‘Celeeeeebritiiiies’

J. Edgar (2011)

Eastwood vuelve a hacer lo que ha hecho mejor siempre: retratar la historia estadounidense. Ha pasado, por la depresión de los años 20 en El Intercambio, los horrores de la segunda gran guerra en Banderas de Nuestros Padres o los escándalos políticos de los 90, en Poder Absoluto. J. Edgar encaja a la perfección dentro de esa radiografía americana.

Hoover se convirtió en lo más cercano a un dictador que han tenido los Estados Unidos. Fundador y director del FBI durante 50 años, introdujo reformas y técnicas de investigación como el sistema de huellas dactilares, su perseverancia, sus grandes dosis de afán de protagonismo, no le pudieron derrocar ninguno de los siete presidentes que sobrevivió ante la presión y terror que ejercía con sus archivos secretos que conseguía a base de escuchas ilegales, de interceptar correos y de cualquier otro método que le pudiese valer para conseguir su fin y que no dudaba en ejercer todo su poder para destruir por completo a todo comunista, pacifista o activista que se cruzase en su camino.

Una parte de la película consigue, como resultado final, humanizar a un personaje frío, distante, con escasas relaciones sociales y personales. Un "villano", en resumidas cuentas. Se centra en su orientación sexual y la relación con su madre, que lo limita y lo reprime. Di Caprio es un gran J. Edgar una actuación madura y formidable. Pero el mayor problema es que una historia tan larga y compleja es muy difícil de tratar, al final todo sabe a poco: el fragmentario tratamiento del caso Lindbergh, el uso de dossiers, el chantaje, las relaciones con los Kennedy, etc. Por no hablar de lo mucho que queda apenas insinuado por falta de tiempo: la mafia, MacCarthy, etc.

En fin, me parece una buena película, bastante completa, pero a la que le falta algo de chispa, algo de fuego y corazón que me enamore tal y como lo hicieran Gran Torino, Million Dollar Baby o Mystic River

Eso sí lo que está claro es que J. Edgar no ganará el Oscar al mejor maquillaje, el personaje de Clyde Tolson a todos los fans de Muchachada Nui seguro que nos vendrá a la mente aquello de ‘Celeeeeebritiiiies’.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL J. Edgar
AÑO 2011
DURACIÓN 136 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Clint Eastwood
GUIÓN Dustin Lance Black
MÚSICA Clint Eastwood
FOTOGRAFÍA Tom Stern
REPARTO Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Judi Dench, Armie Hammer, Ed Westwick, Dermot Mulroney, Lea Thompson, Jeffrey Donovan, Michael Gladis, Stephen Root

Un buen amigo de Keith

GRAM PARSONS “GP” (1973) Y Gravious Angel (1974)

El legado musical de Gram Parson es corto pero intenso, de una magnitud, que el tiempo se ha encargado de revalorizar, paralelo a su culto, que no ha dejado de crecer.

Aunque nacido en Florida los estudios lo llevaron a Massachusets en 1966, él y otros procedentes de la escena de folk de Boston formaron The International Submarine Band, como tantos otros, retomo el camino de vuelta que en aquel tiempo era un lugar de peregrinación: California, algo se estaba cociendo y Parsons no iba a perdérselo, integrándose y contribuyendo a ser unos de los pioneros del country-rock.

En total grabo cinco discos: con The International Submarine Band ”Safe at Home” 1968 con The Byrds, “Sweethart of the Rodeo” 1969 con The Flying Burrito Brothers “The Gilded Palace of Sin” (1969) y “Burrito de Luxe” (1970) y dos en solitarios que son los que os recomiendo esta semana, “GP” (1973) Y y Gravious Angel (1974) este es su último disco y el más logrado de su carrera, en donde se destaca la voz de una jovencísima Emmylou Harris y el siempre tan preciso pedal steel.

Posteriormente en 1976 apareció “Sleepless Night” con temas de desechos y otras rarezas.

En un viaje a Inglaterra hizo amistad con Mick Jagger y sobre todo con Keith Richard a los cuales impregno de su influencias que más tarde se vieron reflejadas en sus discos y esto le regalaron el tema “Wild Horse “ que aparece en “Burrito de Luxe” y que posteriormente los propios Stones incluyeron en su discografía.

