martes, 21 de diciembre de 2010

Mundo Blaxploitation




Las rojas noches de Harlem


Y es él quien pone las reglas en este jodido juego ¿vale?; no admite órdenes de nadie, ya seas un prepotente blanquito de la policía o un puto "nigga mafioso", así que no te atrevas a tocarle las pelotas. Es una máquina sexual, es frío con el enemigo y caliente con las mujeres, es todo un machista sin complejos capaz de todo por salvarle el pellejo a un hermano; es un fiero e inteligente detective privado que trabaja en Harlem, es John Shaft nena...

Esta introducción que acabo de hacer adaptando "a mi manera" el tema principal de Isaac Hayes en la banda sonora de esta película para homenajear al que es sin duda uno de los grandes iconos del cine Blaxploitation; Shaft a.K.a Las Noches Rojas De Harlem. Y es que esta película de Gordon Parks; fotógrafo reconocido y cineasta autodidacta, es junto con Superfly (de su hijo Gordon Parks Jr.), y Sweet Sweetback´s Baadasssss Song (de Melvin Van Peebles), una de las referencias ineludibles a la hora de hablar de este tipo de cine.

Para los que no conozcan demasiado de qué va esto del Blaxploitation, decirles un poco por encima, que fue un género que tuvo su boom en lo tempranos años setenta, en Estados Unidos; y que se trataba de un cine generalmente de poco presupuesto, hecho íntegramente por negros, y para negros (normal entonces que en esa época tuviesen que buscarse los cuartos de debajo de las piedras...). Las películas del género resultan siempre una efervescente mezcla de sexualidad, irreverencia, personajes descarados y sobre todo violencia; todo ello aderezado con bandas sonoras exquisitas para los amantes de la música Funk y Soul, y con una frescura inaudita.

Aunque tampoco se esperen un cine sobresaliente al ver Las noches rojas de Harlem, esperen todos los arquetipos del género; pero claro... antes he mencionado que Shaft es uno de los iconos del género, así que a algo se lo deberá ¿no?; pues claro que sí, un guión enrevesado que mezcla a John con la mafia, con un antiguo amigo de los Panteras Negras y con un pesado jefe de policía blanco hará que nos deleitemos durante los cien minutos que dura su metraje.


Bienvenidos al mundo Blaxploitation, back to the seventies... here is... ¡¡He´s John Shaft baby!!





viernes, 17 de diciembre de 2010

La cancha de The Fleshtones es el mundo


THE FLESTONES. “HITSBURG USA”



Verano de 1976, Nueva York. Una ciudad tomada por las ratas y con los índices de criminalidad disparados. En este ambientazo, el mítico local CBGB comienza a hacer historia. Ha nacido el punk.



Pero The Fleshtones no suenan punk como los Ramones. Ni “nuevaoleros” como Blondie. Ni “arties” como Television. Su atómico rock'n'roll garagero sale tan mal parado que su álbum debut, Roman Gods, no ve la luz hasta 1982.

Esta banda de New York liderada por el vocalista además de Keyboards Peter Zaremba y el guitarra Keith Streng junto al dinámico batería Bill Milhizer.
The Fleshtones si han tenido una seña de identidad han sido sus shows en directo, su compenetración con el público y que nunca faltan versiones de canciones de toda la vida. Desde que se presentaron con el fantástico con "Roman Gods", siempre han sido una de esas bandas para decidir salir una noche de concierto.
-. “La cancha de The Fleshtones es el mundo. Nuestro show más largo (unas 3 horas) lo dimos en Mobile, Alabama para una audiencia consistente en el propietario del bar, las dos camareras y un borracho que se metía continuamente entre nosotros. Una vez que empieza la representación, nunca sabes cuando va a parar el espíritu. Muchos showman actúan como robots o como si nos estuvieran haciendo un favor por enseñarnos que no hay negocio en el escenario. Que se jodan. Nadie es tan bueno. Cuando vas a un show, ¿No esperas que ocurra algo especial? ¿Algo que no has planeado? Nosotros lo hacemos. ¡Por eso somos explosivos en el escenario!”.-

Hoy os presento “Hitsburg USA” un disco exclusivamente con versiones de temas interpretados por miles de bandas de todas las épocas y que ellos llevan a su terreno.
Siempre se les ha acusado que sus discos no reflejan el potencial de la banda en directo y probablemente tengan razón los que opinan de esa manera. Pero nadie pone en duda que en todos sus discos hay temas que en cuanto lo pinchas la gente se viene arriba y en este "Hitsburg USA” no podía ser menos.

