al rock, manteniéndo la carismática voz y guitarra de Louris, y la increíble calidad de las canciones.
Os cuelgo una de mis canciones preferidas de los Jayhawks pertenece a su tercer disco y fue grabado en 1992 con la formación original de la banda, para mi gusto su mejor época. En pleno apogeo Grunge en EEUU, estilo musical con el que no tienen nada que ver.
Es más country que su siguiente disco "Tomorrow The Green Grass", por lo que puede parecer más tranquilo, pero tiene esas melodías que estos genios consiguen. Armonías de Olson-Louris autores de todas las canciones con la colaboración de Perlman en "Wichita".
No podría destacar una u otra canción, unas mas eléctricas (Neil Young) como "Waiting For The Sun" o "Take Me With You", otras como "Crowded In The Wings" o "Settled Down Like Rain" con Olson-Louris haciendo que no olvides ya las melodías que cantan. La cuarta "Two Angels", la tercera "Clouds", la que cierra el disco y la que os pongo es "Martin's Song" .
El origen de Ten Years After se encuentra en una banda de blues del área de la ciudad de Nottingham llamada The Jaybirds, que había sido creada en 1962 por el guitarrista Alvin Lee (1944) y el bajista Leo Lyons (1943).
Ese mismo año, The Jaybirds llegaron a tocar en el All Star Club de Hamburgo, una semana después de que lo hicieran los Beatles. En 1965, entró como nuevo batería del grupo Rick Lee (1945), que continuará posteriormente con Lee y Lyons en la etapa Ten Years After .
Las posibilidades entonces de triunfar en el mundo de la música pasaban inevitablemente por la ciudad de Londres, y en 1966 The Jaybirds decidieron trasladarse allí en busca de una mayor proyección artística y, sobre todo, de una oportunidad discográfica.
La formación se amplió entonces con el teclista Chick Churchill (1946), que había trabajado para ellos como road manager, y el grupo contrató como manager a Chris Wright, el cual propuso cambiarles el nombre a Blues Trip y después a Blues Yard.
Con este último nombre tocaron por primera vez en el club The Marquee, aunque poco después decidieron llamarse definitivamente Ten Years After ..
Se trata de una sencilla historia, que precisamente con el arma de lo sencillo logra sumergirnos en las dos desilusiones de sus protagonistas: su vida en Palestina y la de su encuentro con “Amreeka”.
Muna mujer de mediana edad, divorciada, cansada de tener que pasar los puntos de control de Cisjordania, y su hijo adolescente Fadi, que a pesar de ir al mejor colegio que puede permitirse su madre no ve ningún futuro prometedor. Deciden irse a los EEUU, a casa de la hermana de Muna y su familia en Illinois.
Allí tendrán que intentar encajar en una cultura que tras la invasión de Irak mira con desconfianza a todo aquel que venga de medio oriente, sin saber distinguir, debido a la ignorancia de una parte de la sociedad americana sobre todo lo referente a oriente medio.
La película es eso, una película descriptiva, sencilla. Y esa sencillez es la que te ayuda a comprender a los personajes.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Amreeka
AÑO 2009
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Canada
DIRECTOR Cherien Dabis
GUIÓN Cherien Dabis
MÚSICA Kareem Roustom
FOTOGRAFÍA Tobias Datum
REPARTO Nisreen Faour, Melkar Muallem, Hiam Abbass, Alia Shawkat, Jenna Kawar, Selena Haddad, Yussuf Abu-Warda, Joseph Ziegler, Andrew Sannie, Daniel Boiteau, Brodie Sanderson, Aaron Hughes .
El sabado por la noche necesitaba recuperar algo del mejor Allen, así que volví a Hannah, ella siempre está en mi memoria y no me podía decepcionar .
Sachs, el ex-marido de Hannah, es un hipocondríaco realizador de televisión que vive en Nueva York. La primera vez que aparece en escena lo vemos ajetreado, en pleno trabajo, inmerso en el mundo de la televisión. Ahogado a causa del tiempo y discutiéndose con guionistas del medio.
Sachs, de personalidad hipocondríaca, visita con frecuencia la consulta médica. En una de estas visitas -Sachs se queja del oído-, su médico, al cabo de realizar una serie de pruebas, prefiere descartar otras posibilidades y lo deriva a un especialista para poder realizarle más.
