¿Recordáis esa sensación….?

Hoy me vais a disculpar pero no voy hablar de cine. Ayer estuve de concierto y este fin de semana la verdad es que no he tenido tiempo para ver nada.

Así, si os parece os escribo una pequeña crónica de lo que viví la noche del sábado.

¿Recordáis aquel programa que ponían en la 2 que se llamaba “Que Grande es el Cine”? Era un programa dirigido por José Luis Garci, ponían muy buenas películas pero tras ellas, venían unos coloquios súper monótonos y aburridos como plomo derretido y cargados de toneladas y toneladas de pedantería. Bueno, ¡qué me voy por las ramas, además hoy no voy hablar de cine! Simplemente me he acordado de este programa y lo he relacionado con el concierto al que fui el sábado por el título. Lo único que en este caso sería…

“Que Grande es el Rock” y le añadiría “Que Grande es el Rock cuando además conserva su esencia!!


Libertad, rebeldía, diversión…vamos todo eso que por desgracia es difícil encontrarte actualmente en los conciertos a los que acudimos, milimétricamente calculado, organizados y sin una pizca de rebeldía.

Por eso cuando un día descubres un pequeño garito con las dimensiones de un garaje y pasa lo que paso el sábado por la noche….”pufff...” piensas menos mal…¡¡todavía existe!!

Después de esta introducción os relato lo que me paso:

Primero el garito “Rock Palace”, curioso nombre cuando entras por primera vez y lo que te encuentras es un pequeño espacio diáfano con un escenario y una barra con camarero de enormes brazos tatuados incluido. No más grande que el típico taller de “chapa y pintura” de esos que hay en todos los barrios sin más florituras que un graffiti en una de las paredes.

Ni sillones, ni mesitas ni carteles de conciertos ni espejos ni bolas de luces ni toda esa parafernalia que tienen en un montón de salas. La palabra para definirlo sería austeridad.

Pero enseguida te das cuenta que todo tiene sentido y que realmente el nombre del local es de una justicia aplastante, ya que allí a lo que se va es a: escuchar, vivir, disfrutar y gozar con el Rock y para eso, ¡toda parafernalia sobra!.

Segundo. El cartel.


Concierto patrocinado por Dirty Water Record, sello independiente de Londres especializado en Garage, Punk y Rock. Esa noche nos presentan a Hollywood Sinners, Los Chicos, y como estrellas a Muck & The Mires.

Por orden de aparición:

Hollywood Sinners. Cazadoras negras, flequillos tapando los ojos y canciones de no más de 1 minuto y medio estilo 100% de aquellos Ramones del CBGB, la única diferencia de que estos chicos son de Toledo y no del de Ohio, son Bolos!!. Mezclan temas en inglés con español.

¡¡Buen comienzo para calentar motores y unas cuantas birras en el depósito!!


Los Chicos

Tras el torbellino Ramonero de los “Hollywood Sinner Bolos” y una pequeña pausa se suben al escenario 5 tipos con una enorme botella de Patxaran y enseguida piensas aquí se va a liar una buena….

¿Cómo los definiría a Los Chicos?

Pues como una mezcla de los Blues Brothers con Muchachada Nui y el Club de la Comedia.

Rock, R&B, Garage y mucho mucho humor, diversión asegurada. Su cantante hizo de todo: mezclarse entre el público, quitarse las botas, sentarse en el escenario hacer que el público se sentase también y ¡hasta que se tumbara! en una especie de “sesión loca” entre el Cantacuentos (los que tenéis niños pequeños sabéis de que hablo) y una sesión de “spa rockero”.

¡Locura juego y diversión! ¡¡Hasta se atrevió con una versión del Extasy Extano de Chimo Bayo!!

¿De eso se trata no? Es como decía al principio de este post, sentirse libre volver a la niñez a que te de igual todo…esa es la esencia del rock ¿No creéis? ¡Venga! ¡Quitémonos la gafa-pasta de pseudo intelectual modernito e Indie!!

El Rock es volver a ser niños, a jugar sin que te importe lugar, día, hora, la lluvia, el frío o que tu madre te este gritando desde una ventana que tienes que subir hacer los deberes… ¿Lo recordáis?, seguro que si.

La verdad es que hacía tiempo que no me reía tanto viendo un concierto diría más creo que ¡nunca me he reído tanto en un concierto!