Temas como por ejemplo:"Let´s Get Hig" "Dick Tracy" "Let the Doll Bell Ring" "Wild Cat Tanner" o el archiconocido "Speedy González" nos pueden valer para cualquier recopilación de música que hagamos con el objetivo de tener un buen "fiestón" aprovechando la fechas, pasar la fregona en nuestra "Keli" o ser la envidia de los otros coches en un atascazo.…


















lunes, 13 de diciembre de 2010

BIUTIFUL O DRAMA GORE

BIUTIFUL

Coge un actor, cuanto más mono mejor y si es un sex symbol pues ya lo flipas. Le ensucias, le pones todo lo feo que puedas. Una coletilla puede dar el toque deseado, le pones en un escenario lleno de mierda, de mala iluminación, que se vea la miseria, azulejos amarillentos, chándal del mercata, hules de la posguerra....

Y luego dedícate a hacer sufrir al personaje. De las mayores formas inimaginables, y ruédalo moviendo mucho la cámara.
Prostitución, drogadicción, inmigración ilegal, esclavitud, locura, maltrato infantil, enfermedad terminal, alcohol, muerte...

¿Se puede hacer una película más demagoga sobre temas tan serios? Ah!! es verdad, se le olvidó meter el maltrato animal. "Hostia tío, se me ha olvidado meter la escena del perrito que abandonan en la gasolinera y después lo atropella un camión.

Una vez que has grabado el sufrimiento y todo lo demás. Pon una voz en off profunda que diga cosas inspiradas del estilo “al morir se adelgaza 21 gramos” o “en el fondo del mar hay todo tipo de criaturas…” o la mejor “al morir las lechuzas sueltan una bola de pelo por la boca” (frase épica donde las haya que pasará a los anales de la historia del cine). Esto dará a la gente para reflexionar...

Esta película me parece un fraude. No así el personaje de Bardem, que está interpretado de forma solemne. El director peca de pretencioso, habla de muchas cosas a la vez, pero al final no existe una reflexión profunda sobre nada, y eso que la película dura dos horas y media.


FICHA TÉCNICA


TÍTULO ORIGINAL: Biutiful
AÑO: 2010
PAÍS: MÉXICO
DIRECTOR: Alejandro González Iñarritu
GUIÓN Alejandro González Iñárritu, Armando Bo, Nicolás Giacobone (Historia: Alejandro González Iñárritu)
MÚSICA Gustavo Santaolalla
FOTOGRAFÍA Rodrigo Prieto
REPARTO Javier Bardem. Maricel Álvarez, Diaryatou Daff, Eduard Fernández, Guillermo Estrella, Rubén Ochandiano, Félix Cubero, Martina García, Manolo Solo, Karra Elejalde, Ana Wagener.










viernes, 10 de diciembre de 2010

Eric Burdon & War


ERIC BURDON & WAR. THE BLACK MAN 'S BURDON (1971)


Es probable que este disco ya figure en la estantería de muchos de vosotros, pero para la gente que no lo tenga o no lo haya escuchado nunca, aquí va mi crónica de uno de esos discos míticos de la historia del rock realizado por uno de los cantantes que más admiro y respeto.... Eric Burdon


Estamos en 1969 y Eric se ha juntado con una peña llamada WAR

¿Y quien era War?

Pues War fue una de las bandas de funk más conocidas de los años 70, pero a la vez fue la formación precursora de la fusión de estilos musicales incorporando el soul, música tropical, jazz, blues, reggae y el rock.
El grupo fue descubierto por el productor Jerry Goldstein ("My Boyfriend's Back", "Hang On Sloopy", "I Want Candy") que a su vez los recomendó a Eric Burdon

“La primera vez que vi a algunos de los muchachos que luego se convertirían en War, estaban tocando en un bar topless en el valle de San Fernando e inmediatamente me di cuenta cuan potentes eran estos chicos” recuerda Goldstein. “Yo era amigo de Eric y estaba a punto de dejar la música y volverse a Newcastle. Estaba cansado del rock y desesperado por un sonido fresco y auténtico. Lo llamé la mañana siguiente y le pedí que me acompañara en la noche nuevamente al bar. Eric quedó tan impresionado por lo que escuchó que se subió al escenario a improvisar con ellos. El grupo estaba tan metido en su propia onda que no habían escuchado hablar de Eric Burdon o de los Animals. En una semana los tuve en el estudio y el resto es historia.”

En agosto de 1969 War entró al estudio de la mano de Burdon y para 1970 tenían listo su primer disco: “Eric Burdon Declares War”, este del que os hablo hoy (“The Black Man 's Burdon”) es su segundo disco y último.

Disco doble en origen, qué cuando abrías el álbum te encontrabas dos chicas desnudas que retozaban en la yerba ante la indiferencia de los miembros de la banda, por lo que a los censores de esa España negra de la que disfrutábamos en aquel tiempo, les dio un ataque y por supuesto censuraron al igual que le sucedió al "Electric Ladyland" de Hendrix.