La incertidumbre aparece entonces en Sachs, en aquel que aún no conoce, y consulta -vía telefónica- a un médico conocido suyo. Sachs padece un zumbido agudo en un solo oído y éste parece ser uno de los síntomas del tumor cerebral.
Se alarma, se alarma mucho: "si tuviera un tumor cerebral no sé lo que haría..." , dice Sachs. Sirve de conejito de Índias para realizar una sucesión de pruebas.
Sufre insomnio: "No puedo dormir [...] No dejo de pensar que lo noto (el tumor) cada vez que parpadeo [...] Haré un trato con Dios: que no sea nada más que el oído, ¿de acuerdo? Me quedaré sordo y ciego, bueno de un ojo, pero no quiero que me operen el cerebro."
De repente, para Sachs, todo carece de sentido: el programa de televisión, la vida... Tal vez no muera hoy, pero tarde o temprano pasará. No hay nada en este mundo por el que valga la pena vivir porque todos moriremos y al fin todo acabará.
Empujado por la necesidad humana de creer en algo que le otorgue un sentimiento de seguridad, Mickey Sachs recurre a la religión con el propósito de dar sentido a su vida, barajando entre las distintas religiones la que considera más útil, la que más le conviene en un sentido práctico. Pero la búsqueda de un universo con Dios lo deja aún más vacío.
Tras ver esta película descubres que es en lo que cree Woody Allen.
Él cree en algo llamado CINE.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Hannah and her Sisters
AÑO 1986
DURACIÓN 106 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Woody Allen
GUIÓN Woody Allen
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Carlo Di Palma
REPARTO Woody Allen, Mia Farrow, Michael Caine, Barbara Hershey, Dianne Wiest, Max von Sydow, Carrie Fisher, Lloyd Nolan, Maureen O'Sullivan, Sam Waterston, Ron Perlman, Daniel Stern
Un grupo de amigos que todavía encuentran divertido el rock’n’roll. La banda se formó en Brooklin, New Cork City. Proceden de dos de los principales grupos de la ciudad. Andy es miembro y fundador de los míticos “Dictators” y ademas compone el 99% de las canciones de este grupo. Keith y Bill son el 50% de “Fleshtones”. Tienen mas de una docena de discos editados y han venido a nuestro país al menos otra docena de veces. Keith es un fabuloso guitarrista y tiene una de esas voces personalísimas que reconocemos en los Fleshtones. Bill no es un batería espectacular, pero es el batería ideal, sobrio y efectivo. En alguna parte de su cabeza debe tener un reloj, con el cual mantiene el “tempo” mejor que nadie.
Paul Johnson, es el equilibrio en el grupo y sin duda para mi, el gran descubrimiento. Paul ha tocado con diversas bandas en el sur de los Estados Unidos por ejemplo en “Washing Poetics” y como ingeniero y productor ha trabajado con un montón de grupos incluyendo tanto a Dictators como a Fleshtones.
Utilizando el mismo técnico y los mismos estudios y siendo los miembros de ambas bandas amigos íntimos, un buen día surgió el ensayo común y ante la experiencia satisfactoria, los lideres en la sombra de Fleshtones y Dictators decidieron dar un paso adelante y ponerse en la primera fila del escenario creando The Master Plan..
Estas son las imborrables palabras que mejor describen al País de las Maravillas, y que mejor que la nueva adaptación sea dirigida por Tim Burton ....
Y ese es el problema de esta película la expectativa que genera.
Uno piensa (la maravillosa e inmortal historia de Lewis Carroll, el genio de Burton, sus grandes fetiches, Deep y Bonham Cartes, un presupuesto millonario, etc, etc.) y sigue pensando que con semejante combinación nada puede fallar y parte rumbo al cine entusiasmado -hoy, veré un gran obra de arte.
PERO
Si, hay un terrible pero.
Esto no es Alicia en el País de las Maravillas , si no otro cuento, que pierde toda la profundidad del original. Siempre encontré esta historia llena de un subfondo maravilloso, que cada cual podía captar de diferente modo. La acción se torna convencional (la batalla final me sacó algún que otro bostezo; la narrativa no tiene mucho sentido, pero tampoco busca otro camino, simplemente consigue hacerme aburrir alguna que otra vez; la música no depara ninguna melodía discernidle ni memorable, como en otros clásicos de Burton ...
Burton parece haberse quedado en la superficie.
¡Sus personajes desconciertan por la falta de impacto que tienen!.