Y para terminar las Estrella de la velada Los Muck & The Mires banda de Boston campeones en el potente concurso que organiza uno de los mayores promotores del garage-rock a nivel mundial. Tras perder la final del Cave Stomp neoyorquino se presentaron a la Little Steven’s Battle of Bands organizada en Providence. Resultaron campeones con el consecuente resentimiento de las bandas locales a las que les costó aceptar que el premio fuera a parar a un grupo de Boston.

Liderada por Evan Shore de corazón bipartito (Ramones-Beatles) empezó en este negocio en los 80 en diferente bandas hasta que unió a los Mires

Evan apasionado el garage-rock de los primeros sesenta y la música Merseybeat define así sus gustos musicales:

«Los Ramones y los Beatles son mis dos bandas favoritas de todos los tiempos. Mucha gente mete en el mismo saco a los Ramones y las otras bandas de punk rock, pero los Ramones estuvieron fuertemente influenciados por los primeros Beatles: los cortes de pelo, vestuarios, canciones de dos minutos, armonías vocales y sentido del humor. Incluso tomaron su nombre de ellos… el nombre de escena de McCartney en un principio fue Paul Ramon. Nuestro sonido, obviamente, se inclina más hacia los primeros Beatles, pero tocamos más alto y más rápido, como hacían los Ramones en directo. Un sonido Merseybeat pero con una actitud afiladamente punk.»

¿Suena bien verdad? Pues sí, si sonaban muy pero muy bien hermanos. ¡GRANDES! Los Muck & The Mires, son una especie de máquina del tiempo con toda la frescura que conserva el estilo musical que se inicio en esos primeros 60, y lo más importante que cuando les ves en el escenario se divierten y eso se nota, se transmite y el público también se moja, o más bien se empapa.

En resumen, que me estoy extendiendo.

Que entramos en el garito a eso de las 23’00 y salimos a las 2’00 con una sonrisa de oreja a oreja y con una sensación de haber pasado unas cuantas horas entre amigos jugando. ¿Recordáis esa sensación….?

La alineación de todos los astros de la historia de la música

La verdad es que “no tengo perdón de dios….” como cantaban los Gomaespuma, “300 y pico post” y nada sobre el Monterey International Pop Festival.

Pues como decía el poeta “Nunca es demasiado tarde para ser lo que deberías haber sido”

…HOY TOCA

LIVE IN MONTEREY FESTIVAL POP (1967)

Empecemos haciendo historia…

Fin del curso escolar de 1967 una 'invasión de “Flower Children' como se les llamaba entonces inician una peregrinación a San Francisco para participar en el "circo psicodélico" de Haight-Ashbury la ciudad hierve y esta experiencia hizo cambiar la vida cultural y social del país, desde la música hasta el arte, la moda, las relaciones humanas, la sexualidad, la diversidad racial y étnica o la actitud hacia las drogas cambiaron… En fin podemos considerar ese final de curso de 1967 como el “punto cero” de lo que más adelante se denomino como “Verano del Amor”.

Pues a la sombra de toda esta movida, “el listo” de John Phillips fundador de The Mamas & the Papas que además de buen músico el tío tenía luces, el productor Alan Praiser y el publicista Derek Taylor planearon el Festival.
El 16 de junio de 1967 se celebró el primer día de un total de tres, todos los artistas que participaron lo hicieron de forma gratuita (vamos igual que ahora) excepto a Ravi Shankar que se le pagaron 3.000 $ y asistieron un total de 200.000 personas, los beneficios fueron donados a organizaciones de caridad.


Así lo recuerda Derek: "Me sedujo mucho la idea y nos pusimos manos a la obra. La primera oferta se la hicimos a The Mamas & The Papas, pensando en ellos como cabecera de cartel, ya que era el grupo con mayor garantía de poder de convocatoria de los que aún actuaban en directo. (Los Beatles se habían dejado las giras, Dylan estaba recuperándose de su accidente de moto y los Stones tenían diversos problemas de visados en EEUU por consumo de drogas).
"Cuando John Phillips conoció nuestras intenciones se puso al habla con su productor Lou Adler y en algún momento del camino, ambos se incorporaron como co-productores al proyecto. Dijeron: 'Lo haremos, y lo haremos sin cobrar, y todos los músicos actuarán gratis y los beneficios del festival se destinarán a obras de caridad. Pero a partir de ahora el show es nuestro y llamaremos a los más grandes artistas del mundo y los traeremos en junio a Monterey'. Y así lo hicieron"

El cartel definitivo quedo así:


Viernes, 16 de junio The Association, The Paupers, Lou Rawls, Beverly ,Johnny Rivers, The Animals, Simon and Garfunkel
Sábado, 17 de junio Canned Heat, Big Brother and the Holding Company, Country Joe and the Fish, Al Kooper, The Butterfield Blues Band, The Electric Flag, Quicksilver Messenger Service, Steve Miller Band, Moby Grape, Hugh Masekela, The Byrds, Laura Nyro, Jefferson Airplane, Booker T. & the M.G.s, Otis Redding
Domingo, 18 de junio Ravi Shankar, The Blues Project, Big Brother and the Holding Company, The Group With No Name, Buffalo Springfield, Scott McKenzie The Who, The Jimi Hendrix Experience, Grateful Dead, The Mamas & the Papas.


Cartelón ¿eh? Es el sueño de cualquier amante de la música de esa época, ¡¡qué cojones!! ES EL PARAISO.
Vamos a lo que vamos que es el disco.
Pues para que negarlo una JOYA, del que es muy difícil destacar algo, ya que es un conjunto perfecto, una especie de “alineación de todos los astros de la historia de la música”.
Hombre si tengo que resaltar algo sería por supuesto la actuación de Hendrix, que llego como un autentico desconocido para el público y salio convertido en una leyenda con el famoso sacrificio de su guitarra, esa imagen que ha pasado a la posteridad como uno de los momentos memorables de la historia del rock y tengo un especial cariño a The Animals con un Eric Burdon pletórico marcándose una versión del Paint in Black que pone los “pelos como escarpias” , los Byrds, Buffalo Springfield, Canned Heat, Grateful Dead, Country Joe & The Fish…. (Podría seguir es todo PERFECTO).
La calidad de sonido…, pues claro no es la ideal, los medios de la época se notan, pero ¡da igual!, olvídate de un sonido limpio e híper remasterizado, tiene esa suciedad que le hace todavía más valiosa, para por lo menos los más románticos y los que nos gusta dejarnos llevar por la imaginación.


Por eso desde aquí, os puedo recomendar unos buenos cascos unas cuantas horas de total libertad en las que nadie te moleste, un cargamento de bebida, comida y lo que se tercie….y dejarse llevar, cerrar los ojos y que la música te abrace y te transporte. Os aseguro que tendréis una experiencia que supera los sentidos.

La Mejor Terapia...

Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1974)

 

Con dos duros, con una ida de pinza de guión pero eso si ¡genial!, los Python lían "Una buena", y se descojonan de todo; de los caballeros de la mesa redonda, del rey Arturo, de ellos mismos, de la sociedad, de su país, de su falta de medios... En fin, que no dejan títere con cabeza, ya que todo lo que sucede en esta locura es eso una maravillosa locura.

Con escenas como la batalla contra el caballero negro "¡Heridas más graves he tenido yo!", o la de los conejos digna del Peter Jackson más gore.

A la altura de "La vida de Brian" (mi preferida) o "El sentido de la vida" cuenta también con las típicas animaciones que a mi particularmente me encantan.

Si piensas que el humor de Joaquín Reyes y sus chicos es original creo que no te puedes perder esta película, rapidamente te darás cuenta de que fuentes han bebido los chicos de "Muchachada Nui".

En definitiva, la mejor terapia para esta época que nos toca, es la risa. Por eso mi recomendación es que disfrutéis de esta película ya que provoca tal cantidad de carcajadas que de risa lloras todas las lágrimas que llevas dentro.

P.D: Eso sí, por favor las películas de Monty Python SIEMPRE en versión original.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Monty Python and the Holy Grail

AÑO 1974

DURACIÓN 90 min

PAÍS UK

DIRECTOR Terry Gilliam, Terry Jones

GUIÓN Terry Gilliam, John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, Eric Idle, Terry Jones

MÚSICA Neil Innes

FOTOGRAFÍA Terry Bedford

REPARTO Terry Gilliam, John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, Eric Idle, Carol Cleveland, Connie Booth, Neil Innes Bee Duffell

Os debo una explicación...

Pues efectivamente, como decía el grandísimo Pepe Isbert en la obra maestra de Berlanga "Bienvenido Mr. Marshall"... 
..."Os debo una explicación y esa explicación os la voy a dar".


¡Vamos allá!


Llevo ya unos cuantos años con esto de MundoGarna, empezó como un entretenimiento y al final se ha convertido en una pasión.


