domingo, 30 de septiembre de 2012

10 Cosas que no sucederan cuando llegue el fin del mundo en diciembre


Así a lo tonto estamos consumiendo 2012 y el mundo sigue girando. Los mayas nos habían advertido de que algo malo pasaría, pero como no se refieriesen a un incesante deterioro de la calidad de vida y las condiciones laborales, todavía estamos por descubrir qué es eso tan malo que tiene que pasar en los meses que quedan. El cine, eso sí, nos ha ido dejando durante las últimas décadas algunas pistas de cómo será el fin del mundo a través de uno de sus géneros más carismáticos: el cine de catástrofes que siempre ha contado con una serie de tópicos que toca recapitular.

Todo empieza en Estados Unidos
Las catástrofes vienen a ser como la quiebra de Lehman Brothers: empiezan en Estados Unidos y luego ya van dinamitando el resto del mundo. Ya sea en plan masivo con alarde de fuego y destrucción o más sutil, de modo bacteriano o similar, lo que es seguro es que en Norteamérica será donde la tragedia se masque por primera vez. El resto del mundo irá después, y además tampoco ofrecerá nunca ninguna solución.

El Coliseo, la Torre Eiffel y (inserte monumento norteamericano)
En caso de catástrofe de tipo violento, como una invasión extraterrestre con armamento pesado, lo primero en caer serán los monumentos más representativos. Por parte estadounidense, puede ser la Estatua de la Libertad, el Capitolio, la Casa Blanca o algún rascacielos neoyorquino. La destrucción del resto del planeta se resumirá en la destrucción de la Torre Eiffel y el Coliseo, con la posibilidad de incluir el Taj Mahal como toque exótico.


El científico ya lo advirtió, pero no le hicieron caso

Ya sea escuchando una lejana señal del espacio o con un cálculo matemático, siempre hay un humilde científico que se había adelantado a la catástrofe. El hombre, con muchas papeletas para ser el protagonista de la cinta, intenta advertir a las autoridades, pero termina topando con la burocracia y con los militares. Una vez sea escuchado, jamás dirá un te lo dije, sino que será constructivo y se unirá al gabinete del presidente.


El militar no quiso escuchar al científico, pero propone otra solución

Seguimos la saga de personajes obligatorios con el militar de alto rango que forma parte del equipo de consejeros del presidente. Apoltronado en su cargo, nunca confía en lo que un científico barbudo pueda decirle y no dará marcha atrás hasta que la evidencia le obligue. Una vez reconocido el problema siempre planteará una solución que incluya la pérdida masiva de vidas humanas o el uso de armamento nuclear. Intentará apartar al protagonista de la primera línea de acción y le mirará por encima del hombro a la menor oportunidad.

El Presidente, un ejemplo para todos
La máxima aspiración del científico/protagonista en un principio será llegar hasta el Presidente para contarle lo que va a pasar, así como el modo de remediarlo. El Presidente (de Estados Unidos, se entiende) es sabio, reflexivo y sabe elegir la mejor opción, pese a que en algunas ocasiones pueda estar equivocado o mal aconsejado al principio. En algunas películas como Independence Day, el Presidente además liderará la resistencia humana encargándose personalmente del problema, aunque este extremo no suele darse a menudo.


Las catástrofes sirven para unir

Obligatoriamente, el protagonista comenzará el film con una situación de ruptura con alguno de sus seres queridos. Puede ser su pareja, su padre o su hijo, pero siempre habrá un distanciamiento que nunca debería haber ocurrido. La catástrofe y la masiva destrucción planetaria al menos servirán para que nuestro héroe pueda terminar la película reencontrándose con esa persona con la que había perdido el contacto hace tiempo. Y todos contentos.

Más vale maña que dinero y tecnología
El protagonista (sentimos hablar siempre en masculino, pero suele ser así) forma parte de un equipo simpático y variopinto de gente con aspecto estrafalario, gran relación de compadreo y una sabiduría que trasciende a la humilde tecnología que maneja. Puede haber un equipo rival (por ejemplo, en Twister) con una financiación mucho mayor y con cierta titulitis, pero carente por completo de talento.

Si hay que gastar, se gasta

Esto, que en la teoría tiene todo el sentido del mundo, habría que verlo en la práctica. Todos los países del planeta (liderados por Estados Unidos) se ponen de acuerdo para financiar como sea el proyecto que salvará a la humanidad. Suele ser habitual incluso hacer alardes de medios, ofreciendo al inventor del aparato en cuestión cheques en blanco para desarrollar su proyecto.