En fin, me decepciona. No consigue emocionarme
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Alice in Wonderland
AÑO 2010
DURACIÓN 108 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Tim Burton
GUIÓN Linda Woolverton (Novela: Lewis Carroll)
MÚSICA Danny Elfman
FOTOGRAFÍA Dariusz Wolski
REPARTO Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover, Matt Lucas, Marton Csokas, Jemma Powell, John Hopkins, Eleanor Gecks, Eleanor Tomlinson .
Pertenece al disco, "John Wesley Harding" de 1967 y dice.....
"Tiene que haber una salida"
dijo el bufón al ladrón"
hay demasiada confusión
no encuentro respiro,
los hombres de negocio se beben mi vino,
los campesinos trabajan mi tierra,
pero ninguno de ellos
conoce el valor de esas cosas".
"No hay razón para excitarse"
dijo amablemente el ladrón"
muchos de entre nosotros
piensan que la vida es sólo una broma,
pero tú y yo ya hemos pasado por eso
y ése no es nuestro destino,
así que ahora dejémonos de falsedades,
se está haciendo tarde".
A lo largo de la atalaya
los príncipes vigilaban el paisaje
mientras todas las mujeres iban y venían
y también sirvientes, descalzos.
A lo lejos un gato montés gruñó
dos jinetes se acercaban,
el viento empezó a aullar.
Dylan escribió esta canción cuando terminaba su recuperación por el accidente de moto que había sufrido a mediados de 1966 y que casi le costo la vida. El tema está basado en un pasaje de la Biblia que cuenta la historia de una torre de vigilancia donde un hombre avisa de todo lo que ve.
Tras el accidente, la personalidad de Dylan cambió: se volvió más reservado, y se dio cuenta que quería vivir su vida y dejar de servir a un montón de "sanguijuelas" que le rodeaban.
Al año siguiente, Jimi Hendrix hizo su propia versión del tema, en su álbum Electric Ladyland. Para muchos esta versión supera a la original. Pero para gustos.....
Una película que narra la historia de un hombre con Sindrome de Down que se enamora de una mujer que trabaja con él.
Lo que empieza como algo curioso va subiendo enteros por momentos, presentando algunas secuencias bastante bien realizadas y un sentido del humor fácil, sin mucha garra, pero efectivo.
Lamentablemente, en su ecuador, el film no sabe mantener el tono y lo que hasta el momento era (al menos) curioso pasa a convertirse en una tontería alargada.
En resumen, mezcla de drama y comedia, que se convierte en un simple mecanismo para explotar (desde la correción política) las opciones que da presentar a una persona con sindrome de down.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Yo, también
AÑO 2009
DURACIÓN 105 min.
PAÍS España
DIRECTOR Álvaro Pastor, Antonio Naharro
GUIÓN Álvaro Pastor, Antonio Naharro
MÚSICA Guille Milkyway
FOTOGRAFÍA Alfonso Postigo
REPARTO Lola Dueñas, Pablo Pineda, Isabel García Lorca, Pedro Álvarez Ossorio, Antonio Naharro, María Bravo, Consuelo Trujillo, Daniel Parejo, Lourdes Naharro, Catalina Lladó, Susana Monje, Joaquín Perles, Teresa Arbolí, Ana Peregrina, Ana de los Riscos, Ramiro Alonso .
Carl Lee Perkins (Ridgely, Tennessee, 9 de abril de 1932 - Jackson, Tennessee, 19 de enero de 1998) fue un músico estadounidense pionero del rockabilly, una mezcla de rhythm and blues y música country, que inició su carrera con la Sun Records en Memphis al comienzo de los años 50.
Gran compositor, cantante y guitarrista. Además fue un tipo con buen “rollo”, modesto y sencillo.
Es el autor de unos cuantos temas básicos en la historia del r&r, como por ejemplo Blue Suede Shoes que interpretó magistralmente Elvis o Everybody's Trying To Be My Baby y Honey Don't que popularizaron los Beatles ; eso por citar algunas.
De origen humilde, su padre era un granjero arrendatario, Perkins se crió rodeado por la música gospel cantada por los afroamericanos en los campos del algodón.A la edad de siete años ya jugaba con una guitarra que su padre le hizo con una caja de cigarros y los alambres de embalaje. A los trece, ganó un concurso de nuevos talentos con una canción que él mismo escribió y que la llamó "Movie Magg". Diez años más tarde, Perkins llevaría esa misma canción, renombrada como Sam Phillips, a la Sun Records.