Me explico: Lo que he pretendido desde aquí es simplemente una cosa que defino en el título del propio blog... Mis películas, mis canciones, mis discos...en definitiva Mi Mundo.
Durante todos estos años (ya unos cuantos) he ido recopilando esos discos, películas, canciones, anécdotas que me gustan, apasionan, emocionan, entristecen, divierten etc.


¿Las fuentes? ¡Pues de todo! En los 310 artículos hay de todo, alguna sacadas de libros, otras de blogs, prensa, revistas y algunas (seguro que las peores) escritas por el "menda lerenda".
Valee, tenéis razón y ese ha sido mi fallo como es algo público debería siempre haber citado fuentes, he pecado de  novato, inocencia... valee si, y un poco de picardía...Pero siempre desde la buena fé, y con el único fin de compartir con quien quisiera mi pasión, estaaa bien también mola que te digan ¡!Que guay es tu último artículo tío!! sobre todo para tu ego y dejarte llevar por ese diablillo que todos tenemos y no decir: "Lo siento, pero no es mio es de un señor de Calasparra (es la primera localidad que me ha salido) tenéis que reconocer que todos somos humanos y alguna vez pecamos.


Bueno, para terminar...


Por eso desde este foro, me arrodillo ante todos los que os habéis podido sentir engañados, defraudados e incluso enfadados  y cual Scarlett O´Hara en "Lo Que El Viento se Llevo" os digo.....: 


"A Dios pongo por testigo que Nunca volveré a cuando copie un artículo saltarme la fuente.." 


Un beso muy fuerte desde MundoGarna (100% David excepto fragmentos "Bienvenido Mr. Marshall" por Luis García Berlanga y "Lo Que el Viento se LLevo" por Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood)

De "viaje" con Roky

13th Floor Elevators – Bull of The Woods (1968)

Uno de los primeros grupos en transferir los efectos de la droga en sus composiciones musicales, fue esta banda de Texas, 13th Floor Elevators, creada en Austin en 1965. El consumo excesivo de drogas les trajo problemas siendo arrestados en bastantes ocasiones, hartos de tanto acoso se mudaron a San Francisco donde desarrollan prácticamente su carrera musical hasta su desaparición en 1968.

El primer nombre del grupo fue The Lingsmen, una formación integrada por el cantante Max Rainey, el guitarrista Stacey Sutherland, el bajista Benny Thurman y el batería John Ike Walton. A los pocos meses de su creación Rainey abandono la formación, incorporándose dos nuevos elementos que serian clave para el devenir de la banda, Tommy Hall y el que sería su enigmático y lunático líder Rooger Kynard Ericson, más conocido como Roky, siendo rebautizado el grupo como 13th Floor Elevators. Después de grabar varios sencillos publican su primer larga duración en 1966 “ The Psycheelic Souns of 13th Floor Elevator”, todo un disco clave en la historia de la psicodelia, en 1967 graban “Easter Everywhre”, y el que os traigo hoy ya en periodo de desintegración del grupo “Bull of the Woods” (1968), disco en el cual Roky Erickson tan solo canta en tres de las pistas.

La ruptura fue debida a que Roky fue condenado por posesión de drogas y para evadir una larga estancia en la cárcel se declaró mentalmente incapacitado y se le recluyó por tres años en el hospital psiquiátrico.


Cuando salió del centro, Ericson, que nunca se recuperaría del todo de sus problemas mentales, quiso retomar la banda, sin poder conseguirlo, grabando en los años 80 y 90 discos como “Roky Ericson & The Aliens” (1980), “All that may do my rhyme” (1995) y el recopilatorio de temas inéditos “Never say goodbye” (1999) pero con un impacto muy alejado de su influyente legado con los 13th Floor Elevator”.

Sobre la libertad...

"El hombre de Alcatraz" (1962)

Y vendrá luego un canario… y otro... y otro, y su instinto protector se desarrollará a la máxima potencia. Y necesitará aprender a cuidarlos, alimentarlos, curarles las enfermedades…

Es la historia de Robert Stroud un condenado que descubre en un pájaro el concepto de redención. Un relato sobre la libertad aunque para este hombre es la celda el único espacio que posee para alcanzar la libertad. Y del paso del tiempo y de la vejez y de sus efectos temperantes en las pasiones humanas, aun en aquellas que nos parecen un día las más poderosas e inaplacables, como el amor o el odio,

Conmovedora sin necesidad de sensiblerías, emotiva sin caer en lo cursi, cruda y sin concesiones a la hora de enjuiciar las duras condiciones de vida de los reclusos y un obcecado y estúpido sistema penitenciario que niega toda posibilidad de redención a los que llegan a caer en el pozo de la cárcel, pero altamente comprensiva, sin embargo, con algunos de quienes deben participar en él.