Gram Parson murió muy joven, con tan solo 27 años, como tantos de su generación, dejándonos por desgracia sin el talento y obra de lo que nos podía haber dado en una larga vida.

The Artist es....

THE ARTIST (2011)

The Artist

Es un guiño y una sonrisa
Es de un sentimentalismo a ratos apabullante
Es a ratos mágica, a ratos entretenida, pero siempre pura
Es la sonrisa que se me quedaba cuando era pequeño y veía las películas con otros ojos...
Es música, cuando debe estar, y silencios, cuando deben ser
Es un bigotillo bien engomado
Es un lunar postizo pulcramente colocado,
Es un chucho hábilmente amaestrado, unos pasos de baile, y el engaño que sólo puede producir el cine
Es una buena historia, aunque no sea original
Es Hollywoodland
Es ¡BANG!
Es un homenaje presente al cine grande del pasado dejar a una sala abarrotada sin habla (nunca mejor dicho) es todo un mérito
Es decirle al mundo que el cine de hoy no es mejor que el ayer y que el ayer no es mejor que el hoy….

En definitiva, The Artist

Es recordarnos a todos los que amamos el cine la razón de nuestra rendición ante el mismo


La historia de amor que cuenta Hazanavicius no es más que una excusa y metáfora para un cuento sobre la vida y el cine: no podemos olvidar lo pasado porque no encaje en moldes presentes.

Por favor: tenéis que ver de "The Artist".

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Artist
AÑO 2011
DURACIÓN 100 min
PAÍS Francia
DIRECTOR Michel Hazanavicius
GUIÓN Michel Hazanavicius
MÚSICA Ludovic Bource
FOTOGRAFÍA Guillaume Schiffman (B&W)
REPARTO Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Ed Lauter

"Clapton Is God"

Eric Clapton - Eric Clapton (1970

Eric Patrick Clapton nació en Inglaterra el 30 de marzo de 1945. Creció hasta los nueve años, creyendo que sus abuelos eran sus padres, y cuando estos pensaron que Eric tenía la suficiente edad para saber la verdad, le contaron que su "hermana", era en realidad su madre, y que no se lo habían dicho antes, para evitarle sufrir por culpa de su ilegitimidad.

Era un muchacho sosegado y educado, y un estudiante con una clara aptitud para el arte.

Después de oír al "Rey" y a Buddy Holly, Clapton se entusiasmó por la música, y a la edad de 13 años, su abuela le compró su primera guitarra, una Spanish Hoya Acústica de 14 libras. El blues fue el tipo de música que más se adentró en Eric , y así comenzó a escuchar a artistas como Jimmy Reed, Muddy Waters, Big Bill Broonzy, y muchos más.

Cuando contaba ya con 16 años, Eric Clapton fue admitido en el Kingston College Of Art, gracias sobretodo a sus magníficos trabajos de arte. Aunque eligió estudiar diseño de vidrio de colores, no logró acabar la mayoría de los trabajos que le encargaban, ya que dedicaba la mayor parte del tiempo a tocar la guitarra.

Más tarde encontró trabajo en la construcción, y cuando logró ahorrar una buena cantidad de dinero, se compró la que sería su segunda guitarra, una Kay eléctrica de 100 libras, y comenzó a tocar en clubes folk por las noches. De este modo, Eric Clapton se adentró en el mundo de la música.

Aunque su primera banda fue The Roosters, Eric Clapton comenzó a tener éxito cuando se unió a The Yardbirds. Durante su estancia con los Yardbirds le apodaron "Slowhand", mote con el que todavía hoy es conocido. Después de seis meses, desilusionado con la nueva dirección musical de la banda que había abandonado el blues, Clapton abandonó, justo cuando lograron su primer gran éxito en las listas británicas. Semanas más tarde, fue invitado a unirse al grupo John Mayall's Bluesbreakers. Durante su estancia con John Mayall, Clapton se hizo definitivamente un nombre tanto para él como para el grupo en su conjunto, es durante este periodo cuando aparecen las famosas pintadas en Londres "Clapton Is God". El álbum John Mayall's Bluesbreakers With Eric Clapton muestra por primera vez el talento único de Clapton.