Sus comienzos fueron trabajando en salones de baile country de mala muerte de su pueblo, acompañado por sus hermanos Jay con la guitarra rítmica y Clayton al bajo.En 1956, un desesperadamente pobre y luchador Perkins , escribió la canción Blue Suede Shoes sobre un viejo saco de patatas. Con Sam Phillips como productor, el disco sería un éxito clamoroso. En los Estados Unidos, alcanzó el número 1 en la Billboard magazine en su sección de música country, el 4 en la sección de música Pop y el 3 en la de rhythm and blues. En el Reino Unido, se convirtió en un éxito de los Top Ten. Fue el primer disco de un artista de la casa Sun que alcanzó un millón de copias.
Pero mala fortuna hizo que, con la canción en la cima del éxito a nivel nacional, Perkins tuviera un grave accidente de coche.
Ocurrió el 21 de marzo de 1956 cuando viajaba junto a su grupo a participar en un programa de televisión de Ed Sullivan que servía de trampolín a muchos artistas. En el accidente, ocurrido en Wilmington, fallecieron su hermano Jay y su manager.
Perkins sufrió una fractura de cráneo que lo mantuvo fuera de la música todo un año.Durante su convalecencia, Perkins sólo pudo ver como su amigo, Elvis Presley , obtenía un enorme éxito cantando su misma canción.
Intencionadamente o no, la versión de Elvis robó el éxito inicial de Perkins , y él nunca alcanzó otro nuevo éxito, incluso después de su marcha a la Columbia Records en 1958. Sin embargo, sus canciones fueron escuchadas por el público, en la interpretación de otros grupos como los Beatles , que grabaron los temas "Matchbox", "Honey Don't" y "Everybody's Trying To Be My Baby".
En 1968, Johnny Cash alcanzó, con la canción escrita por Perkins"Daddy Sang Bass" , el número 1 en las listas de música country. Perkins pasaría una década de giras con los Cash . También realizaría giras con sus hijos Stan y Greg.Con el resurgir del rockabilly en los años 80 la estrella de Perkins volvió a brillar de nuevo. En 1985, Perkins regrabó su Blue Suede Shoes acompañado de dos miembros de los Stray Cats, como parte de la banda de música para la película "Porky's Revenge".
Al siguiente año, George Harrison, Eric Clapton y Ringo Starr aparecieron con él en un especial para la televisión grabado en Londres, titulado Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session .
En 1986, volvió a los estudios de la Sun en Memphis, junto a Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison en el álbum Class of '55. El disco era un tributo a sus años en esa discográfica y, específicamente, al grupo Million Dollar Quartet formado por Perkins, Presley, Jerry Lee Lewis y Johnny Cash que realizaron sesiones improvisadas, hoy ya clásicas, que fueron grabadas el 4 de diciembre de 1956.
En 1987, el reconocimiento de su contribución a la música le vino al incluirle en el Rock and Roll Hall of Fame , un museo dedicado a los artistas más influyentes del rock and roll. Su Blue Suede Shoes fue elegido como una de las 500 canciones más famosas del rock and roll y se le concedió un Grammy especial a su relevancia histórica.
Su último álbum, Go Cat Go!, fue lanzado en 1996 y en el mismo colaboraron muchos de los artistas ya nombrados junto a otros nuevos como Paul Simon, John Fogerty, Tom Petty y Bono .
Carl Perkins murió a la edad de 65 años a causa de un cáncer de garganta..
Nada sobra . Nada falta. Y nada queda sin sujetar.
La película gira alrededor de dos ejes conectados que reflexionan sobre cosas tan grandes como el Amor, así con mayúsculas, la pasión, la venganza y la justicia de manera absolutamente brillante y deslumbrante.
Y horas después de haberla visto, de haberla disfrutado, todavía me quedan momentos, secuencias grabadas en mi retina...
Una máquina de escribir que no teclea las "aes" en palabras tan sustanciales como el verbo Amar.
Unos ojos que demuestran amor puro, sin el lastre que supone lo obligado y cotidiano.
La sencillez de lo cómico y lo cruel.
El castigo como la absoluta "Nada"... sensaciones que hablan, palabras que callan.
El paso de la risa al llanto.Y un final romántico, emocionante, CLÁSICO .
Una historia que todos deberiamos ver, porque a todos nos falta alguna letra....