Como se dice en la película, la cárcel no devuelve la dignidad a un hombre, solo puede hacerse digno así mismo siendo (y sobre todo sintiéndose) realmente útil a la sociedad.

Razones por las que hay que ver “El hombre de Alcatraz”

Tiene un blanco y negro precioso. Un regalo para la vista.
Burt Lancaster hace un papel exageradamente genial.
Aunque madre no hay mas que una, hay que echar a volar.
Hay gente capaz de ver en el interior de las personas y encontrar en ellas la validez, sin importar su aspecto, su situación, su pasado...

Y Por último:

Que películas como esta, es por lo que uno ama el cine.


Dos horas y media a la que no le sobra ni un minuto.

Que disfrutéis de esta maravillosa película.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Birdman of Alcatraz

AÑO 1962

DURACIÓN 143 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR John Frankenheimer

GUIÓN Guy Trosper

MÚSICA Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA Burnett Guffey (B&W)
REPARTO Burt Lancaster, Karl Malden, Neville Brand, Thelma Ritter, Betty Field, Hugh Marlowe, Edmond O'Brien, Telly Savalas

Manfred Mann - Four Manfred Mann Originals (1964-66)

Uno de los grupos pioneros de la nueva ola R&B que sacudió Londres entre 1962 y 1963 y que barrió el resto del mundo a partir del 64. Peculiares y diferentes a las demás bandas por provenir del mundo del Jazz, los Manfreds supieron reunir purismo y un sentido nato de la comercialidad.
Tachados de intelectuales pedantes y con un cierto complejo de superioridad (Paul Jones no dejaba nunca pasar la oportunidad de recordar que él había ido a la universidad) Manfred Mann fue un grupo fuera de lo corriente, que reunió R&B, Jazz y Pop con la vista puesta siempre en las listas de éxitos. 'Pop Thing' repasa los logros de las dos formaciones clásicas, con y sin Paul Jones.

Manfred Mann, como grupo de tal nombre, no apareció hasta que fueron fichados por 'EMI' en julio de 1963. El mánager del grupo les consiguió una audición gracias a sus contactos con el productor John Burgess y la prueba se pasó con éxito el 26 de julio de 1963. The Mann Hugg Blues Brothers, que así se llamaban al principio, lograron su contrato discográfico, con una condición: que se cambiasen el nombre. Manfred Mann (nacido Manfred Lubowitz) era el teclista y líder del combo y su nombre gustaba tanto a Burgess que éste indicó bien claro que o la banda al completo pasaba a llamarse Manfred Mann o no había contrato. Aunque al propio Manfred no le gustó la imposición, el grupo aceptó y ahí empezó la carrera de los Manfreds como tales, pese a que con el antiguo apelativo ya tenían una horda de seguidores en el circuito R&B de Londres.

Paul Jones (voz y armónica), Manfred Mann (órgano y piano), Mike Hugg (batería y vibráfono), Mike Vickers (guitarra y otros instrumentos diversos) y Dave Richmond (bajista hasta diciembre de 1963, luego sustituido por Tom Mc.Guinness) empezaron su carrera como puristas del R&B.

Los Manfreds eran sin duda uno de los grupos más respetuosos con el legado del blues y el jazz de todos los que surgieron de la moda R&B de finales de 1963. Pero eso duró poco. Sólo un año escaso. En ese tiempo, Manfred Mann fueron un brillantísimo grupo de que publicó cuatro sencillos, tres de ellos con composiciones propias, y un LP ('Five Faces Of Manfred Mann', abril 1964, grabado en sólo 12 horas, más o menos lo mismo que les costó a Los Beatles grabar su primer LP un año antes.

Querido Hrundi V. Bakshi

EL GUATEQUE (1968)

El País en su colección semanal “Gran Cine El País” ayer regalo “El Guateque”. No tengo ni idea las veces que habré visto esta película, la primera vez no pasaría de los 10 años un verano en un cine de esos al aire libre… una de esas películas de la niñez que se quedan agazapadas en la memoria.