Bombas atómicas, solución a casi todos los problemas
Tal vez sea una reminiscencia de la época de la Guerra Fría, pero el uso de armamento nuclear con fines nobles es una constante en el cine de catástrofes. Ya sea para reactivar el Sol, para hacer rotar de nuevo el núcleode la tierra o para destruir asteroides, tener un buen puñado de bombas de hidrógeno a la larga siempre es beneficioso para la humanidad, así que dejad de quejaros, ¡jipis!


La omnipresencia, cualidad imprescindible del héroe

Advirtió del peligro al principio de la película, consiguió llegar hasta el presidente y resolvió la situación con su ex mujer, pero aún así, al protagonista aún le sobra tiempo para emprender más acciones nobles en cualquier punto donde alguien las esté pasando canutas. Lo mismo detiene la lava de un volcán que salva a un niño de la grieta de un terremoto que arregla el bote sifónico, y todo sin importarle el tiempo, la distancia ni su propia vida. ¡Este tío es un partidazo!

Fuente: Cinemanía

 



viernes, 28 de septiembre de 2012

“Alicia toma setas” afirmó con picardía Grace Slick


“White Rabbit” (1967) Jefferson Airplane

Las canciones de jazz y blues venían incluyendo alusiones a las drogas desde hacía tiempo, pero cuando en la década de los 60 empezó a sospecharse que las letras de artistas con seguidores mucho más jóvenes también lo hacían, se desató el infierno.

Canciones tan inocentes como”Puff The Magic Dragon” se analizaron con lupa por posibles mensajes escondidos. El tema “Eight Miles Hight”, de The Byrds, se censuró, aunque sólo hablaba del vuelo de un avión. El tema “My Friend Jack”, de The Smoke, lanzado en 1967, hizo más méritos para ser blanco de inspecciones, y la BBC la prohibió por la frase “My friend Jack eats sugar lumps” que hacía referencia a una forma de consumir LSD. Lo mismo le ocurrió a “Lucy In The Sky With Diamonds” de los Beatles, porque su titulo podía reducirse al acrónico LSD. No obstante, lo que realmente llevó a esta caza de brujas fue la admisión por parte de McCarthy de que consumía ácido.

Curiosamente, cuando el tema “White Rabbit” de Jefferson Airplane , entró en la lista de éxitos de Estados Unidos el 1 julio de 1967, sus alusiones al LSD (“una pastilla te hace más grande y una pastilla te hace pequeño” eran evidentes, pero no se censuró. Probablemente esto se debió a que todas las referencias de su letra procedían directamente del popular clásico infantil Alicia en el País de las Maravillas: todo lo que se cantaba en “White Rabbit” también se leía a millones de niños.

Fuente: 100 años de música

domingo, 23 de septiembre de 2012

No tengo ni puñetera idea de béisbol

MONEYBALL (2011)


Siempre me ha gustado la estética del béisbol, sus estadios sus uniformes, aunque no tengo ni puñetera idea de cómo se juega, pero esto no es un inconveniente para ver Moneyball ya que no se centra en el juego se centra en las personalidades de cada personaje y en que las reglas y las normas, están para cambiarse, para mejorarse.

Billy Bane es el manager de los Athletics. El equipo necesita un cambio radical, un cambio de estructura, mentalidad, sistema y eso siempre supone un rechazo porque al ser revolucionario lucha frontalmente contra la estabilidad consolidada. Sin casi presupuesto y apoyándose en Peter Brand, un joven economista que será su consejero para comprar, canjear y despedir jugadores, impondrán una excéntrica filosofía en las negociaciones, basada en el estudio del béisbol desde un punto de vista estadístico y dejando de lado lo que el sentido común y la experiencia en el juego dictan.

En definitiva una película que se puede disfrutar sin tener ni puñetera idea de béisbol.



FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: Moneyball
AÑO: 2011
DURACIÓN: 133 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Bennett Miller
GUIÓN: Aaron Sorkin, Steven Zaillian (Libro: Michael Lewis)
MÚSICA: Mychael Danna
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright Penn, Stephen Bishop, Chris Pratt, Kathryn Morris, Tammy Blanchard, Glenn Morshower, Erin Pickett, Sergio Garcia, Jack McGee

viernes, 21 de septiembre de 2012

Chuck Berry tuvo la culpa

Una fría mañana de 1960, en la estación de tren de Dartford, un chico espigado se acercó a otro joven delgaducho. La cara le sonaba del colegio. Le preguntó por el disco de Chuck Berry que llevaba bajo el brazo y se pusieron a hablar de blues, de tipos como Muddy Waters, Howlin Wolf o John Lee Hooker. "¿De dónde has sacado esos discos?", le preguntó el espigado al delgaducho. Aquel chico delgado era Mick Jagger, el espigado, Keith Richards, y aquella charla desembocaría, no mucho después, en el nacimiento de una de las bandas más grandes de todos los tiempos: The Rolling Stones.