El primer disco se abre con su escuchadísima adaptación del "Paint it Black" de los Stones ycontinua con la excelente "Spirit" continuando con "Beautiful New Born Child" más un cover del gran pelotazo de los Moody Blues "Night in white Satin".


En el segundo se suceden temas "Sun/Moon""Pretty Colors""Gun",etc... donde el ritmo te lleva hasta el final con el tema premonitoriamente llamado "THEY CAN´T TAKE AWAY OUR MUSIC" en donde un angelical coro (Sharone Scott & The Beautiful New Born Born Children of Southern California" van subiendo la tensión del tema hasta llegar al clímax final.

Todo esto aderezado por la voz del gran BURDON que ha pasado pagina de sus años hippie psicodélico y ha regresado a las “calles”, en unos tiempos que como la década que estaba comenzando se presentaba y tal como ocurre con las resacas "dura de llevar".






miércoles, 8 de diciembre de 2010

La maldad usa muchas máscaras, la más peligrosa es la máscara de la virtud

Según se acercan las Navidades no se que me pasa que siempre me da por ver este tipo de películas....

Sleepy Hollow

Un cuento gótico, oscuro y siniestro centrado en un carismático a la par que lúgubre personaje llamado el Jinete Sin Cabeza, que no podía ser otro que el inigualable Christopher Walken, que aunque sale escasos 10 minutos y sólo emitiendo sonidos guturales, ¡menudos 10 minutos del amigo Walken! Simplemente genial.



Es la historia de un pueblecito, Sleepy Hollow, donde se suceden una serie de asesinatos. Un criminólogo de Nueva York (Johnny Depp) es enviado a esclarecer dichos asesinatos cuyo común denominador es la cabeza decapitada de todos los cadáveres, las cuales desaparecen sin dejar rastro. En sus pesquisas sabrá que los habitantes del pueblo achacan los asesinatos a un misterioso caballero germano sin cabeza y resucitado de entre los muertos, el cual se dedica a decapitar a todo aquel que se pone en su camino, al menos en apariencia...

La historia se enmarca en esa maravillosa ambientación gótico-romántica tan propia de Burton, con esos tonos azules y grisáceos que hacen que los días sean tristes y oscuros y las noches negras y tétricas. Es la típica némesis del héroe repetida de diferentes maneras en la filmografía de Burton pero con una característica común: son seres que no tienen culpa de lo que son, cuya maldad ha sido provocada y que necesitan que alguien les saque de su eterno tormento.

No son los "malos" por así decirlo, sino sólo víctimas."Sleepy Hollow" es, por tanto, una "burtonada" más de bellísimos y oscuros escenarios, gótica nostálgica y personajes que parecen sacados de un cuento triste de páginas raídas. Recomendable.

FICHA TÉCNICA


TÍTULO ORIGINAL Sleepy Hollow
AÑO 1999
DURACIÓN 105 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Tim Burton
GUIÓN Andrew Kevin Walker (Novela: Washington Irving)
MÚSICA Danny Elfman
FOTOGRAFÍA Emmanuel Lubezki
REPARTO Johnny Depp, Christina Ricci, Miranda Richardson, Michael Gambon, Casper Van Dien, Jeffrey Jones, Christopher Walken, Michael Gough, Lisa Marie, Ian Mcdiarmid, Christopher Lee, Martin Landau



viernes, 3 de diciembre de 2010

CONTRA EL FRÍO..... OS MUTANTES



























Como hace frío esta semana nos vamos a Brasil con.....

OS MUTANTES

“Combinábamos creatividad, técnica y alegría sin que se pudiera decir dónde terminaba una cosa y empezaba otra. Éramos una célula de mutación y experimentación constante. Nos reíamos de cosas que para algunos eran demasiado serias y nos tomábamos en serio otras que la gente se tomaba a risa”.

Sergio Dias, guitarrista de Os mutantes






También en Brasil 1968 fue un año de agitación y jarana, con el añadido de que allí estaban al mando los militares. El 13 de diciembre de ese año el presidente Artur da Costa estableció su propio "se acabó la diversión" mediante el decreto AI5 que anulaba la libertad de opinión y censuraba todo tipo de manifestación cultural (cuentan que se llegó a prohibir un libro sobre el cubismo pensando que tenía algo que ver con Cuba). Aunque no fueron ni mucho menos de los que peor parados salieron, dos de las cabezas visibles de un incipiente movimiento músico-cultural llamado tropicalismo, Gilberto Gil y Caetano Veloso, fueron detenidos, rapados (como Rambo), encarcelados y, más tarde, invitados a exiliarse a Inglaterra. Sin embargo, los tropicalistas no eran bien vistos por un sector de la izquierda brasileña por:
a) su empeño en mezclar el folk brasileño (la bossa nova) con sonidos imperialistas (rock, psicodélia, etc.),
b) estar poco comprometidos políticamente
c) no tomarse demasiado en serio las cosas.