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL El secreto de sus ojos
AÑO 2009
DURACIÓN 126 min.
PAÍS Argentina
DIRECTOR Juan José Campanella
GUIÓN Juan José Campanella, Eduardo Sacheri
MÚSICA Federico Jusid, Emilio Kauderer
FOTOGRAFÍA Félix Monti
REPARTO Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, José Luis Gioia, Mario Alarcón, Mariano Argento, Ricardo Cerone, David Di Nápoli .
Rock que sabe a interminables rectas que atraviesan desiertos, a “garitos de mala muerte”, a tipos con cara de “malas pulgas”, a Bourbon, a cerveza, a sudor, a maíz...
Hoy voy hablaros de un guitarrista si la hubiese la “palmado” tan prematuramente como Hendrix, Lennon, Joplin, Cobain o Mercury ahora estaríamos hablando de otro Dios más en el Olimpo del Rock.
Pero no es así y gracias esos mismos Dioses este hombre sigue “vivito y coleando” haciéndonos disfrutar con su música.Su nombre es….George Thorogood El 24 de febrero de 1950 nace en la ciudad de Wilmington, del estado norteamericano de Delaware el guitarrista blanco George Thorogood. Se interesó por esto del Blues en 1970, cuando con veinte años vio a John Paul Hammond grabando en Chicago.Hasta que graba en 1980 su primer trabajo “More” , hacía pequeñas actuaciones en clubs, actuando con seudónimo para evitar la masificación.En aquella época realizó su gira más famosa a la que llamó “50/50”, consistía en viajar a cincuenta estados en cincuenta días al más puro estilo de Willy Fog. Todas, lleno total.Fue entonces cuando la 'EMI' se fijó en él, grabando con ellos el "Bad to the bone" (1982).Este es uno de los temas icono de la música Blues & Rock americana, y logró mayor repercusión ya que aparecía en la banda sonora de la película "Chistine" basada en la novela de Stephen King.Pronto se convirtió en uno de los himnos de los moteros 'Ángeles del Infierno', junto al "Born to be Wild" de la Stephen Wolf. En 1985 lanza “Maverick" , con las colaboraciones especiales de dos leyendas del Blues: Albert Collins y Bo Diddley . En 1986, el “Live" otro gran éxito comercial.Tras éste trabajo, George y sus Destroyers decidieron tomarse las cosas con más calma y lanzar un disco de estudio cada dos años, y así hasta nuestros días….¡Para que aprendan las bandas actuales que es eso de ser un “currante del rock”!
«Capítulo 1: Érase una vez… En una Francia ocupada por los nazis».
Se abre como un western con tono clásico a lo Ford o Eastwood con la banda sonora de “El Álamo” en los créditos, pero alude también al spaghetti western con vistas a Leone y a su fiereza. La planificación es maravillosa y se sostiene con referencias propias: diálogos continuos rellenado una larga secuencia hasta que la violencia encumbra el clímax.
Esa lucha constante entre el cine clásico y la serie B hace erigir el triunfo de aunar la elegancia, precisión y monumentalidad clásica con la originalidad, provocación y radicalidad del cine alternativo. Esta escena está entre lo mejor que haya rodado Tarantino jamás.
Impresionante Christopher Waltz . Su interpretación de oficial de las SS es acojonante, de Oscar indiscutible. Cuando Waltz está en escena, de pronto se ilumina la pantalla con la inconfundible huella Tarantino .
¿Y que pasa tras esta magistral escena?
Pues una película de Tarantino, en mi opinión al nivel de Pulp Fiction, Rerservoir Dogs y Jackie Brown.
Quentin es Quentin…
y ya sabéis de qué van sus películas….Continuas referencias cinéfilas, diálogos ingeniosos, violencia a raudales….
En resumen: una violenta aventura ambientada en la Segunda Guerra Mundial con patada en culo a la historia incluida.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Inglourious Basterds (Inglorious Bastards)
AÑO 2009
DURACIÓN 153 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Quentin Tarantino
GUIÓN Quentin Tarantino
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Robert Richardson
REPARTO Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus, Jacky Ido, August Diehl, Martin Wuttke, Richard Sammel, Christian Berkel, Sönke Möhring, Mike Myers, Rod Taylor, Denis Menochet, Cloris Leachman, Enzo G. Castellari..
Hoy os recomiendo un disco de una banda que acabo de descubrir.
