Así empezó todo

PLEASE PLEASE ME (1963)

Los inicios: John Lennon conoció a Paul McCartney el 15 de junio de 1957 cuando Paul acudió a ver al grupo liderado por John, “The Quarrymen”. John encontró en Paul un complemento perfecto, ya que era metódico, estudioso de las canciones (conocía las letras de las canciones que interpretaba, incluso los acordes), mientras que John era más intuitivo, salvaje y tocaba las canciones si le gustaban, aunque no supiera letra o música. Paul pasó a formar parte de los Quarrymen y al año siguiente, en agosto, presentó a su amigo George Harrison que fue admitido en el grupo.

En noviembre de 1959, los Quarrymen desaparecen, aunque John, Paul y George siguen ensayando y reaparecen públicamente en abril de 1960 como quinteto, junto con el batería Pete Best y Stuart Sutcliffe, que toca la guitarra, con el nombre de “Long John and The Silver Beatles”, que pronto quedan en simplemente “The Beatles”.

Son contratados para tocar en varios clubs de Hamburgo hasta que George es deportado por tener contrato de trabajo siendo menor de edad. El resto regresa a Liverpool y en marzo del 61 debutan en The Cavern. Vuelven a Hamburgo ya con la mayoría de edad de George, donde la compañía alemana Polydor les contrata para respaldar a Tony Sheridan, grabando una serie de temas entre los que destacó el single “My bonnie/The saints” que alcanzó las listas alemanas.

Precisamente este sencillo fue la causa de que Brian Epstein entrara en contacto con The Beatles, ya que un cliente (Ray Jones) solicitó el disco en su tienda. Al no conocer al grupo decide ir a The Cavern para escucharlos.

The Beatles han vuelto de Hamburgo (sin Sutcliffe que se queda en Hamburgo para casarse con Astrid Kirchher y dedicarse a la pintura) y Brian Epstein pasa a ser su manager en diciembre de 1961. Consigue que graben 15 canciones para la DECCA, pero “los chicos no valen y además los cuartetos están pasados” (que vista el colega) y pese a que en Liverpool son considerados el mejor grupo del momento, tienen que volver a Hamburgo, donde tras siete semanas reciben un telegrama de Epstein donde les dice que “EMI solicita sesión de grabación”.

El 6 de junio acuden a la EMI donde conocen a George Martin que les hace unas pruebas y al fin el ansiado contrato. Pero la EMI presiona para que se prescinda de Pete Best. Se llama a Ringo Starr para sustituirle.

Singles previos: El 11 de septiembre de 1962 graban el primer disco para la EMI: Love me do/P.S. I love you (para lo que se contrató a un batería de estudio, Andy White, dejando a Ringo Starr encargado de la pandereta), que es lanzado el 5 de octubre de 1962 alcanzando el nº 17 en ventas y posteriormente lanzan Please please me/Ask me why, el 11 de enero de 1963, que alcanzó el nº 1 (o nº 2 según alguna lista).

Please, please me (Álbum): El 11 de febrero de 1963 a las diez de la mañana, entraron los Beatles en Abbey Road, saliendo a las once de la noche tras grabar 10 canciones (que unidas a las 4 ya grabadas conformaron este primer álbum del grupo). El coste de la grabación ascendió a 400 libras.

Nunca en el mundo del disco tan poco dinero produjo tanto. En él, se decidió la fórmula de 8 canciones propias y 6 no compuestas por ellos, dato que se repetiría en posteriores discos.

Sobre el disco, John comentó: "Sólo escribíamos canciones a lo Everly Brothers, a lo Buddy Holly, y canciones pop sin más pretensiones que eso: crear un sonido. Las letras eran prácticamente irrelevantes".

Se utilizó un magnetófono de dos pistas, y la grabación fue totalmente en directo. No se volvió a grabar ninguna voz y no se hicieron más de cuatro tomas de cada canción. A petición de los Beatles, para la sesión se puso encima del piano una gran caja de pastillas para la tos y dos paquetes enteros de cigarrillos Peter Stuyvesant. Así se inició una tradición que duraría años.

La portada: La fotografía de la portada fue tomada por Angus McBean en las escaleras de la Casa EMI en Manchester Square, Londres. McBean hizo una foto similar seis años más tarde, para el álbum Get Back (que más tarde se llamaría Let It Be), pero no fue utilizada para dicho álbum pero sí para el recopilatorio The Beatles 1967-1970. Se dice que John Lennon quería utilizar una foto posando en el Zoológico, pero no se lo permitieron, por lo que finalmente se optó por ésta.

Los Payasos me Acojonan

Para empezar esta post tengo que reconocer una cosa, no me mola el circo me da mal rollo es más me produce cierto rechazo: esos pobres animales, esa gente…. y dentro del circo la figura que más desazón me produce es la de los payasos, una mezcla entre desconfianza y terror con sus caras pintadas ocultando que se yo… Para mi no tenían ni “puta gracia” esas humillaciones del payaso listo eso lloros fingidos con chorros de lágrimas…incluso aquellos cuadros espantosos de payasos muy de moda durante mi niñez me producían “repelus”.
Pero bueno tras esta breve introducción de mis miedos y fobias de niñez que poco os interesaran paso a contaros mi crónica de esta maravillosa locura de película…

BALADA TRISTE DE TROMPETA (2010)

Frikis mutilados colgando de edificios emblemáticos. Humor macabro. Reírse o vomitar de asco. Alex de la Iglesia y su universo grotesco. Sólo de las produndidades de su mente perversa y genial ha podido gestarse este exceso. Balada Triste es violenta, anárquica, aterradora, malévola, rara. Y los tiene bien puestos.
De la Iglesia se lía la manta a la cabeza y nos suelta este menú con humor negro, simbología, política, violencia y locura. El exceso elevado a la máxima potencia como virtud principal. Ese exceso deja a la película en la frontera que raya el ridículo pero vence, por poderío visual, por originalidad, por el absoluto triunfo del caos. Quizás la alegoría de las 2 españas que se nos presenta está resuelta de una manera tosca y forzada, pero que más da, en este viaje alucinado lo de menos es la verosimilitud.
Las interpretaciones son escalofriantes, la ambientación es digna de una superproducción de Hollywood, el guión es una ida de olla, pero... el estilo. Y al que no le guste, que no mire.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Balada triste de trompeta
AÑO 2010
DURACIÓN 107min.
PAÍS España
DIRECTOR Álex de la Iglesia
GUIÓN Álex de la Iglesia
MÚSICA Roque Baños
FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica
REPARTO Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Santiago Segura, Sancho Gracia, Manuel Tejada, Manuel Tallafé, Alejandro Tejería, Fernando Guillén Cuervo, Enrique Villén, Terele Pávez, José Manuel Cervino, Gracia Olayo, Luis Varela, Joaquín Climent, Juana Cordero, Raúl Arévalo, Fran Perea

BLACK POWER

WAR- WORLD IS A GHETTO (1972)

La noche antes de su muerte, Jimi Hendrix tocó en directo, secundado por una incendiaria banda californiana que acompañaba al cantante británico Eric Burdon. Dos años después, ya sin Burdon en su formación, War publicaban en el sello United Artists The world is a ghetto, su primera obra maestra y una de las referencias imprescindibles de la encrucijada soul/funk/black rock.