Esto se aplicaba especialmente a uno de los grupos que formaban parte del movimiento....

Os Mutantes.

La banda, compuesta por la cantante Rita Lee y los tres hermanos Baptista, era una presencia habitual en la televisión brasileña de la época. Así que casi todo el mundo vio tocar a unos insolentes jovencitos aficionados a los disfraces y que tan pronto realizaban una extravagante interpretación de “La marcha turca” de Mozart como pasaban un clásico de la bossa nova por una túrmix psicodélica. La reacción del público era variable: bronca, aplausos, bostezos y chillidos de alegría a partes iguales.

Guitarras distorsionadas, efectos electrónicos extraños y... grandes dosis de extravagancia: en julio de 1969 Os Mutantes tomaron los teatros brasileños con el espectáculo Planeta dos Mutantes, que mezclaba música, collages lisérgicos con ingestión de hígados de gallina y operaciones cerebrales en directo. El público, claro, huía despavorido.

Entre 1968 y principios de los años setenta, Os Mutantes tuvieron tiempo de grabar varios discos antológicos, como Os mutantes (1968), con varias canciones compuestas por el tándem Gil/Veloso, Jardim eléctrico (1971) o Hoje é o primeiro dia do resto da sua vida (1972) también se fueron a vivir a una comuna,a hincharse a tripis, emborracharse, andar fumados todo el día y tirarse los trastos a la cabeza en definitiva a autodestruirse.

En 2006, Os Mutantes volvieron a la vida. Sin Rita Lee, pero con los hermanos Arnaldo y Sérgio Baptista al frente. Ah, una anécdota que tanto os gustan en 1993 Kurt Cobain les pidió que se reunieran para telonear a Nirvana. Le dijeron que no.










lunes, 29 de noviembre de 2010

Una película interpretada por pájaros y algún ser humano


LOS PAJAROS

La película número 50 del señor Hitchcock "está interpretada por pájaros, y algún ser humano", como el mismo dijo en la rueda de prensa.

Mucho antes de que empezase la paranoia de la gripe aviar ya estaba el tío convirtiendo unos seres que siempre habían sido considerados tiernos e inofensivos en unos monstruos plumíferos capaces de causar el pánico y simbolizar el Horror.

De hecho, el hombre fue tan visionario que, cuando rodó esta película en 1963, el Partido Popular todavía no había diseñado su logo con la siniestra gaviota!

Los pájaros son unos seres bastante despreciables. A mi no me van mucho. Los de grandes proporciones son dueños de una de las miradas más incómodas de aguantar. Huelen mal, ensucian tu coche, revolotean a medio metro de tu café en las terrazas, y emiten sonidos desagradables. Todo ello sin hablar de los numerosos gérmenes y la cantidad de enfermedades que van cagando mientras vuelan sobre tu cabeza. Y nosotros encima le echamos miguitas de pan en la plaza.

Es por eso que me gusta la peli de Hitchcock. Trata al ave como lo que es. Algo terrorífico. Me parece una cinta muy interesante además de tensa y adictiva. Rodada con escenas espectaculares y difíciles de olvidar.


Sí tengo, por contra, cosas que achacarle. La historia paralela a la de los pájaros, o sea, el tonteo que se traen la Melanie y el Mitch me parece absurdo. Muy poco trabajado, el cómo se conocen y el por qué se vuelven a encontrar. Se ve todo como muy metido con calzador.
Hitchcock parece demasiado impaciente por contar lo que vendrá más adelante....


FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Birds
AÑO 1963
DURACIÓN 115 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Alfred Hitchcock
GUIÓN Evan Hunter (Relato: Daphne Du Maurier)
MÚSICA Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA Robert Burks
REPARTO Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright, Ethel Griffies










jueves, 25 de noviembre de 2010

Lady Soul




Aretha Franklin Arethe: Lady Soul (1968)

Hija del cantante de gospel C. L. Franklin, Aretha sin duda tenia casta. Pero no fue hasta que fue contratada por Atlantic records cuando fue coronada Lady Soul.

En su anterior compañía, Columbia, le habían hecho cantar pop insulso, pero el productor Jerry Wexler de Atlantic casó su voz, toda una fuerza de la naturaleza, con la sección rítmica del estudio Muscle Shoals Sounds, y el soul arrebatado de Aretha se desató.


Lady Soul era el tercer álbum juntos, y el mejor de todos. Aretha había adquirido confianza con su debut en Atlantic, I Never Loved A Man The Way I love You, mientras que el más ecléptico Aretha Arrives realzó los puntos fuertes y los límites de su talento.


Lady Soul sacaba partido a los primeros: la doble pasión de Aretha por el rhythm & blues el himno recriminatorio de Don. Covay "Chain of Fools" , y "Since You´ve Been Gone", en la que The Sweet Inspirations, el coro de Franklin, entona una feroz salida vocal contra el novio ausente del título y el gospel (la versión exquisitamente orquestada del "People Get Ready" de Curtis Mayfield, arreglada por Arif Martin).