¿Cómo hacer reír de una forma tan natural y tan sana y casi sin hablar? Esta película es increíble de principio a fin. Se me hace cortísima cada vez que la veo y me río a cada instante. Contiene escenas antológicas donde el humor fluye de manera natural, nada forzado, en episodios sin igual a los que se llega porque es necesario. Se recurre a gags que no finalizan sino que enlazan con otros ya existentes en ese momento y, de repente, renace el gag anterior. Fue vanguardista en su género en el año 68 e incluso hoy día sorprende por la complejidad de algunas situaciones.

Tiene una magia especial, derivada de una buena realización la interpretación de Peter Sellers, los personajes del camarero borracho o de la estrella del cine western, todos ellos buenísimos. Ha supuesto de base para posteriores comedias.

Aprovechando la “ola de frío siberiano” que nos invade me dispuse hacer una prueba. Volvería a verla pero esta vez con mis hijos de 11, 8 y 4 años. Y observaría….Todo en sí tiene un humor infantil, opta por acercarse a los gags del cine mudo tipo Chaplin, y por eso creo que les iba a gustar….

El argumento es simple, un tema base, como la mayoría de las grandes películas de la historia del cine, sólo que, la sucesión de los acontecimientos convierte la escena en algo delirante y hasta surrealista, llegando al absurdo en muchas situaciones entre el protagonista y el resto de personajes.

Os preguntaréis que paso, bueno voy a ser sincero el de 4 años no pasó de dos minutos por otro lado lógico, el mayor de 11 años tampoco note que le apasionara, la vio completa pero al preguntarle, me contesto que sí, pero con la boca pequeña, estuvo más pendiente de un amigo que tenia que venir a visitarle que de la película. En cambio el de 8 tumbado en el sofá no separo ni un minuto los ojos de la pantalla y con esas carcajadas que sólo un niño puede crear ya que nacen de la más profunda sinceridad, me hizo pensar…. Hoy ha nacido un nuevo fan de Sellers.

FICHA TÉCNICA


TÍTULO ORIGINAL The Party
AÑO 1968
PAÍS EEUU

DIRECTOR Blake Edwards

GUIÓN Blake Edwards, Tom Waldman, Frank Waldman

MÚSICA Henry Mancini
FOTOGRAFÍA Lucien Ballard

REPARTO Peter Sellers, Claudine Longet, Marge Champion, J. Edward McKinley, Fay McKenzie

Cuadros en una exposición

Emerson, Lake & Palmer-Pictures At An Exhibition (1973)



Uno de los discos de rock progresivo más representativos e imprescindibles en cualquier discoteca independientemente que te guste más o menos este estilo musical. Una obra conceptual, y debe ser tomada como un todo. Desde todo el universo musical creado, hasta toda su obra pictórica representada en la portada.


No sé realmente cuál es la relevancia actual de bandas como ELP. Cuentan aún con el respeto del mundo pero ya no son referencia como sí lo son Led Zeppelin, Black Sabbath, King Crimson o Pink Floyd. No obstante, y aunque muchos sigan acusándoles de pretenciosos y efectistas, es imposible olvidar que ELP fueron una de las mejores bandas de su tiempo, una power-trio progresivo que recogió la herencia de las 3 bandas de origen (The Nice, King Crimson, Atomic Rooster) y la sintetizó en un estilo único y sorprendente que resultó altamente influyente y aún más imitado.


Pero lo más resaltante era el altísimo nivel instrumental que los hacía sonar como un grupo más numeroso: Keith Emerson no en vano era conocido como el Jimi Hendrix de los teclados dado su virtuosismo; Greg Lake era un magnífico bajista poseedor además de una hermosa voz y fue de paso casi tan bueno a la guitarra como con el bajo; y Carl Palmer fue uno de los bateristas más versátiles y veloces de la historia.


Después de un demoledor primer y homónimo disco en 1971, Keith Emerson coronó uno de sus más grandes proyectos: la versión contemporánea de la suite sinfónica "Cuadros en una exposición" del compositor Ruso Modest Mussorgsky; si bien esta obra ya formaba parte del repertorio del trío, Keith había esperado con paciencia el poder grabar una versión 100% satisfactoria con miras a su edición, lo que finalmente ocurrió el 26 de Marzo de 1972 en el City Hall de la ciudad de Newcastle. Salvando las lógicas diferencias de estilo y época, la versión de ELP no desvirtúa la obra original, más bien la reinterpreta con gran fidelidad, intercalando los movimientos de aquella con algunos temas propios compuestos especialmente para la ocasión.
Se trata de un clásico de los años 70 y que todo aficionado al Rock debería escuchar al menos una vez en su vida.