Como Mandrill y Santana, aunque más arrimados a la escuela del funk callejero, War enarbolaron la bandera del rock negro y chicano de la Costa Oeste con discos como All day music, The world is a ghetto, Live, Why can’t we be friends? o Platinum jazz, la clase de sonidos que uno espera escuchar al ver el dibujo de portada de este álbum magistral: seis músicos negros y uno blanco (el armonicista y percusionista danés Lee Oskar) liderados por el gran Lonnie Jordan, traduciendo el pálpito de los suburbios de Los Ángeles al lenguaje del rock negro, el mismo trabajo desarrollado en otras latitudes por The Isley Brothers, The Ohio Players y Funkadelic.

No hay puntos muertos ni respiros en The world is a ghetto, ni siquiera en los temas más cercanos al jazz latino (“Beetles in the bog”, con su aire de marcha, y el sensacional “City, country, city”, un instrumental proteico escrito originalmente para la película Nigger Charlie), pero sí hay dos piezas sobresalientes, tanto por su repercusión comercial inmediata (Top 2 y 7 respectivamente en las listas de pop) como por su extraordinaria fuerza: “Cisco Kid”, una parábola colorista y mestiza dedicada a un héroe televisivo mexicano, famoso en los años 50; y “The world is a ghetto”, impresionante mosaico multicultural en clave de funk/jazz latino, con un estribillo coral estremecedor y un extraño olor a desolación y a miseria sin salida.

Mi apreciación particular es que se trata de un disco imprescindible de los 70, así que prepararos para disfrutar.

¡Como está el servicio...señoritooo!

Criadas y señoras (2011)


Años 60, Mississippi, Estados Unidos. Época en la que el racismo impera en las calles. Las criadas negras atienden, cuidan (o mejor dicho: educan) hijos ajenos y las blancas son un mero mueble, pura fachada, falsedad y mezquindad.
A pesar de la dureza del argumento, no nos encontramos ante una película excesivamente explícita y cruda del asunto, exceptuando un par de momentos, la película es fácil de digerir, es más, resulta "muy simpática". Es una de las "pegas" que le encuentro, hubiera sido interesante profundizar en el tema del racismo más allá del circulo familiar.

Criadas y Señoras es una película entretenida: buen montaje, buenas interpretaciones, El vestuario y la ambientación, ambos, muy conseguidos, buen guión, buena banda sonora…
Es el típico producto made in Hollywood drama suave, bonachón y para limpiar conciencias sobre la rutina y la vida de un puñado de sirvientas afroamericanas de los años 60, sin ser ninguna obra maestra que llegue a golpear en el corazón es una película bonita que deja una sensación satisfactoria durante y tras su visionado.


FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL The Help
AÑO 2011
DURACIÓN 137 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Tate Taylor
GUIÓN Tate Taylor (Novela: Kathryn Stockett)
MÚSICA Thomas Newman
FOTOGRAFÍA Stephen Goldblatt
REPARTO Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Jessica Chastai, Ahna O'Reilly, Allison Janney, Anna Camp, Eleanor Henry, Emma Henry, Chris Lowell, Cicely Tyson, Mike Vogel, Brian Kerwin

C,S,N & Y

CROSBY, STILL, NASH & YOUNG. DÉJÀ VU (1970)

Era el segundo grupo de todos ellos y su segundo Lp juntos.

Originalmente, el grupo estaba formado por David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash. Crosby fue miembro fundador de The Byrds, Stills procedía de Buffalo Springfield y el británico Graham Nash de The Hollies.

Para este segundo álbum de CSN, alguien tuvo la brillante idea de invitar a Neil Young. Neil había sido compañero de Stephen Stills en Buffalo Springfield y era un guitarrista excepcional. Y le dio al álbum un toque especial y una fuerza de la que el primer álbum carecía.

En cuanto a las canciones, estaban democráticamente repartidas: Dos de cada componente, más un tema a medias entre Stills y Young y la versión de Joni Mitchell de su tema Woodstock.

Carry On (Stills) es una especie de suite psicodélica con dos partes diferenciadas, pero ambas con unas armonías inimitables. La temática "hippie" del primer álbum sigue aquí en casi todas las canciones, como ejemplo el puente entre las dos partes de este tema: "Carry on, love is coming to us all". La segunda es la conocida Teach Your Children (Nash), una de las típicas canciones "hippie". Además de las guitarras de Nash y Stills, aparece la "pedal steel" de Jerry Garcia, de The Grateful Dead.

Almost Cout My Hair (Crosby), grabada en directo, con las tres guitarras atacando a diestro y siniestro y Crosby cantando rabioso.

Helpless (Young) es un tema acústico, es Stills el que toca la guitarra, tranquilo acompañamiento del tema. Woodstock, una canción que Joni Mitchell compuso dedicada al famoso festival, y donde vuelven las armonías a brillar y la guitarra de Neil Young a ofrecer el contrapunto ideal, con ataques medidos pero directos.

Déjà Vu (Crosby) es la siguiente canción. Las dos que compuso Crosby son extrañas, sin embargo, además de ser canciones de gran calidad, encajan en el conjunto sin problema ninguno. John Sebastian (de The Lovin' Spoonful) toca la armónica. Our House (Nash), las dos canciones de Nash en este álbum tienen el mismo estilo y temática. 4 + 20 (Stills) es un tema acústico donde toca él solo, irrepetible, grandiosa en su simplicidad, Stills demuestra que a veces para hacer grandes canciones basta con una guitarra. Quería guardársela para su primer álbum en solitario, pero Crosby y Nash lo convencieron para que lo publicara en Déjà Vu.