En 1966, deja el grupo de Mayall y se une a Jack Bruce y Ginger Baker para formar el primer supergrupo de la historia del Rock, Cream. Después de tres años de grabaciones sucesivas y conciertos multitudinarios sobre todo en Estados Unidos el grupo se separa en 1968 tras fuertes discusiones entre Jack Bruce y Ginger Baker.

En 1969 forma un nuevo grupo llamado Blind Faith con la presencia de Steve Winwood. Un álbum con las maravillosas “Can’t Find My Way Home” y “Presence Of The Lord” y una gira americana fue el bagaje musical de este gran grupo que tan solo duró un año. Ese mismo año Eric Clapton fue invitado por John Lennon para tocar en varios conciertos con él y para grabar el single "Cold Turkey." A finales de 1969 y principios de 1970 Clapton tocó en la banda de Delaney and Bonnie.

Con la ayuda de los miembros de esta banda Clapton grabó su primer álbum del que os hablo hoy en solitario en 1970, titulado Eric Clapton y que contiene temas clásicos del repertorio de Clapton como “Let It Rain”, “Blues Power” o “After Midnight”. La mayoría de los temas están firmados por Bramlett-Calpton.

Más tarde con los mismos musicos que acompañaban a Delaney&Bonnie, Clapton formaría Derek & the Dominos, con Duane Allman y otros. Tras todo esto vino su larga lucha con la adicción a la heroína, que le había llevado a vender parte de su colección de guitarras para comprar la droga. Casi al borde de la muerte, sus amigos, como Pete Townshend, de los Who, organizan un concierto en su ayuda “Eric Clapton at the raibow”. Clapton iría a la clínica “Harley Street” para su desintoxicación. Y años después él fundaría un centro para ayuda a los drogodependientes al que llamó Crossroads.

TIENE QUE VERSE

¿Vencedores o vencidos? (El juicio de Nuremberg) 1961


Vencedores o vencidos ( El juicio de Nuremberg )de Stanley Kramer ¡¡que increíble película!!.

Una película sobre el hombre y sobre el colectivo. Tiene todos los componentes para hacernos entender los comportamientos humano y el comportamiento colectivo.

Objetiva porque aquí no está claramente delimitada la frontera entre “buenos y malos”. Hay norteamericanos que creen firmemente que la justicia está por encima de todo mientras que otros quieren pasar página cuanto antes, e incluso son capaces de comprender de alguna forma a los acusados. Y también hay tanto alemanes arrepentidos como otros fanáticos que no dudarían en volverlo a hacer.

La más grande tragedia de la historia a juicio, con honestidad, inteligencia y veracidad.

Un reparto dificílmente superable con unos actores muy apropiados para sus personajes:

-Spencer Tracy: Un juez a punto de jubilarse que se encarga del proceso porque nadie se atreve a hacerlo y que a medida que avanza se involucra cada vez más y se vuelve más crítico.

-Burt Lancaster: flipo con la actuación de Burt Lancaster. De su actitud taciturna durante dos horas largas a su pronunciamiento final, ocurren un montón de cosas y se sucede un juicio intenso y brillante. La sentencia o lo que Burt Lancaster reclama para sí, en un minuto, hace de ese minuto la joya de la corona en esta película.

-Richard Widmark: Como fiscal hostigador, asqueado de los crímenes de los que fue testigo directo.

-M. Schell: El abogado del diablo, a ratos orgulloso y a ratos avergonzado.-Marlene Dietrich: Una mujer resentida, viuda de un Nazi y que trata de influir sobre la opinión de Tracy.

-M. Clift: Una aparición fugaz como hombre torturado, pero tan impresionante que será de las que más se recuerden de su filmografía.

Un guión lleno de frases memorables y una inyección de moralidad que debería ser de visión obligada en todos los colegios, la justicia debe prevalecer y no basta con no quererse quitar la venda de los ojos.