Jagger invitó a Richards a pasarse por un pub con máquina de discos en el que solía quedar con otros amigos. Keith quedó deslumbrado por la colección de discos de Jagger y por el mundo que le comenzó a descubrir, hasta entonces el futuro guitarrista se creía el único bicho raro que escuchaba esa música en kilómetros a la redonda. En menos de un año estarían comenzando una carrera histórica, en aquel momento solamente querían devorar canciones, descubrir cómo se hacía ese sonido negro que les tenía tan fascinados, su meta, tan lejana como un sueño, era convertirse en la banda de blues más grande de Londres.

"Mick había visto tocar a Buddy Holly, esa fue una de las razones por las que me pegué a él como una lapa", confiesa Richards en su biografía. "Yo no estaba nada metido en el mundillo musical por aquel entonces, comparado con Mick, era un paleto de tomo y lomo. Él en cambio tenía controlada la movida de Londres". Los dos jóvenes iban cada vez menos a clase, Richards estudiaba Arte y Jagger estaba matriculado en Económicas. Cada vez pasaban más tiempo escuchando música, conociéndose y aprendiendo. Jagger se apuntó a un viaje familiar de los Richards a la costa, allí, en un pub, la pareja se subiría a su primer escenario para tocar unos cuantos temas. A la vuelta de ese viaje conocieron a Charlie Watts, todo un maestro del jazz que no se podían permitir para su banda, poco después alucinarían viendo a Brian Jones hacer slide. En aquellos días el dúo pasaba por todos los tugurios de Londres intentando encontrar una oportunidad para subirse al escenario y tocar algunas canciones. De aquella época data una de sus primeras grabaciones, una cinta casera que grabaron en una casa de Bexleyheath y que Jagger compró en una subasta décadas después.

Volando sin licencia

El momento clave para los incipientes músicos fue cuando Jagger y Richards acudieron a un anuncio que había puesto Brian Jones buscando músicos, así fue tomando forma el grupo junto a Ian Stewart, posteriormente liarían a Charlie Watts. El 12 de julio de 1962, el grupo daría su primer concierto en Marquee. Brian Jones llamó a la revista Jazz News para promocionar el bolo, cuando les preguntaron por el nombre de la banda se quedaron callados. Se miraron los unos a los otros, luego a la pared, después al suelo. Allí estaba tirado un grandes éxitos de Muddy Waters, la primera canción de aquel disco se llamaba Rollin' Stone, aquel sería su nombre. Aquella noche subieron al escenario Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Mick Avory a la batería y Dick Taylor al bajo. El reportorio eran las versiones que Richards, Jones y Jagger venían ensayando. "Sabes que te has ido donde la mayoría de gente nunca ha estado, un lugar especial", así describe Richards aquella primera sensación en su libro. "Es como volar sin licencia". A pesar de aquel primer subidón, la vida del grupo estaba todavía lejos de ser la de músicos al uso. "Lo único que nos interesaba en este mundo era que no nos cortaran la luz y cómo mangar unas cuantas cosas en el supermercado. Las mujeres, realmente, ocupaban el tercer puesto en la lista. Estudiar a los maestros del blues era nuestra verdadera misión, y cualquier minuto que le quitaras era poco menos que un pecado", recuerda Richards.

La cocina de la primera canción

En 1964, la banda editaría su primer álbum, The Rolling Stones, y en menos de un año el grupo viajaba por todo el mundo como las nuevas estrellas del rock. Aquel primer disco, como los siguientes, estaría formado por versiones de blues y rock de los años cuarenta y cincuenta, adaptadas al estilo propio del grupo. En 1965, Andrew Oldham, manager del grupo, encerró en una cocina a Keith y Mick y les aseguró que no les dejaría salir hasta que tuviesen escrita una canción. Si querían mantenerse en el estrellato, si querían llegar más lejos, deberían crear su propia música. Aquella noche la dupla escribiría As tears go by, tema que cantaría Marianne Faithfull, novia de Jagger por aquel entonces. La semilla estaba plantada, la pareja de músicos se convertiría en una de las mejores duplas de compositores del rock. En abril de 1966 llegó a las tiendas Aftermath, el primer disco del grupo con todos los temas compuestos por Jagger y Richards, el resto es leyenda, la historia del grupo que partiendo del blues estadounidense revolucionaría el rock, una historia que comenzó en una estación de tren de Dartford una fría mañana. Chuck Berry tuvo la culpa.