Country Girl (Young) tiene los arreglos más complejos, suena muy nostálgica... quizá demasiado para que acabe así un disco hippie, así que el disco finaliza con Everybody I Love You (Stills, Young), un final como corresponde para este magnífico álbum con el que consiguieron un adelanto de dos millones de dólares además del nº1 en Estados Unidos.

Somos principiantes, no se puede negar

Beginners (Principiantes) 2010


A veces uno descubre pequeñas joyas de casualidad… una historia que mezcla tristeza, comedia, humor, ternura y tranquilidad. Se te va acercando y se te va metiendo poco a poco por los ojos, por los oídos,...

Somos lo que nuestras circunstancias nos hacen ser, lo que observamos desde pequeños, lo que nos proyectan las personas de las que nos rodeamos. Y tenemos que arriesgar, ser honestos con nosotros mismos y no censurarnos. De eso nos habla Mike Mills, de no saber cómo empezar pero querer empezar y de personas que han tropezado en algún momento de sus vidas, y que han de volver a andar a pesar del dolor y del miedo a empezar de nuevo

La química entre los tres protagonistas es estupenda, encajan a la perfección; tanto cuando coinciden en pantalla McGregor y Laurent, como cuando lo hacen McGregor y Plummer. Esa curiosa relación padre e hijo derrocha amabilidad, alegría, ternura, comprensión, delicadeza... amor.

Beginners es optimista dentro de la melancolía aparente y es muy sincera a la hora de presentar las "tristezas" del amor y de las relaciones personales.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Beginners
AÑO 2010
DURACIÓN 105 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Mike Mills
GUIÓN Mike Mills
MÚSICA Roger Neill, Dave Palmer, Brian Reitzell
FOTOGRAFÍA Kasper Tuxen
REPARTO Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent, Goran Visnjic, Bill Oberst Jr., Lou Taylor Pucci, Jodi Long, Kai Lennox, Jessica Elde

Contracorriente...

Flamin' Groovies -Teenage Head (1971)

Los Flamin' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad de San Francisco y su música permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante toda la existencia del grupo.La banda estaba liderada por el guitarrista Cyril Jordan y el cantante Roy Loney; junto a ellos se encontraba el guitarra Tim Lynch, el bajista George Alexander y el batería Danny Mihm.

A principios del año 1971 los Groovies se trasladan a Nueva York para grabar "Teenage Head" tercer Lp de Flamin' Groovies y el último con su formación original; el álbum lo conforman temas ásperos de rockabilly, melodías con tintes country, rítmicos boogies a lo Stones, densos blues e incisivas guitarras slides. Comparado con el Sticky Fingers de los Stones, por su carga musical y el año de lanzamiento, hasta el mismísimo Jagger en esa época admitió que no paraba de escuchar el tema Teenage head que daría nombre al álbum.

El conjunto tras incorporar al cantante Chris Wilson y un nuevo guitarra llamado James Farrell emigra a Gran Bretaña y en tierras europeas consiguen incrementar notablemente su audiencia convirtiéndose en una formación de culto.

Su música ahora se aposentaba aún más en los Beatles, Rolling Stones, Byrds, o Bob Dylan.

A principios del verano de 1976 se edita el elepé "Shake Some Action", el primero de la trilogía con el sello Sire.

Película semi...

Los chicos están bien (2010)


Historia semi-plana, semi-correcta, y semi-buena.

Como peli de sobremesa no está nada mal, pero para ser vista tras pagar 7,50 euros, e ir con expectativas de "voy a pasar un rato entretenido al lado de un montón de personas desconocidas...." No, la verdad.

El argumento, tiende a ser original. Pareja de lesbianas de mediana edad decidieron montar una familia, teniendo ambas sendos churumbeles del mismo donante de esperma.
La hija, decide ponerse en contacto con la empresa que en su día les proporcionó "el material", y de una manera más que dudosa, consigue ponerse en contacto con el tipo en cuestión.
El tipo en cuestión, es un hombre de treinta y tantos, moderno y cañero, a la par que autónomo y cuya vida, casualmente está casi vacía.

La película desde luego carece de clímax, y las situaciones, ni emocionan ni sorprenden.Lo único que realmente tiene valor aquí, es la relación de pareja que tienen dos mujeres cuyas vidas son bastante normales. Ni así, de todas formas se libran de los topicazos.

Julianne Moore, interpreta el personaje más ecléctico de la película. Anette Bening en cambio está estupenda, y resulta muy creíble su papel de "hombre" en la relación.

Como película, que es realmente lo que importa, es normalita sin más.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Kids Are All Right
AÑO 2010
DURACIÓN 109 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR Lisa Cholodenko
GUIÓN Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg
MÚSICA Nathan Larson, Craig Wedren
FOTOGRAFÍA Igor Jadue-Lillo
REPARTO Annette Bening, Julianne Moore, Mia Wasikowska, Mark Ruffalo, Josh Hutcherson, Yaya DaCosta, Rebecca Lawrence, Kunal Sharma, Amy Grabow, Eddie Hassell, Joaquín Garrido, Joseph Stephens Jr.

"This is London calling..."

The Clash - London Calling (1979)

“London Calling” (1979), tercer álbum en la discográfica de The Clash, unas de las Bandas Británicas más representativas de punk y considerado por la crítica especializada como unos de los mejores álbumes de la historia del rock. Vaya con este post un pequeño homenaje y además creo que viene a “huevo” con todo lo que nos esta tocando vivir.

En la época de la grabación de “London Calling” , aunque The Clash era unas de las bandas más importantes del punk, el grupo estaba inmerso en un autentico “kaos” en el sentido de que tenia diferencias y continuas peleas con la compañía discográfica, endeudados y sin manager. Por no tener no tenían ni local de ensayos, componiendo Mick Jones y Joe Strummer la mayor parte de los temas del álbum en el apartamento de la abuela de Jones, donde éste habitaba.

Finalmente, se grabó el álbum en agosto de 1979 en los estudios Wessex con la producción de Guy Stevens.

Originalmente el álbum fue emitido como disco doble, sin embargo, para su edición en CD del año 2000 fue comprimido en una sola unidad.