Se resume así: TIENE QUE VERSE.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Judgment at Nuremberg
AÑO 1961
DURACIÓN 186 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Stanley Kramer
GUIÓN Abby Mann (Teatro: Abby Mann)
MÚSICA Ernest Gold
FOTOGRAFÍA Ernest Laszlo (B&W)
REPARTO Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark, Marlene Dietrich, Maximilian Schell, Judy Garland, Montgomery Clift, Edward Binns, Werner Klemperer, Torben Meyer, Martin Brandt, William Shatner, Kenneth MacKenna, Alan Baxter, Ray Teal

Hey Ho Let's Go

Ramones - Anthology Hey Ho Let's Go

Uno de los nombres esenciales de la música de los 70, impulsores del punk y animadores fundamentales del rock avivando la substancia del rock'n'roll más tradicional con una potente amalgama de sonidos pop, surf, bubblegum y rock recreados por tres acordes y pegadizas melodías de cortísima duración, los Ramones se convirtieron en uno de los grupos más influyentes de todos los tiempos.

Surgidos en 1974 en el barrio de Queens de la ciudad de Nueva York, los Ramones nunca quisieron convertirse en uno de esos grupos llenos de trascendencia que se creen que han inventado la música.

La pedantería no iba con ellos. Simplemente deseaban recuperar los universos sonoros que siempre les habían gustado de los 50 y 60 introduciéndoles más fiereza de lo acostumbrado, eso no era óbice para que sus estupendas composiciones llenas de ritmo frenético y absorbentes estribillos con letras frescas, divertidas e intrascendentes contuvieran una elevada calidad.

Su influencia fue tan grande, que sin los Ramones no hubiera existido el punk británico, y por extensión ni los Clash ni los Sex Pistols ni los miles de imitadores que surgieron en las posteriores décadas.

El nombre de los Ramones proviene de una sugerencia de Dee Dee Ramone, gran fan de los Beatles y especialmente de Paul McCartney, quien algunas veces firmaba en los hoteles con el seudónimo de Paul Ramone y la vestimenta "oficial", a indicación de Johnny sería al estilo rockero de los 50 con cazadoras de cuero y andrajosos pantalones vaqueros, preferentemente de color azul.

Los primeros Ramones fueron el guitarrista Johnny Ramone, de nombre real John Cummings (nacido el 8 de octubre de 1951); el bajista Dee Dee Ramone, cuyo nombre verdadero era Douglas Colvin (nacido en Canadá el 18 de septiembre de 1952) y el batería y cantante Joey Ramone, nacido Jeffrey Hyman el 19 de mayo de 1952.

Su mánager era Tom Erdelyi, llamado Tommy Ramone, que en breve tiempo ocupó el puesto de batería, pasando Joey a actuar simplemente como vocalista. El local donde solían actuar era el mítico CBGB's, un lugar en donde compartían cartel con Patti Smith, Talking Heads o Blondie y donde se establecerían como auténticos ídolos. Sus fulgurantes y vibrantes conciertos se convirtieron en una cita ineludible para la juventud neoyorquina.

La creciente fama les proporcionó la posibilidad de grabar bajo el sello Sire su primer disco titulado "Ramones" (1976), un Lp clave que contenía todo el característico sonido del cuarteto de Queens que rara vez variarían a lo largo de su carrera. Temas como "Blitzkrieg Bop" o "Judy is a punk" lo ejemplifican a la perfección.

La publicación del disco les permitió viajar a Gran Bretaña a girar de promoción. Sus conciertos en verano de ese mismo año provocarían el nacimiento del punk en el Reino Unido con grupos como The Clash, The Damned o Sex Pistols.

Tras sus exitosos conciertos, en diciembre de 1976 los Ramones volverían a la carga en estudio con el también imprescindible "The Ramones Leave Home" (1977), que consiguió buenas ventas en las tiendas británicas gracias a temas como "Gimme Gimme Shock Treatment", "Pinhead" o "Suzy is a headbanger".