Aunque el solo de Eric Clapton en el blues líquido "Good To Me As I Am To You" es una muestra de aceptación de los avances contemporáneos del Rock, Lady Soul se sumerge en la sustancia del título, y Aretha hace versiones de los maestros (Mayfield, James Brown, Ray Charles) con talento y autoridad. "A Natural Woman " es la más destacada; el peregrinaje de músicos de Muscle Shoals a los estudios Atlantic de New York durante esas sesiones refleja el propioperiplo artístico de Aretha, que infunde a la maravillosa canción la honestidad y la pasión que había adquirido en Memphis, y halla su auténtica voz en el proceso.






lunes, 22 de noviembre de 2010

APOCALIPSIS TRANSEXUAL






Extravagante, marciana, sarcástica, odisea inclasificable del kitsch .

Levántense y aplaudan o, si se les permite, pónganse a bailar. En ocasiones el buen gusto se demuestra en lo feo, lo puro en lo artificial, toda la esencia del espectáculo en un solo y perverso guiño de ojos a cargo de un insuperable maestro de ceremonias como es Tim Curry. Perversamente divertida, “The Rocky Horror Picture Show” se exhibe sin complejos ni manías. Como el niño marginado del colegio deja que la insulten, que la llamen marica, fea y nenaza, porque sabe que lo es, pero eso le encanta.

Luce cuero y plataformas, pelo en pecho y purpurina, es pura dinamita vacilona y descarada en estado de celo contenido. No por mucho tiempo, claro. Porque desde muy lejos, quizás desde Transylvania, ya se gesta un rumor, una melodía, un ritmo altamente peligroso que amenaza cantando: “I'm just a sweet transvestite. From Transexual, Transylvania.” Es el Apocalipsis, eso sí, transexual.....

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Rocky Horror Picture Show
DURACIÓN 100 min.
PAÍS UK
DIRECTOR Jim Sharman
GUIÓN Jim Sharman & Richard O'Brien
MÚSICA Richard O'Brien
FOTOGRAFÍA Peter Suschitzky
REPARTO Susan Sarandon, Tim Curry, Barry Bostwick, Richard O´Brien, Patricia Quinn, Little nell, Jonathan Adams, Peter Hinwood, meat Loaf, Charles Gray




viernes, 19 de noviembre de 2010

No sea que el cielo caiga sobre nuestras cabezas!

No se si os habrá pasado alguna vez, pero hoy me he levantado con una canción taladrándome la cabeza, como una especie de letanía, lo mismo es un mensaje de los dioses ya que la canción es bastante mística...,por eso he pensado dedicarle el post de los viernes por si acaso......No sea que el cielo caiga sobre nuestras cabezas!

"My Sweet Lord" de George Harrison, fue un exitazo en el Reino Unido y está incluida en el espectacular disco triple lanzado por el ex-Beatle en 1970 titulado All Things Must Pass.

La letra de la canción trata sobre el Dios hindú Krishna aunque muchos la consideradan como el primer himno religioso que no ofende a ninguna religión , ni pregonaba ninguna específica, aunque pueda sonar contradictorio.

Originalmente Harrison habia escrito este tema para Billy Preston quien habia estado meses antes tocando su teclado junto a The Beatles en la sesión musical Get Back. La idea de George era que este tema formara parte del disco "Encouranging Words" que Preston estaba grabando. Fue escrita en 1969 cuando ambos musicos se encontraban en Dinamarca, pero fue grabada en Londres y fue colocada dentro del disco de Billy. Pero Harrison tambien decidió grabarla para su primer disco como solista que venia ya programando.

Cuando se lanzó el single que incluia esta canción, este rapidamente encabezó las lista a ambos lados del "charco" siendo un exito de ventas lo cual tambien ayudó bastante a la promoción del disco que igualmente llegó a los primeros lugares en Estados Unidos y el Reino Unido y tuvo seis discos de platino.
El 2002 la canción volvio a llegar al numero uno de las listas del Reino Unido debido a la reedición del disco que se publicó en enero de dicho año después de la muerte de Harrison por causa de un cáncer.

Si escuchamos atentamente la letra de este temazo nos damos cuenta que en los coros del fondo se repite la palabra "Aleluya" que es muy usada en los canticos cristianos y alabanzas judias. Más tarde, el coro de fondo interpreta partes de un mantra hindú en dos oraciones:Hare Krishna / Hare Krishna / Krishna Krishna / Hare Hare / Hace Rama / Hace Rama...
Esta oración que es parte del Vaisnava Hindu era muy usada por Harrison en su vida diaria ya que él era un devoto a esta religión.
También podemos escuchar otros canticos como: Gurur Brahma, gurur Viṣṇur, gurur devo Maheśvaraḥ. Este mantra es cantado por los hindues antes de comenzar cualuqier acción y tambien antes de cantarle himnos a Ganesha y Sarasvati.
Quizas toda esta mistica religiosa que trae la letra del tema fue lo que gustó en la gente, que por aquella epoca estaba marcada por la busqueda dela paz mundial, la vida basada en la paz y el amor, por ello esta canción marcaba esos deseos en su mensaje lirico.