Un álbum muy variado, incluyendo el punk lúgubre ("London Calling"), el blues ("Brand New Cadillac"), el ska ("Wrong 'em Boyo"), la música disco ("Lost in the Supermarket"), el reggae ("The Guns of Brixton") y el rockabilly ("Rudie Can't Fail") con Letras de contenido político y crítica social, habitual en la obra del grupo, como "London Calling", "The Guns of Brixton" o "Spanish Bombs" que rendía homenaje a los revolucionarios y luchadores de la libertad que combatieron en la Guerra Civil Española. Otros temas abordados en el álbum son la soledad consecuente al uso de las drogas ("Hateful"), el materialismo ("Lost in the Supermarket"), el fascismo ("Clampdown") y la vida de Montgomery Clift ("The Right Profile”).

El título del disco hace referencia a una frase usada en las emisiones de la BBC durante la Segunda Guerra Mundial ("This is London calling...") y que la portada del disco muestra una fotografía de Paul Simonon rompiendo su bajo en The Palladium de Nueva York en 1979, foto asociada como emblema del punk y que ni Paul Simonon ni la autora, la fotógrafa Pennie Smith, quisieron incluirla como portada, esta última arguyendo que no era una imagen técnicamente buena, siendo Strummer el que convenció a ambos para incluirla.

The Clash estaban formados por Joe Strummer (voz, guitarra y piano), Mick Jones (guitarra, piano y voz), Paul Simonon (bajo y voz) y Topper Headon (batería). También intervienen en este disco Mickey Gallagher (teclado) y The Irish Horns (vientos).

Lennon....

Nowhere Boy (2009)


Nowhere Boy intenta retratar la infancia de John Lennon, centrándose principalmente en la relación que tuvo con su tía Mimi y con su madre Julia, quienes a pesar de ser hermanas, poseían personalidades muy distintas.

Es una pequeña y humilde película, que prefiere dejar la gran y conocida historia de Lennon a un lado, para investigar en sus raíces, en sus primeros pasos, o más bien en los primeros acordes de su gran vida. Así, Nowhere Boy, más que un musical rockero al uso, es una metáfora sobre el poder de la música como reconstructor de relaciones, el poder de la música como fin absoluto de una serie de existencias separadas por los dramas cotidianos de la vida.
Cualquiera que ame la música, amará pues Nowhere Boy.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Nowhere Boy
AÑO 2009
DURACIÓN 98 min
PAÍS UK
DIRECTOR Sam Taylor Wood
GUIÓN Matt Greenhalgh (Memorias: Julia Baird)
MÚSICA Alison Goldfrapp & Will Gregory
FOTOGRAFÍA Seamus McGarvey
REPARTO Aaron Johnson, Kristin Scott Thomas, Thomas Brodie-Sangster, Sam Bell, Anne-Marie Duff, David Morrissey, Ophelia Lovibond, Josh Bolt, Jack McElhone, Calum O'Toole, Ellie Jeffreys, Les Loveday

“Little Steve Wonder”

Stevie Wonder - I Was Made To Love Her 1967

Stevland Judkins nació prematuramente en Saginaw, Michigan. Se creía que su ceguera fue causada por el excesivo nivel de oxígeno al que de niño fue expuesto en su incubadora, pero fue el oxígeno lo que le salvó la vida. La causa real fue el desarrollo prematuro de su ojo, lo que provocó que los vasos sanguíneos se desprendieran de la retina.

Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y le dieron un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, las congas y la armónica.

En 1961 fue descubierto por Ronnie White de los Miracles quien lo ayudó a conseguir una audición con Berry Gordy en Motown. Gordy no lo pensó dos veces y firmó un contrato con él, lo rebautizaron como “Little Steve Wonder” y lo pusieron a trabajar con el productor y compositor Clarence Paul. Stevie lanzó sus dos primeros álbumes en 1962: “A Tribute to Uncle Ray”, un LP en el que Stevie Wonder cantaba los temas más importantes de su héroe Ray Charles, y “The Jazz Soul of Little Stevie”, un disco orquestado de jazz en el que se destacan sus interpretaciones en el piano, la armónica y la percusión. Ninguno de los dos discos vendió bien, pero las cosas cambiaron con el disco en vivo de 1963 “The 12 Year Old Genius”, en el que se presentaba una versión extendida del solo de armónica en la canción “Fingertips”. Editada para ser lanzada como un sencillo “Fingertips, 2ª. Parte” llegó a ser número uno tanto en la lista pop como en la lista R&B. Casualmente, el LP fue el primer disco de Motown en ser número uno en el cuadro de álbumes.

Aunque logró colocar un par de sencillos en las listas, sus subsiguientes esfuerzos no alcanzaron el éxito de “Fingertips, 2ª. Parte”. Debido a la pubertad, su voz cambiaba y fue necesario poner su carrera en el congelador, por su parte se dedicó a estudiar piano clásico en la Escuela para Ciegos de Michigan.

Al mismo tiempo quitó de su nombre artístico el “Little” y en 1965 reapareció con “Uptight (Everithing's Alright)” una típica canción bailable Motown que estuvo en el primer lugar de la lista R&B y fue número 5 en la pop lo que demostraba que Stevie Wonder era un artista que cruzaba las audiencias sin mayor inconveniente.

El tema fue escrito por él y otro productor; y sirvió para que se reinventara como un cantante más maduro frente a una audiencia que aún lo recordaba como un niño. Sus primeras canciones marcadas por el conflicto de los derechos civiles de las personas negras apareció en 1966 a través de su versión de “Blowin' in the Wind” original de Bob Dylan y por “A Place in the Sun”.

Dado que Motown tenía la última palabra sobre la dirección de la carrera de Stevie Wonder no permitieron que pudiera desarrollarse en esa dirección. Sin embargo, Stevie Wonder empezaba a tomar más control de su carrera. Participó en la composición de sus siguientes éxitos: "Hey Love," "I Was Made to Love Her" y "For Once in My Life". Con el nombre de esta última canción apareció su LP de 1968 en el que quedaba claro que su personalidad y estilo estaban marcando el resultado de lo que salía del estudio. Del disco se extrajeron tres sencillos que fueron número uno en la lista R&B: "Shoo-Be-Doo-Be-Doo-Da-Day," "You Met Your Match," y "I Don't Know Why."

Los jóvenes leones

EL BAILE DE LOS MALDITOS (1958)

"El baile de los malditos" es un retrato de la II Guerra Mundial realizado desde dos puntos de vista: el alemán, encarnado en la figura de Marlon Brando, y el americano, con Dean Martin y Montgomery Clift interpretando a dos reclutas del "Tío Sam".