En 1977 publicarían "Rocket To Russia" (1977), uno de sus mejores discos, de una variedad mayor en sus texturas sónicas sin perder su personalidad musical. Este trabajo contenía canciones como "Sheena is a punk rocker", "Rockaway beach", "I don't care" o "Teenage Lobotomy".

El siguiente Lp de los Ramones sería "Road to ruin" (1978), un disco que ya no contaba con la presencia como músico de Tommy Ramone, que había abandonado el grupo para ocuparse en tareas de producción, trabajando no sólo para los Ramones, sino también para gente como The Replacements o The Rattlers. Su sustituto fue Marky Ramone, anteriormente conocido como Marc Bell, un ex componente de Voivod, el grupo de Richard Hell. El disco fue otro estupendo álbum ramoniano con canciones imprescindibles del grupo como "I wanna be sedated".

Después de aparecer en la película "Rock'n' roll high school" pudieron hacer realidad un sueño: trabajar con el mítico productor Phil Spector en su siguiente álbum que llevaría el título de "End of the century" (1980) -antes habían editado en Gran Bretaña el directo "It's alive" (1979).

Las tensiones entre el autoritario Spector y el cuarteto iban in crescendo e incluso el famoso productor amenazó con una pistola a Dee Dee cuando éste no quiso seguir tocando en la grabación debido al cansancio que le producía repetir una y otra vez los temas.

Muchas tomas se necesitaron para redondear el disco, que resultó ser un estupendo trabajo (el más comercial de su carrera) que contenía la canción homónima del film que ellos protagonizaron, otros buenos temas como "I'm affected", "Chinese Rock", "Do you remember rock'n'roll radio?" o la versión de una canción de las Ronettes titulada "Baby I love you" que les llevó a entrar entre los sencillos más vendidos en el mercado americano.Tras las reyertas con el problemático Spector y a pesar de haber realizado su disco de mayor impacto comercial, los Ramones decidieron dejar tranquilo al creador del "muro de sonido" y colaborar en su siguiente álbum con otro nombre importante del pop de los 60, el compositor y productor Graham Gouldman, miembro de 10c.c. que había escrito temas de éxito para grupos como The Hollies, Yardbirds, Wayne Fontana & The Mindbenders o los Herman's Hermits.

El resultado fue "Pleasant Dreams" (1982), su trabajo peor recibido hasta el momento por la crítica de la época que resultó un fracaso también en el aspecto comercial a pesar de resultar ser otro gran Lp de punk-pop con las constantes básicas del grupo neoyorquino.

En 1983 presentaron "Subterranean Jungle" (1983), otro disco errático producido por Glen Koltkin y Ritchie Cordell que supuso la marcha del batería Marky Ramone, quien sería sustituído por Richie Ramone (nombre real Richard Beau). Parecía que los Ramones habían perdido la inspiración que demostraban sus tres primeros excelentes discos aunque sus directos continuaban siendo multitudinarios. Su antiguo compañero Tommy Ramone, protagonista en las baquetas de aquellos trabajos, les produjo su siguiente disco en estudio titulado "Too tought to die" (1984), que supuso en ciertos aspectos la resurrección de la banda al completar un notable álbum. Resultó un espejismo, ya que a partir de aquí, la banda de Nueva York fue cayendo en picado con discos como "Animal Boy" (1986), producido por Jean Beauvoir, "Halfway to sanity" (1987) o "Brain Drain" (1989) , que contaba con el regreso de Marky Ramone.

En los años 90 Dee Dee Ramone abandonó el grupo tras "Brain Drain" para comenzar una fallida carrera como rapero y fue reemplazado por Christopher John Ward, rebautizado C. J. Ramone.Discos en directo y otros en estudio como "Mondo Bizarro" (1992), "Acid Eaters" (1994), un Lp lleno de versiones de gente como Love, Troggs, Jan & Dean, Creedence Clearwater Revival, Rolling Stones, Bob Dylan, The Seeds o The Who, y su último trabajo, "Adios Amigos" (1995), que fue acompañado por una gira de despedida, fueron los últimos coletazos de una banda legendaria que se separaría en 1996.