Pero cuando todo parecía color de rosas para el Ex-Beatle, las cosas se vieron opacadas cuando se enteró que una compañía de Nueva York, llamada Bright Tunes, lo habia demandado por plagio musical. Harrison habia sido demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita al single de la banda sesentera The Chiffons llamado "He's So Fine" que habia sido escrita por Ronnie Mack. Finalmente fue multado por plagio inconsciente en 1976. Durante el juicio, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3.

Pero las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles Allen Klein que acabó denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, ya cansado de tantos problemas, Harrison acabaría comprando los derechos de ambos temas... facil solución.

Esta cancipón fue clasificada en el puesto #454 por la revista Rolling Stone en su lista "the 500 Greatest Songs of All Time."





lunes, 15 de noviembre de 2010

El dolor me jode, pero morirme me jode más


El sábado murió Don Luis García Berlanga.

El director de cine español más importante de todos los tiempos.
Sus películas -«Plácido»- ya eran nominadas a los Oscar en 1961 y batían récords de taquilla impensables -«La Vaquilla»- en los 80.

Hoy os voy a poner aquí un artículo de Alex de la Iglesia que leí ayer en el país, como homenaje al gran director...



Me despierta un número largo, de esos que te dan miedo. Me dan miedo porque sé qué significa. Sé que cuando aparece un número muy largo en mi móvil me llaman de una televisión o una radio, y cuando las llamadas se suceden una tras otra, es que algo terrible ha ocurrido.
"¿Qué puedes decirme de la muerte de Luis García Berlanga?" La noticia suena como un disparo en mis oídos.
"Algo rápido, dos frases". Es para las noticias.
La crueldad suele ser muy sincera. Pensar algo con sentido, resumir una vida en dos frases. Surgen en mi cabeza todos los momentos personales vividos junto al Maestro, con mayúsculas, y se me hace un nudo en la garganta. En fracciones de segundo pasan delante de mis ojos imágenes de sus películas, de su obra inabarcable.
¿Me están pidiendo de verdad que resuma a Berlanga en dos frases?
¿Es una broma?
¿Cómo les explico que Berlanga es más importante para mí que Dreyer, que Ford?
¿Cómo les explico que Plácido cambió mi vida?
¿Cómo me puedo acercar, tan sólo aproximar a una idea que refleje la tormenta de imágenes y sentimientos que me están haciendo llorar? "
¿Cómo era? Decían que era peculiar".
¿Peculiar? No puedo evitar ofenderme.
"Por favor, ¿puedes elegir otra palabra mejor que "peculiar", a la hora de elaborar tu pregunta?".
Berlanga metió un puño en mi corazón y lo arrancó de cuajo, mientras con la otra mano me hacía burla. Y yo me reía, y lloraba, en el cineclub de la universidad, y no sabía que esa película, Plácido, me acompañaría en sueños toda la vida. Los rostros de sus actores, Jose Luis López Vázquez, Manuel Alexandre y tantos otros, serían mi familia para siempre. Berlanga y Buñuel son el alma de país cruel que trata a sus genios de "peculiares", el corazón sangriento y negro de un país ingrato que nunca aprenderá a amar a sus hijos lo suficiente, a devolverles el valor incalculable de su aportación artística. Berlanga supo amar y odiar y reír y rodar con la fuerza asombrosa de un hombre libre, pese a la dictadura, a la intransigencia y la supuesta inteligencia de algunos. Berlanga se encuentra en el olimpo de los grandes, no de este país, del mundo entero.

La mejor película que se ha rodado nunca, El verdugo, define los límites del discurso acerca de la condición humana. Y lo hace con el lenguaje de los dioses, con la Divina Comedia, con el ácido corrosivo de la sonrisa demoníaca y tierna. Nos devuelve la verdad más negra con un abrazo, el negro corazón que nos fue arrebatado se nos entrega envuelto en ternura. Nadie en la historia del cine ha llegado tan lejos en talento y tan cerca de nuestras almas malheridas. Luis Buñuel es el único que puede mirarle frente a frente. Nadie tan grande como Berlanga.



viernes, 12 de noviembre de 2010

Me debo ir o me debo quedar

Hoy es viernes y me encuentro un poco Punkarra por eso os voy a contar alguna cosilla de una canción....