El primero de ellos es un eficiente oficial alemán, cuyo patriotismo le lleva a cumplir con los deberes de la patria por encima de cualquier otra cosa. Brando es el reflejo de todos aquellos alemanes esperanzados con la figura de Hitler que con el transcurso de la guerra ven decepcionadas sus expectativas.
Por otro lado está Montgomery Clift, una persona acomplejada y retraída pero tenaz y valiente y Dean Martin que interpreta al amigo de Montgomery Clift, un cantante de éxito vividor y cobarde.

Los actores no están enormes, ni Montgomery Cliff está del todo bien, ni Dean Martin, aunque para su nivel está más que correcto, ni mucho menos Marlon Brando que con esta película le marcaría el primer fracaso importante después llevar una década de los cincuenta casi perfecta.

Con un marcado carácter antibelicista, la película intenta, dar dos puntos de vista diferentes de un mismo conflicto, pero no logra profundizar en la creación de dos formas diferentes de concebir la batalla más que a base de tópicos. al intentar abarcar demasiados hechos en poco tiempo, no consigue dar sensación de fluidez. Nunca te logra situar en el verdadero conflicto, dándote apenas un par de escenas bélicas de una débil recreación.La película fue hecha añicos por la censura española, por el tema de los campos de concentración. A pesar de ser una película llena de tópicos, donde los nazis son muy malos y los judíos intelectuales que leen a Joyce, podemos decir que su visionado no defraudará del todo, mucho más por tener un formato de vidas cruzadas que tanto se lleva en nuestros días.

FECHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Young Lions
AÑO 1958
DURACIÓN 167 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Edward Dmytryk
GUIÓN Edward Anhalt (Novela: Irwin Shaw)
MÚSICA Hugo Friedhofer
FOTOGRAFÍA Joseph MacDonald (B&W)
REPARTO Marlon Brando, Montgomery Clift, Dean Martin, Maximilian Schell, Hope Lange, Barbara Rush, Lee Van Cleef, Mai Britt

Deadhead

AMERICAN BEAUTY (1970)

Grateful Dead, funcionaban como un ser unicelular, siempre en la carretera o encima de un escenario en busca de la felicidad psicodélica. Conocían todos los trucos acerca del blues, bluegrass, rock, country y especialmente del folk, en cuyo ámbito perdieron la inocencia los dos guitarristas y voces cantantes Jerry Garcia y Rob Weir. Estos tipos fueron la propia Música, la respiraban con una rara sensibilidad. Todas esas canciones cobraban vida propia en sus manos, a veces en forma de pequeñas historias de ambiente rural, otras en gigantescas jams...

El final de los 60 y el principio de los 70 presenciaron saltos sustanciales en la tecnología de los estudios. No obstante, Grateful Dead parecía complacerse en su método indisciplinado de grabar, de manera que el Workingman’s Dead y el American Beauty su continuación, son las dos obras maestras grabadas por la banda en 1970.

Este año supuso un comienzo por parte del grupo hacia un nuevo camino alejado de los experimentos psicodélicos de sus dos talentosos primeros discos. No hay ningún "jamming" en este álbum, son solo canciones cuyas interpretaciones las convierten en hermosas.

David Nelson toca el único solo de guitarra eléctrica en "Box Of Rain" una completa maravilla construida con unos mimbres tan sencillos como lejanos para la mayoría de los mortales.

No es la única canción enorme del disco, pero quizás si la mejor, aún concediendo a "Friend of the devil" o "Sugar Magnolia" grandes dosis de inspiración, a la altura de la frescura de "Operator" o la dulzura de los momentos más country de dos piezas que crecen con las escuchas, "Ripple" y "Candyman". ¿Necesitas una balada sentida, honesta, sencillamente rural? Entonces lleva la aguja del reproductor hasta el corte correspondiente a "Brokedown palace", toda una delicia, lo mismo que la pieza final, la grandiosa "Truckin", ese tipo de blues que solo los Grateful Dead fueron capaces de destilar.

Las grabaciones extras de esta edición son principalmente canciones en directo con el característico sello de la banda. La madurez de los Dead como compositores queda patente por cuarta vez en este magnífico álbum.

VIVA EL PORTERO AUTOMATICO !!

MIENTRAS DUERMES (2011)

Hannibal Lecter, Darth Vader, Freddy Kruger, Norman Batesl...Hay multitud de representantes del mal en diferentes épocas y situaciones. Sólo que la mayoría tiene motivos para ser un anti-héroe ya sean el dinero, el poder, los traumas infantiles...César (Luis Tosar) no. Él es así, nació sin esa capacidad para sentir el bien como quien nace sordo, mudo.
Rara vez encontramos en el cine un personaje, como el interpretado por este gran actor, tan nocivo, vil, infame, perverso y cobarde, que además nos es exhaustivamente explicado, porque todo lo que pasa está narrado por él o visto desde su óptica. Su motivación para hacer las atrocidades no es la venganza, ni el dinero, ni tan siquiera el sexo, es la satisfacción de ensañarse con la inocencia, de acabar con la alegría del mundo, en las víctimas que tiene a su alcance.
Es un "Pequeño Hermano": que vigila, controla, condiciona, altera y malogra la vida de quienes tienen la desgracia de colocarse en su punto de mira.

El punto fuerte de la historia y la dirección por la que ha optado Balagueró es el punto de vista. Somos César. Vamos a donde él va. Vemos lo que él ve. Dañamos a quien él dañe. Balagueró y Marini, instauran la dictadura en nuestra mente para inculcarnos que no hay nada más para nosotros que no sea ese hijo de puta.

La película tiene muy buen ritmo, sin efectismo, y con un permanente aura de desasosiego e incomodidad, donde odias a un personaje..En resumen, una peli original y bien hecha.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Mientras duermes (Sleep Tight)
AÑO 2011
DURACIÓN 107 min
PAÍS España
DIRECTOR Jaume Balagueró

GUIÓN Alberto Marini

MÚSICA Lucas Vidal
FOTOGRAFÍA Pablo Rosso
REPARTO Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida

Seis músicos sureños de aspecto desaliñado

The Allman Brothers Band - Idlewild South (1970)

Simple y llanamente imprescindible. El segundo álbum de estudio parido en 1970 por estos seis músicos sureños de aspecto desaliñado y pelo largo, deja atónito a cualquiera. Gracias en parte a las enormes dosis de energía y pasión que ponían al asunto, parecían estar tocados por un ángel que les permitía transformar en oro todo lo que tocaban. Es fácil dejarse fascinar por su equilibrada y fresca mezcla de gospel, jazz y blues electrizante con texturas acústicas.