Fuente: Alfonso Cardenal (Cadena Ser)

domingo, 16 de septiembre de 2012

MADE IN UK

ANOTHER YEAR (2010)



Tom, Gerri y Joe (padre, madre e hijo), retrato de la típica familia de clase media, amables estables, felices y ‘british’ sin fisuras… rodeados de personajes infelices, inestables, fracasados y solitarios.

Entre ellos la frágil y enternecedora Mary. Una mujer vanidosa e insegura, constantemente sufriendo altas y bajas, unas veces radiante de alegría otras sobreexcitada por la desesperación y la frustración. Unos ojos llenos de amargura y sufrimiento. Hay momentos en los que te planteas si, Tom y Gerri necesitan egoístamente ver la desolación del prójimo para así sentirse más felices.

“Another year” es la cotidianeidad, no sorprende. No hay romance que libere de la soledad a Mary ni un desenlace trágico con moraleja. Es ver cómo pasa la vida, con sus rutinas y sus pequeños flashes de felicidad. Por eso acostumbrado gracias a Hollywood a las historias en las que siempre se persigue un punto álgido, es lógico que “Another year” te deje un poco desconcertado.

Se trata, simple y llanamente, de asomarse a la vida de unos seres sin pretensiones, con una historia totalmente creíble. Sus conversaciones, sus ocupaciones, su modo de vida, sus relaciones tan naturales y descriptivas que te dejan la sensación de haber pasado por una situación similar.

 
FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: Another Year
AÑO: 2010
DURACIÓN: 129 min.
PAÍS: UK
DIRECTOR: Mike Leigh
GUIÓN: Mike Leigh
MÚSICA: Gary Yershon
FOTOGRAFÍA: Dick Pope
REPARTO: Jim Broadbent, Lesley Manville, Ruth Sheen, Peter Wight, Oliver Maltman, Imelda Staunton, David Bradley, Karina Fernández, Martin Savage, Michele Austin, Philip Davis, Stuart McQuarrie

viernes, 14 de septiembre de 2012

Canned Heat los coleccionistas del Blues

ON THE ROAD AGAIN-CANNED HEAT (1968)

Aunque el blues se originara en Estados Unidos y hubiera alguna que otra banda blues-rock estadounidense de calidad (como los primeros The Paul Butterfield Blues Band Y Captain Beefheart), el género estaba dominado por estrellas británicas como Rolling Stones, Cream, Fleetwood Mac, Animals y Jeff Beck Group. No obstante, el 7 de septiembre de 1968, cuando estas se encontraban en su apogeo, Canned Heat irrumpió en el Top 40 con "On The Road Again" una versión de un tema poco conocido de Floyd Jones.

Establecidos al sur de California, lejos de la zona sureña del Delta, cuna del Blues, Canned Heat demostró con este single que una banda de estadounidenses blancos y jóvenes podían tocar buen Blues y a la vez añadirle suficiente rock psicodélico como para destacar en el panorama musical de la década de los 60.

Canned Heat eran además de músicos consagrados coleccionistas de álbunes y folcloristas, Wilson incluso había ayudado a enseñar al legendario bluesman del Delta Son House a tocar de nuevo la guitarra cuando éste hizo una reaparición en el circuito folk de la década de los 60. Por eso no sorprendió a nadie cuando echaron la vista atrás, hasta la década de los 20, en su siguiente gran éxito "Going Up The Country" que adaptaba elementos del tema "Bull Doze Blues" del cantante de country blues Henry Thomas.
Fuente: 100 Años de Música.



domingo, 9 de septiembre de 2012

Es un buen chico…

DRIVE (2011)


Es un buen chico… es capaz de conducir a más de 150 Km/h por las calles de Los Ángeles, dar patadas a un matón de poca monta hasta matarle o a base de martillazos no dejar ni un hueso sano de la mano de un chulo putas…Pero, también es capaz de proteger, cuidar y defender.

Nicolas Winding nos cuenta la historia de un conductor especializado en cine de acción, que también utiliza sus habilidades al volante ofreciendo sus servicios como conductor en atracos, se verá envuelto en una turbia historia al ayudar a su vecina.