"Should I Stay or Should I Go"
The Clash

Esta canción de la banda británica The Clash, lanzada como sencillo e incluida en el álbum publicado en 1981 llamado Combat Rock.
Lo curioso es que el sencillo se convirtió en el único de la banda que alcanzó el número uno en las listas británicas, aunque una década después de que fuera originalmente lanzado. Esto fue en marzo de 1991, cuando la banda permitió que la canción fuera usada en un anuncio de Levi's (que cosas ¿no? una canción de una banda tan reivindicativa vendiéndose a una multinacional. Ya lo decía Quevedo "Poderoso caballero....) y fue gracias al anuncio que la canción subió al número uno, convirtiéndose así en el primer y único número uno de la banda en el UK singles chart.

Si escucháis el álbum Combat Rock os daréis cuenta que el tema es quizá el corte con mas "sonido Clash" de finales de los setenta, tendiendo hacia el retro-punk y una estructura de blues.

La canción fue escrita en 1981 y muchos fanáticos de la banda han visto la letra del tema como un posible comentario de Mick Jones(quien canta a voz principal) sobre su posición en la banda y su inminente expulsión de la misma (de hecho el estribillo "should I stay or should I go" es traducible como "me debo ir o me debo quedar"). Esto se debe a que después de este disco Jones fue expulsado de la banda por Strummer y la causa era "problemas de ideología política", mientras que luego se dio a conocer que el hecho de la expulsión del guitarrista fue por sus problemas con las drogas.

Por otro lado, otros arguyen que se inspira en la vida amorosa del guitarrista ya que en aquella época Jones tenía una relación inestable con su novia Ellen Foley que pronto finalizaría por lo cual la canción podría interpretarse como una discusión interna de Mick sobre si debería continuar con la relación o buscarse algo mejor.

Si escuchas bien, mientras Jones canta la letra, su compañero Strummer hace unos coros en español (mas bien espaninglish):
Sobre este tema Joe Strummer dijo: "De repente dije: "Voy a hacer los coros en español..." Necesitábamos un traductor, así que Eddie García, el técnico de sonido, llamó a su madre a Brooklyn Heights y le leyó la letra por el teléfono, y ella la tradujo. Pero Eddie y su madre son ecuatorianos, así que es español ecuatoriano lo que Joe Ely y yo cantamos en los coros."







lunes, 8 de noviembre de 2010

SOY MARXISTA !!!

Para recuperarme de lo del fin de semana pasado, este decidí apostar sobre seguro y me volví a ver.....

UNA NOCHE EN LA OPERA

Lo malo de ponerse a realizar una crítica de un clásico como este es que, digas lo que digas, ya está todo dicho. No harás más que repetir lo que muchos otros dijeron antes. En fin, allá vamos...

"Una noche en la ópera" es, esto nadie lo discute, un gran clásico. Pero, ¿qué es un clásico y qué películas lo son? Un clásico es aquella película que, por mucho que pasen los años, nunca pasa de moda, nunca envejece.

Conserva toda su frescura, toda su originalidad. Es realmente sorprendente que en 72 años no haya envejecido nada, que sus gags no hayan perdido en absoluto su gracia.

Los siempre geniales Hermanos Marx superaron a "Sopa de ganso" y consiguieron su obra más redonda en todos los aspectos, y por supuesto, la más divertida. Escenas como la del camarote, la de los falsos aviadores, la de las camas...pasarán a la historia como algunas de las más divertidas y alocadas. Las interpretaciones, especialmente la del siempre genial Groucho, el mejor cómico de la historia, y la de Margaret Dumont, son magistrales.

Recomiendo verla a cualquiera que quiera pasar 94 divertidísimos minutos de auténtico cine.

Compañeros os lo recomiendo

HACEROS MARXISTAS NO OS ARREPENTIRÉIS!!!

FICHA TÉCNICA
TITULO ORIGINAL: A Night at the Opera

AÑO: 1935

DURACIÓN: 94 min.

PAÍS: USA

DIRECTOR: Sam Wood

GUIÓN George S. Kaurman & Morrie Rysking

MÚSICA Herbert Stothart

FOTOGRAFÍA Merrit B. Gerstad (B&W)

REPARTO Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx Margaret Dumont, Kitty Carliste, Allan Jones, Sig Ruman, Walter Woolf King, Edward Keane, Robert Emmer O´Connor, Lorraine Bridges













jueves, 4 de noviembre de 2010

Blue Cheer - más ruidosos que Dios


BLUE CHEER "Vincebus Eruptum (1968) "



Aquí es cuando todo se pone heavy. Tomando su nombre de un tipo de LSD que a su vez lo recibía de un detergente, este trio de San Francisco increiblemente energético apostó por el rock & roll ruidoso con su álbum de debut, allanando el terreno a todo tipo de propuestas desde los Stooges hasta Led Zeppelin, desde el heavy metal hasta el rock experimental.