Con "Idlewild South" la banda saboreó de nuevo unas más que excelentes críticas al igual que con su primer álbum homónimo publicado el año anterior. Pero esta vez los Allman consiguieron algo más de éxito ampliando de manera notable su grupo de seguidores, aunque su golpe sobre la mesa definitivo sería un año después con la publicación de la legendaria obra maestra en forma de doble álbum en directo :"At Fillmore East".

"Idlewild South" es un álbum clave, no sólo por la estupenda experiencia que supone disfrutar de su música, sino también para entender el desarrollo que trazará esta rama del sonido sureño a lo largo de aquella década y que tantas perlas dejará por el camino. Eso si, la música de los Allman seguirá siendo única gracias a su inconfundible sabor metálico que amiga cualquier sonido al blues urbano eléctrico y a las citas country abonadas por unos controladísimos y geniales toques jazz.

Papá, papá ¿Dónde tienes esos cuentos de Tintín de los que me hablabas ayer?".

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (2011)

Soy tintinólogo. No oculto mi condición, es más, la llevo con orgullo, y nunca olvido que una parte significativa de mi educación lectora se la debo a Hergé. Tengo todos los cómics de Tintín. Todos ellos recopilados durante mi niñez. Pequeñas joyitas, coleguitas de infancia, leídos y releídos. Vamos, las típicas cosas que uno guarda con firmeza.

Tintín no volaba, no tenía visión de rayos X, ni tenía una fuerza descomunal. Ni falta que le hacía.Tintín era un simple reportero con el olfato siempre a punto... y que además tuvo la suerte de vivir en una época en la que el romanticismo era un concepto todavía vivo. Una época en la que la red de redes no era ni siquiera un proyecto, y en la que las bibliotecas eran la elección predilecta de todo buen sabueso. Una época en la que con una triste moneda podían adquirirse auténticos tesoros; en la que hasta los criminales más ruines vestían elegantemente y en la que el exotismo aún no había perdido su capacidad para maravillar, al existir todavía lugares que esperaban ser descubiertos

Por esto esta adaptación para mi y para los que hayan tenido a Tintín como parte de su infancia, se trata de magistral, magnífica y no alcanzo a creer como podría ser superada. Me explico:Para empezar, el detalle del principio con Hergé, como en cualquier tomo (los tintinólogos saben de lo que hablo) es genial, sutil y todo un homenaje que se merece.
La caracterización de los personajes es, sencillamente espectacular, hasta el más mínimo personaje está calcado igual que el libro con precisión cirujana, incluida la portera del protagonista!!! Y eso no es todo, los diálogos también, y lo más importante: si estamos alerta podremos ver INFINIDAD de detalles espectaculares referente las otras aventuras del reportero, todo tiene su sentido de una u otra forma.

Y es que el Tintín de Spielberg podría ser un Indiana Jones, pero no, es Tintín. Y se nota que es Tintín, porque con un ritmo tan frenético de película, casi visceral, el contenido de la historia es acertado y denso, dando a las aventuras un toque de intriga más del cine de espías, algo que siempre ha caracterizado a Tintín, que era un aventurero que pensaba y razonaba.
Estamos ante una película de aventuras, y no me canso de repetirlo, diseñada para que en cada imagen nos quedemos prendados y con la boca abierta, con un guión espléndido, una adaptación fiel, unos personajes llenos y ricos en detalles.
En resumen: una genial película en todos los sentidos, con una historia muy entretenida, con un gran aire ochentero que recuerda a las geniales películas de aventuras de esa época y que cuenta con un increíble apartado técnico. Muy recomendable.

Ah! Otra cosa! Lo mejor a la mañana siguiente: 9 de la mañana del domingo, en la cama completamente dormido, empiezo a escuchar a mi hijo de 8 años entre sueños, abro un ojo medio dormido y:-. “Papá, papá ¿Dónde tienes esos cuentos de Tintín de los que me hablabas ayer?".

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn
AÑO 2011
DURACIÓN 107 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR Steven Spielberg
GUIÓN Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish (Cómic: Hergé
MÚSICA John Williams
FOTOGRAFÍA Animation
REPARTO Animation, Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Mays, Toby Jones, Enn Reite, Joe Starr, Mackenzie Crook, Kim Stengel, Gad Elmaleh, Tony Curran, Cary Elwes, Sebastian Roché

Crucemos Abbey Road

ABBEY ROAD (1969)

Los Beatles fantasearon con varios nombres para el que sería su última obra de estudio, al final terminaron por inclinarse por bautizarlo como la calle en donde se encontraba el estudio de grabación en donde gestaron un enorme porcentaje de su legado.

Algunos de los temas datan del viaje a la India en 1967 y muchos de ellos fueron ensayados durante las sesiones de “Let it be“.

Paul habló con George Martin para pedirle su colaboración en este disco. Querían hacer un disco “como antes”, para marcar una diferencia respecto a las traumáticas sesiones de “Let it be“. Martin aceptó, a condición de tener total autoridad durante las sesiones. También convencieron a Geoff Emerick, el ingeniero de sonido de Revolver, Sargent Pepper, Magical Mistery Tour y parte del Álbum Blanco, que había decidido no trabajar nunca más con el grupo tras soportar las constantes peleas.

Los Beatles usaron, por primera vez, un sintetizador Moog. Era este un equipo comprado por George Harrison en los Estados Unidos en 1968 (y usado por él en un proyecto solista) que requería de todo un trabajo para ser programado.
George tocó el Moog en Oh Darling, Octopus´s garden, Here comes the sun y Because.
 John lo hizo en I want you (she is so heavy) y Paul en Maxwell Silver Hammer.

John no tocó en todas las canciones, se perdió las primeras semanas de grabación por haber tenido un accidente automovilístico junto a Yoko. Como resultado del accidente, Yoko tuvo que guardar reposo. John, que no estaba dispuesto a separarse de ella, hizo que se instalara en pleno estudio de grabación ¡una cama!. Pidió también que le acercaran un micrófono conectado directamente al centro de control, en caso de que Yoko tuviera alguna recomendación que hacer. Esto no hizo más que sumar negativamente a la ya difícil incomodidad por la sempiterna presencia de la japonesa invadiendo el espacio del grupo.

A pesar de esto parece ser que el clima de las sesiones fue bueno en general, mucho mejor que durante el Álbum Blanco o Let it be.