Su trabajo llama Twelve Dreams of Dr. Sardinicus” (1970), y la banda es Spirit .
Grupo procedente de Los Ángeles, estuvo originalmente compuesto por el gran talento compositivo e interpretativo del notable Randy California (guitarra, voz), llamado así por Jimmy Hendrix cuando tocaba con él en la banda Jimmy James and the Blue Flames en 1966. El batería Ed Cassidy, que toco con Gerry MULLIGAN, Thelonious MONK y Art PEPPE entre otros, dando un estilo propio a las canciones del grupo. Jay Ferguson (voz, percusión), creador de algunos de los mejores temas de la formación y Mark Andes (bajo) y John Locke (teclados y percusión).
Esta formación publico una serie de cuatro discos a cual mas brillantes, marcando además el final del mejor periodo del grupo: Spirit (1968), The Family That Plays Together (1968), Clear (1969) y Twelve Dreams of Dr. Sardonicus (1970), siendo este último su cumbre y considerado por muchos una obra maestra.
Twelve Dreams of Dr. Sardinicus” (1970), producido por David Briggs, habitual de Neil Young, no deja de ser un disco conceptual, un viaje en base a los pasajes oníricos-ecológicos, como su título indica, por las doces fantasías narrativas y musicales del doctor Sarcástico donde se esconde en realidad el propio California, compositor de siete de las doce temas y de Jay Ferguson, autor de las restantes.El disco es una maravilla psicoprogresiva que contiene hermosos pasajes acústicos folk con grandes melodías pop y encantadoras armonías vocales donde se funde con el hard rock, blues, funk, country y jazz.
Se llaman los Del-Lords y este cuarteto de Nueva York se formaron a principios de los 80's cuando Scott Kempner dejó a The Dictators y se juntó con Eric "Roscoe" Ambel ex-guitarra de Joan Jett y más tarde fundador de The Yayhoos junto con el bajista Manny Caiati y el batería Frank Funaro para debutar con el discazo Frontier Days de 1984, grabado de una forma directa y lleno de frescura.
Tras otros 3 discos de estudio el grupo se disolvió en los primeros 90's estando separados hasta ahora.
Los Del-Lords han conseguido desarrollar un estilo propio, mezcla de influencias de los 4 miembros del grupo, por una parte un sonido NRA, pero siempre pasado por la túrmix del rock de Nueva York,logrando unir el sonido de las dos costas, los vaqueros de la California de la costa Oeste y el sonido de la ciudad.....
Al principio los críticos dijeron que su sonido eran los de Cowboys del Bronx.....
Este es uno de esos grandes grupos que a pesar de haber sido muy querido por los metidos en el mundo del rock americano en los 80's permanece desconocido para la gran mayoría.
Charlie es un tío que se emborracha a veces y cae dando tumbos. Tiene una chica que es epiléptica. Hace trabajos para su tío, que es un mafioso pero tampoco de los más grandes. Y en sus ratos libres, que son mayoría, protege al Johnny (Robert De Niro), que es el primo de la epiléptica y un chuleta de pacotilla que debe dinero a todo el mundo y se mete en fregaos por sus maneras de niñato.
"Malas Calles" es el inicio prometedor de Scorsese , y retrata perfectamente el ambiente que se respiraba en Little Italy, los bajos ambientes de estafas, cines de serie B, barrios de putas y pubs de mala muerte de Nueva York.
Efectivamente técnicamente tiene fallos. Pero Scorsese ya demostraba su maestría innegable como director de actores. Diálogos ágiles entre sus característicos fracasados con carisma, que más tarde, ha influenciado a cineastas como Tarantino.
Aderezado con una pedazo de banda sonora marca de la casa, plagada de éxitos de finales de los 50, principios de los 70.
Alguien que hace sonar "Jumpin' Jack Flash" en una película ya tiene todo mi respeto.
Estoy seguro de que, en 1973, aquellos que acudieron a ver "Malas Calles"tuvieron clara una cosa: "este tío nos va a dar muchas alegrías" . ¡Y vaya si las ha dado!
FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL Mean Streets
AÑO 1973
DURACIÓN 110 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Martin Scorsese
GUIÓN Martin Scorsese & Mardik Martin
FOTOGRAFÍA Kent Wakeford
REPARTO Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinson, Richard Romanus, Cesare Danova, David Carradine, Robert Carradine, Martin Scorsese .