Efectivamente a lo largo de los 60 existieron incontables bandas de garaje y psicodelia que armaron un ruido salvaje, pero ninguna de ellas tenía la frecuencia capaz de sacudir cimientos ni la rugiente intensidad de feedback de Blue Cheer. Por algo recibieron el epíteto de "más ruidosos que Dios" .


La primera vez que Blue Cheer intentaron grabar Vincebus Eruptum hicieron estallar la mesa de mezclas. Pero con las debidas precauciones consiguieron registrar el mejor disco, de largo de su carrera. El álbum esta compuesto por cuatro temas originales y dos versiones: una lectura demoledora y sucia de "Summertime Blues" (superando la tremenda versión de The Who) y el clásico del blues "Rock me Baby". Dicha canción se situo entre los veinte primeros puestos de las listas en Estados Unidos, algo sorprendente para una banda que pretendía superar los límites de volumen y no los relacionados con la técnica musical. No eran precisamente los mejores intérpretes del momento, pero hay algo admirable e hipnótico en sus solos claramente improvisados y su ruido absoluto apenas controlado, o en los gritos impetuosos que prorrumpía Dickie Peterson mientras el grupo tocaba a toda velocidad " Parchment Farm".


Uno de los puntos álgidos de la etapa inicial de la música heavy: desde la hermosa portada morada y gris hasta su espíritu atronador demencial y rotundo.


Jim Morrison llamaba al grupo "La banda más poderosa que he visto nunca"






martes, 2 de noviembre de 2010

Guillem, hijo mío, tu no eres Hitchock

LOS OJOS DE JULIA

Guillem, hijo mío, tu no eres Hitchock. Intentas homenajear al maestro del suspense y el resultado es más bien patético.

Todo suena a falso y a duplicado cinematográfico. Pero eso no es lo peor. El metraje avanza y todo adquiere unas dimensiones disparatadas que me dejan alucinado, siendo testigo del increíble delirio paranoide al que es abocado el espectador. Paulatinamente todo se desborda y, concluida la película, el estupor es rotundo:

"Los ojos de Julia" es una película horrorosa.

La interpretación: me suena a un reloj de fichar (entro a las ocho y salgo a las quince). Belen Rueda, me cansa con su continuo gesto de tensión y su desbocada intensidad.

Para mi gusto, nada recomendable. 8 € a la basura.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Los ojos de Julia

AÑO 2010

DURACIÓN 107 min

PAÍS España

DIRECTOR Guillem Morales

GUIÓN Guillem Morales, Oriol Paulo

MÚSICA Fernando Velázquez

FOTOGRAFÍA Óscar Faura

REPARTO Belén Rueda Lluis Homar, Julia Gutierrez Caba, Pablo Derqui, Francesc Orella, Daniel Grao, Hèctor Claramunt, Joan Dalmau

jueves, 28 de octubre de 2010

THE BYRDS

"No importa lo que Dylan quisiese decir, yo lo transforme en una plegaria." (Roger McGuinn, 1998)

THE BYRDS "Mr. Tambourine Man",


Cuando la voz del lider del grupo, Jim (más tarde Roger) McGuinn a medio camino entre John Lennon y Dylan se fusiono con las hermosas armonías de Gene Clark y David Crosby y el sonido de la guitarra Rickenbacker de doce cuerdas del propio McGuinn en "Mr. Tambourine Man", The Byrds se convirtieron en el primer grupo norteamericano en rivalizar de manera seria con el dominio comercial que ejercían los Beatles. También le proporcionaron al compositor del tema, Bob Dylan el primer nº1 internacional, inspirandole para que diese un repentino giro eléctrico al movimiento folk rock.





El álbum "Mr. Tambourine Man", con su famoso foto en gran angular de los cinco jovenes californianos con sus cortes de pelo con flequillo largo y sus ropas a la moda, profundizo en el sonido del single, incluyendo tres temas más de Dylan entre los que se cuenta el exitoso "All I Really want to do". También presentó al mundo el talento del extraordinario compositor Gene Clarck. Contribuyó con el tema rockero, quintaesencia de The Byrds, "I´ll Feel a Whole Lot Better" (más tarde versionado Por Tom Petty), y compuso o participó en cuatro temas más, incluidas las tiernas odas poéticas "You won´t have to cry" y "Here Without You". The Byrds homenajearon sus raices folk con "Bells of Rhymey" que inspiro directamente el tema de los Beatles "If I Needed Someone". En otro lugar como agradecimiento a Jackie De Shannon, versionaron "Don´t Doubt Yourself Babe".


El discordante sonido de las guitarras de los Byrds y sus calmadas armonías han perdurado, inspirando a The Pretenders, The Smiths, Stones Roses, REM y Primal Scream, por citar solo a unos pocos.