En mi opinión Drive es una mezcla de Bullitt, Amor a Quemarropa y los Soprano, me explico:

De Bullitt cine negro de los 60 rostros tensos, frases cortas, claras y contundentes la mirada a través del retrovisor, el asfalto…

De Amor a Quemarropa estética de finales 80 principios 90, un tipo solitario, un escorpión aguijón frente a balas, planos aéreos de una ciudad que resplandece en la noche, hipnótica banda sonora, explosiones de violencia brutal, feroz.

De los Soprano aunque es una serie, en mi opinión es una recopilación de películas de 50 minutos. Estrenamos milenio, actuaciones, dirección, ritmo, fotografía una fuerza brutal, personajes humanos, un día los quieres y otro los detestas, guiados por instintos. No son, ni héroes ni antihéroes, sino gentuza.

Drive es todo esto, una película donde se respira tensión, que poco se dice en el guión y todo con la imagen, acción que sobresalta, nada teatral, nada rebuscada, violencia que engendra violencia.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Drive
AÑO 2011
DURACIÓN 100 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Nicolas Winding Refn
GUIÓN Hossein Amini (Novela: James Sallis)
MÚSICA Cliff Martinez
FOTOGRAFÍA Newton Thomas Sigel

viernes, 7 de septiembre de 2012

El Médico del Ácido

Doctor Robert (1966)


Esta canción de los Beatles, incluida en el Revolver y compuesta por Lennon fue posiblemente la más rápida de grabar de todos los temas del álbum.

Al igual que “She Said She Said”, "Doctor Robert" es una canción que habla de las drogas, en este caso cuenta la historia de un médico que procura a sus clientes "sustancias".

 
Existen varias teorías sobre la identidad del famoso Doctor Robert, algunos mantenían que era una referencia a Dylan, porque les dio a probar e inicio en la marihuana, también se especuló que podía ser un famoso marchante de arte de Londres Robert Fraser, que era conocido como camello de estrellas de rock y de la alta sociedad e incluso se llego a pensar que era el dentista de la banda el Doctor John Riley.

El misterio lo resolvió unos años después Paul McCartney que afirmo que la verdadera inspiración fue el Dr. Robert Freymann, el "médico del ácido" como lo denominaba Andy Wharhol y que tenía su consulta con guapas enfermeras incluidas en la East 78th Street en Manhattan, se dedicaba a inyectar a sus clientes: famosos, cantantes, actores, modelos cocteles de vitaminas y anfetamina.

Llevo unos días leyendo una biografía que ha sido la que me ha inspirado a escribir este post sobre Edie Sedgwick, modelo perteneciente a una de las mejores familias americanas y musa de la Factory de Andy Warhol que hace referencia al famoso doctor, dice así: “Un amigo mío me habló de un médico fantástico que te metía esos chutes de vitaminas y metadrina: el doctor Charles Roberts. Solía encontrar a Edie allí. El doctor Robert era la imagen paternal perfecta. Su consultorio de la calle 48 en el East Side tenía un aspecto impresionante, con enfermeras muy guapas, y él mismo parecía un médico de película.”

Hoy os recomiendo dos cosas escuchar de nuevo el Revolver de los Beatles y su Doctor Robert y leer la biografía de Edie para conocer que fue aquello de la movida underground en la ciudad de Nueva York.

domingo, 2 de septiembre de 2012

El Doctor Freud supongo?

UN MÉTODO PELIGROSO (2011)



‘Un método peligroso’ es la tercera película en la que colaboran Cronenberg y Mortensen tras ‘Una historia de violencia’ (‘A History of Violence’) y ‘Promesas del Este’ (‘Eastern Promises’). La película se centra en la compleja relación entre el doctor Carl Jung y su paciente la analista rusa Sabina Spielrein, bajo la sombra del influyente Sigmund Freud mentor de Jung, que no se muestra conforme con los métodos empleados por su alumno para curar a Spielrein.


Cronenberg nos muestra la rivalidad y posterior ruptura entre estos los dos psicoanalistas, que usaban la revolucionaria "Terapia de las palabras" para curar las enfermedades mentales.

Aunque en algunos momentos puede ser algo lenta, la capacidad visual de Cronenberg con una gran ambientación, un buen guión y una excelente interpretación de Keira Knightley consigue meterte de lleno en la historia.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL A Dangerous Method
AÑO 2011
DURACIÓN 93 min.
PAÍS UK
DIRECTOR David Cronenberg
GUIÓN David Cronenberg (Novela: Christopher Hampton)
MÚSICA Howard Shore
FOTOGRAFÍA Peter Suschitzky
REPARTO Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel, Sarah Gadon, Katharina Palm, Christian Serritiello, Andrea Magro, Bjorn Geske, Franziska Arndt, Wladimir Matuchin, Clemens Giebel