En Anthology documental de más de diez horas de duración en la que de forma cronológica se narra la historia de los Beatles a través de una serie de entrevistas, Paul, George y Ringo dicen que sabían que Abbey Road iba a ser su última obra conjunta. La historia dice algo diferente, ya que ni siquiera con el anuncio de la partida de John realmente creyeron que los Beatles habían finalizado.
 De hecho, hasta esa reunión en donde John pidió el divorcio, Paul insistía con que programaran una gira pequeña para tocar en lugares con muy poco público para recuperar su esencia

LA FAMOSA PORTADA

Alrededor del mediodía del 8 de agosto de 1969, los cuatro Beatles y el fotógrafo Ian McMillan salieron a la calle para realizar la sesión fotográfica que daría como resultado la mítica portada.

La calle Abbey es muy transitada. Para poder contar con el tiempo y tranquilidad necesaria para las tomas, un policía colaboró cerrando la calle por unos 10 minutos.

McMillan se colocó con su cámara a cierta altura de la calle, tomando un ángulo que difícilmente pueda reproducirse sin la ayuda del corte de vehículos. Se tomaron un total de 6 fotos del cruce, una de las cuales fue luego seleccionada por Paul para ser la de la portada.

El RITO-BODRIO

EL RITO (2011)

Uno de esos tristes ejemplos que de vez en cuando ocurren en los que director y estrella de Hollywood se ponen al servicio de la productora, y acaban realizando un producto bien masticadito para el público palomitero pero sin profundidad alguna.

Y es que ver a Hopkins metido en la piel de este cura experto en exorcismos que intenta enseñar a un pupilo agnóstico da hasta un poco de grima. Él, que ha sido uno de los villanos más aterradores de la historia del cine, se ve abocado en un film bastante tibio, sin mucha intriga y menos sustos, donde hasta se tiene que poner al servicio del maquillaje en el tramo final. Aún así, hasta este Hopkins desganado esta muy por encima del resto del elenco. Al fin y al cabo la película está diseñada para su (des)lucimiento

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Rite

AÑO 2011

DURACIÓN 112 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR Mikael Håfström (AKA Mikael Hafström)

GUIÓN Michael Petroni (Novela: Matt Baglio)

MÚSICA Alex Heffes

FOTOGRAFÍA Ben Davis

REPARTO Anthony Hopkins, Alice Braga, Ciaran Hinds, Toby Jones, Colin O'Donoghue, Rutger Hauer

Hordas de fanáticos Animales

"The Complete Animals" (1990)





The Animals, grupo que a mediados de la década de los 60 conseguía una extrema popularidad con "The House Of The Rising Sun",es de las bandas británicas surgidas durante la primera mitad de la década e influenciadas por la música negra norteamericana, junto a los Rolling Stones indispensables y vigentes hoy día.


La génesis se debe buscar en Newcastle. En 1962, el organista Alan Price (que ya había formado The Alan Price Combo) conecta con Burdon, estudiante de fotografía, fanático de los discos de "blues", y poseedor de una fantástica voz para interpretarlos. Ambos reúnen más músicos: el guitarrista Hilton Valentine, el batería John Steel y el bajista Chas Chandler.


Deciden denominarse The Animals debido a la puesta en escena auténticamente salvaje y a la demoníaca manera de interpretar el rhythm and blues. En sucios y vibrantes antros de perdición, como el Downbeat o el Club A Go Go de Newcastle, interpretan, con estilo único, un repertorio completamente negro: Ray Charles, Jimmy Reed, Chuck Berry, John Lee Hooker... El Antiguo Testamento del rock! Mickie Most, aspirante a productor, les propone la grabación de un disco.



A principios del 64 empieza un periodo de esplendor. Efímero, pero brillante, puesto que durante 18 meses Most los graba un puñado de excelentes piezas que se editaron en "singles" o "extended plays" (los ya extinguidos discos pequeños de cuatro canciones). Se trata de composiciones, la mayoría de las cuales son versiones copiadas a los grandes maestros negros. Pero adquieren una forma única al ser interpretadas con la profunda voz de Burdon y abrigadas por los teclados precisos de Price. Una intrépida versión de la pieza tradicional norteamericana "Baby Let Me Take You Home" fue el primer éxito sencillo. Poco después, otra canción folk, "The House Of The Rising Sun", competía en llegar a la cumbre de las listas con los Beatles. En cuestión de semanas, gracias a unos simples pero dramáticos arreglos, "The House Of..." dio la vuelta al mundo.


Hay una serie de intérpretes (la mayoría británicos y de la época 64-67) que desarrollaron su carrera musical en "singles", sin tener en cuenta el concepto y el formado álbum. Ejemplos muy claros de esto podrían ser los tempranos Rolling Stones, Kinks o The Spencer Davis Group... The Animals forma parte de este listado.


Durante el corto periodo de tiempo en qué la banda funcionó, grabaron tres elepés: "The Animals" (1964), "Animal Tracks" (1965) y "Animalism" (1966). Los tres son espléndidos.


"The Complete Animals" (EMI, 1990), doble CD que recoge todas las canciones producidas por Mickie Most, incluyendo material previamente no editado e, incluso, un anuncio para la radio en el cual los miembros de la banda desean muchos años a las hordas de fanáticos animales. En "The Complete Animals" encontramos las 40 piezas que grabaron durante el periodo comprendido entre abril del 64 y octubre del 65; para mi la mejor época. Con simplicidad exquisita, sin edulcoración ni ornamentación, figuran las versiones de piezas de Ray Charles (el gran ídolo de Burdon): "Hallelujah I Love Her So", "I Believe To My Soul" o "Talkin' 'Bout You". Maravillosas lecturas de John Lee Hooker: "Boom Boom", "I'm Mad Again"... Recreaciones de clásicos de Chuck Berry: "Around And Around" o "Memphis Tennessee". Y devora interpretaciones de piezas de Sam Cooke, Fats Domino y Bo Diddley, encontramos las canciones escritas por Burdon y Alan Price: "I'm Crying", "Club-A-GoGo" o la valiosa "For Miss Caulker".

Un recorrido frenético y delicioso con cargo a una de las más estimulantes bandas de rhythm and blues de los años 60.

"vale más una imagen que mil palabras"

BARAKA (1992)

En ocasiones hay películas que al verlas parece como si las imágenes traspasaran la pantalla y te contagiaran de algo especial, como si al acabar te quedaras impregnado de algo invisible….