Su cantante, Joey Ramone fallecería el 15 de abril del año 2001 víctima de un cáncer linfático, el bajista Dee Dee Ramone haría lo propio en junio del año 2002 a causa de una sobredosis, y Johnny moriría en el 2004 a causa de un cáncer de próstata.

Unknow más bien debería llamarse Know

SIN IDENTIDAD (2011)

En la órbita hitchcockiana aunque con parecidos razonables con “Frenético” de Polanski se instauran en las retinas. Nada es lo que parece y a “Unknown” se la ven las plumas.
“Sin identidad”, es como su propio nombre indica una película sin identidad. Parece saber a qué jugar pero sus cartas están tan marcadas que en la primera mano todo huele a tongo y a timo mayor.

Berlín es una ciudad extraña, entre gris y azulada. Allí se desarrolla esta trama que amaga con el intimismo, persecuciones, se regodea con confabulaciones, complots, conjuras y paranoia…
Sin identidad es un caos organizado, en apariencia, que anticipa sus cartas: sabemos a partir de ese inicio que todo irá al traste, que todo se decantará por el desparramo de datos.
Lo mejor sin duda el reparto, en especial Bruno Ganz y Sebastian Koch que dotan de credibilidad a unos personajes de puro adorno y hablando de puro adorno lo de Diane Kruger el florerismo más absoluto

En síntesis, Unknow mas bien debería llamarse Know, porque ya todo lo hemos visto antes y varias veces.

FICHA TÉCNICA


TÍTULO ORIGINAL Unknown
AÑO 2011
DURACIÓN 113 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Jaume Collet-Serra
GUIÓN Oliver Butcher, Stephen Cornwell (Novela: Didier Van Cauwelaert)
MÚSICA John Ottman, Alexander Rudd
FOTOGRAFÍA Flavio Martínez Labiano
REPARTO Liam Neeson, January Jones, Diane Kruger, Aidan Quinn, Frank Langella, Bruno Ganz, Sebastian Koch, Karl Markovics, Eva Löbau, Mido Hamada, Olivier Schneider, Stipe Erceg, Michael Baral

Muchas gracias, Mr. Scrooge

Muchas gracias, Mr. Scrooge (1970)



A finales de los años 70 y principios de los 80, no había una navidad en la que no repusiesen este auténtico CLÁSICO, la ponían tantas veces como "Que bello es vivir". Pero ha desaparecido incomprensiblemente, de nuestras pantallas (y de nuestras vidas), me da que la razón tiene que ver con que es un musical y es una pena.

Quizás sea esta hasta la fecha la mejor adaptación del famoso relato "Canción de Navidad" de Charles Dickens .
Albert Finney está soberbio. El actor londinense, nominado hasta cinco veces a los Oscar sin conseguir el premio, realiza un pausado cambio de registro con una facilidad asombrosa y con un lenguaje corporal en el que hasta el detalle más pequeño está cuidadosa

La película deja con un muy buen sabor de boca, se asiste con alborozo a lo que le ocurre al protagonista y la última parte es una explosión de la más absoluta alegría. Una película que sin ser una obra maestra, en mi opinión se deja ver con absoluto placer, es inofensiva y sienta la mar de bien.

Y en estos tiempos que nos han tocado, la peli insufla unas cantidades ingentes de esperanza y alegría, tanta como para salvar a alguien tan deleznable como Mr. Scrooge, y nos enseña a vivir un poco mejor; a olvidarnos del dinero y del trabajo (el que lo tiene claro).

Resumiendo, que es gerundio: Muchas gracias, Mr. Scrooge es una de las películas navideñas más recomendables. Es divertida, directa, sencilla y apta para todos los públicos, que es más de lo que pueden ofrecer la mayoría de películas de ese estilo, que se pierden muchas veces en sentimentalismo barato y olvidan su auténtico cometido.


FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Scrooge
AÑO 1970
DURACIÓN 118 min
PAÍS UK
DIRECTOR Ronald Neame
GUIÓN Leslie Bricusse (Cuento: Charles Dickens)
MÚSICA Leslie Bricusse
FOTOGRAFÍA Oswald Morris
REPARTO Albert Finney, Alec Guinness, Edith Evans, Kenneth More, Michael Medwin, Laurence Naismith, David Collings, Anton Rodgers, Suzanne Neve

Feliz 2012

The Guess Who-American Woman (1970)

"American woman gonna mess your mind

American woman, she gonna mess your mind

American woman gonna mess your mind

American woman gonna mess your mind"

Quien no ha cantado alguna vez eso...