Imágenes y una inmejorable banda sonora es todo lo que encontraremos en esta película, acaso hace falta más?¿Historia?: Nuestra historia como humanidad.

Baraka es un documento visual sobre la vida en nuestro planeta, intentando reflejar la interacción existente entre el hombre y el mundo que le rodea.

La relación Humanidad-Naturaleza contada desde sus inicios hasta hoy en día, y sin una palabra, sólo imágenes que te sensibilizan y una banda sonora que es un complemento perfecto.

Baraka tiene un claro mensaje de "denuncia" por las consecuencias (ya palpables hoy en día) de este mundo globalizado, muestra al hombre como el ser libre que fue concebido por Dios o la naturaleza (dependiendo de si eres creyente o no), pero también nos muestra al hombre automatizado, casi digitalizado, analógico a una máquina más.

Rodada en 70 mm, tardaron más de 7 años en realizarla, y el esfuerzo les valió la pena puesto que nos legaron una joya.

Aquí es donde se cumple el dicho: "vale más una imagen que mil palabras".

DEBERÍA SER OBLIGATORIO EL QUE LOS NIÑOS LA VIERAN EN LOS COLEGIOS.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Baraka

AÑO 1992

DURACIÓN 94 min

PAÍS EEUU

DIRECTOR Ron Fricke

GUIÓN Ron Fricke, Genevieve Nicholas, Mark Magidsen, Bob Green

MÚSICA Varios

FOTOGRAFÍA Ron Fricke

Hermano Lennon

"The John Lennon Collection" 1982

Soy confeso Beatlemaniaco, no lo voy a negar, y por eso pienso que John fue el alma de los Beatles. Hoy no me voy a meter con Yoko. Sería muy fácil culparla de la ruptura del grupo... Pero desde el sosiego y la tranquilidad, me alegro de que Yoko apareciese en la vida de John. Si Yoko no hubiese influido en la ruptura, ¿cuánto tiempo creéis que los egos hubiesen tardado en romper al grupo?.

Bueno vamos a los que vamos, "The John Lennon Collection", es un recopilatorio publicado en el 82, y esta es mi humilde opinión sobre algunos de los temas que lo forma.

Para abrir boca el CD nos presenta Give Peace a Chance, canción comúnmente atribuida a Lennon-McCartney, pero que el mismo Paul reconoció en los 90 que era puramente made in Lennon. El tema pertenece al ya mítico Plastic Ono Band, publicado antes de la separación de The Beatles. Un tema de fuerte carga pacifista. Fue compuesto en aquella week-in-bed que compartieron Yoko y John en compañía de la prensa, como protesta ante la guerra de Vietnam.

Instant Karma! es el segundo tema del álbum, también conocida como We All Shine On, tema que dio nombre al mítico "The Shining" y que fue un hito de la producción musical, en cuanto a la velocidad en que fe creada, pasaron aproximadamente 10 días desde que se compuso hasta que fue publicada, Lennon solía decir en las entrevistas algo así como, "escrita para desayunar, grabada para comer y la publicamos para cenar".

Tras Happy Xmas, nos encontramos con el himno pacifista IMAGINE, Lenny Kravitz (Beatles fan y músico) dijo una vez: "Imagine es una de las mejores canciones de la historia, un himno religioso en el que deja claro todo aquello en lo que creía (Lennon)" un tema universalmente conocido del que poco puedo decir que no sepáis.

Tras Imagine, reconocemos las primeras notas de la que es una de las mejores canciones de Lennon “Jealous Guy”. Que difíciles son las mujeres...

La undécima es la archiconocida "Stand by me". El tema, de Ben E. King, fue versionado de manera esplendida por Lennon, existen muchas versiones, yo me quedo con esta...

Y después de (Just Like) Starting Over nos encontramos con Woman, una oda a Yoko, como curiosidad, mencionar que en una entrevista para la Rolling Stone, Lennon afirmó que Woman era una versión "crecida" de la mítica Girl del cuarteto de Liverpool. En Dear Yoko, vemos de nuevo, quien ha sido la mayor fuente de inspiración de Lennon en solitario.. y por ultimo Cold Turkey, canción ,llena de fuerza y de estilos musicales que cierra el disco de una manera inmejorable.

Las imágenes de portada y contraportada, fueron tomadas en 8 de diciembre del 80..el mismo día que Lennon fue asesinado en la puerta de su casa...tal vez por esto siempre digo que los 80 es una de las décadas que menos me gusta..tal vez porque no pudieron empezar con peor pie.

¿Poco arriesgado? Sí. Pero funciona.

THE FIGHTER (2010)

No vas a encontrar en "The Fighter" nada que no hayas visto antes Lo sorprendente es que tampoco importa.

El protagonista principal es Mark Wahlberg, que interpreta a Micky. Sin embargo el que borda su papel empequeñeciendo a Wahlberg es Christian Bale, que hace de Dicky. Una actuación portentosa interpretando a un personaje locuaz, ligeramente perturbado por su relación con las drogas. Ya desde el comienzo empieza a hacerse notar frente al habitual inexpresivo Wahlberg, aunque en este caso se aleja de la mediocridad cumpliendo un decente papel.

Creo que es difícil, pero si pudiera resumirse la historia de la película en dos palabras, éstas serían “decepción” y “familia”.

Porque eso de lo que va “The Fighter”, una historia en la que un boxeador llamado Micky Ward (Mark Wahlberg) combate una vez tras otra intentando ganar combates para conseguir dinero y prosperar, junto a su hermano Dicky Eklund (Christian Bale), adicto al crack, que hace las veces de su entrenador. Aparte, la madre y las hermanas de éstos, presionan constantemente a Micky, empujándole a un mundo difícil de abandonar.

La estética visual de la película está bastante conseguida en su objetivo de generar una imagen no tan pulida (se imitan emisiones televisivas deportivas y documentales de HBO, donde evidentemente la calidad y el tratamiento de la imagen es muy distinto al del cine.

El resultado, el esperado. ¿Poco arriesgado? Sí. Pero funciona.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Fighter

AÑO 2010

DURACIÓN 115 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR David O. Russell

GUIÓN Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson (Historia: Paul Tamasy, Eric Johnson, Keith Dorrington)

MÚSICA Michael Brook

FOTOGRAFÍA Hoyte Van Hoytema

REPARTO Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Robert Wahlberg, Jack McGee, Dendrie Taylor, Jenna Lamia, Bianca Hunter, Sue Costello, Salvatore Santone, Erica McDermott, Sean Patrick Doherty