Disco llamados de los clásicos del rock de todos los tiempos, de un grupo que alcanzaron los nº1 después de muchos discos, sobre todo en USA con una canción antiamericana, que cosas tiene la vida.

En 1964, The Guess Who le demostró a la juventud del Canadá que sus grupos podían tener canciones exitosas, no solo en su país, también en todo el mundo. En aquel momento pensar que en medio de la invasión británica "Shakin' All Over" pudiera igualar a los Beatles o a la respuesta norteamericana vestidos de Beach Boys era inconcebible. La banda se convirtió en un ejemplo para otros músicos de su natal Winnipeg para que dejaran de pensar en que la buena música tenía que ser inglesa o estadounidense.

Las cosas no fueron fáciles para la banda. Siempre había obstáculos que vencer, siempre había que derribar prejuicios.

La banda que alcanzó una fama modesta en los Estados Unidos, salió de Winnipeg en Canadá liderada por el cantante y guitarrista Chad Allan (Allan Kobel) y el guitarrista Randy Bachman quienes tenían un grupo llamado "Chad Allan And The Expressions".En 1965 el grupo grabó un cover de "Shakin' All Over" original de Johnny Kidd And The Pirates y llegó a entrar al top 40 de Estados Unidos. Eventualmente, el grupo grabó un álbum bajo el mismo nombre, en el que la compañía puso en la funda el nombre "Guess Who?" (Adiviná quién), como un intento de engañar a los consumidores para que compraran el disco pensando que se trataba de un trabajo sorpresa de alguna estrella británica.

Para este momento el teclado del grupo, Ashley, había dejado la formación y fue sustituido por Burton Cummings, que en 1968 se convertiría en la voz del grupo cuando Allan lo dejó.Después de una decepcionante gira por Inglaterra, los Guess Who volvieron a casa a grabar en vivo y aparecieron en el programa de televisión de Allan llamado "Let's Go".

El reinicio de la banda en 1968 de la mano del productor Jack Richardson implicó no sólo que The Guess Who fuera considerada la banda líder en la industria canadiense, sino que era la industria canadiense!!. Formo parte del desarrollo del rock en los años 60 y 70, pero no sólo como seguidores, sino como hábiles experimentadores. Pero en esta fase, también tomaron el camino difícil: problemas con las drogas y la bebida, conversiones religiosas, conflictos de personalidad, problemas de dinero y retos que Cummings y Peterson debieron enfrentar hasta vencerlos todos.

Durante años The Guess Who buscó ufanamente una voz que los identificara y les diera identidad, sin embargo buscaron en los lugares equivocados. La voz estaba dentro del grupo, la voz de Cummings sumada a la incorporación de ritmos contemporáneos y el uso de la guitarra le dieron ese sello que los hizo diferentes.

No fue sino hasta 1969 que lograron pegar duro en Estados Unidos con el Top 10 que logró "These Eyes". Esa canción fue grabada en setiembre de 1968 en el estudio A2 de A&R estudios en Nueva York. Phil Ramone uno de los dueños del estudio les ofreció no cobrarles un centavo si de la sesión no salía nada productivo.

Obviamente la banda pagó... y bastante porque tardaron una semana en lograr el producto. Lo curioso en torno a esta canción era que los miembros de la banda no la querían lanzar como sencillo, se necesitó de horas de discusión y del convencimiento de un miembro de la discográfica para que saliera a la calle.En 1970 lanzaron "American Woman", una canción abiertamente anti americana y que, irónicamente, fue su gran éxito en ese país. Este fue el gran éxito en la carrera del grupo.

Un disco número uno, un álbum de oro, un nuevo estudio que asignó RCA en Chicago y un nuevo integrante que fue Brian Christian que se convirtió en el ingeniero de grabación..........