Voces en el desierto

TAMBIÉN LA LLUVIA (2010)

Habría sido genial que la industria de Hollywood premiase una película que ataca algunos de los fundamentos del sistema: imperialismo, colonialismo y el hambre infinita de las multinacionales…

La directora madrileña abandona en esta ocasión la cotidianidad y las historias mínimas (aunque universales) para rodar en amplios espacios eso sí, sin olvidar, sus orígenes: sigue persiguiendo la búsqueda de la dignidad y apostando por la justicia social.

Quinientos años después, Cristobal Colón (Karra Elejalde) retorna a Sudamérica formando parte de una compañía de actores que, aprovechando los bajos costes de producción y la facilidad para rodar en selvas y con indígenas, constatan que no han cambiado demasiado las cosas al menos para los antiguos pobladores: la explotación y la rapiña siguen estando presente en las intenciones de quienes desembarcan en la zona. Ahora, que ya no tienen oro, una empresa estadounidense quiere privatizarles el agua.

La galería de personajes abarca todo el abanico posible, y las diferentes ópticas desde las que se afrontan los conflictos, pasados y presentes, dan una visión amplia y compleja de los hechos. En ese sentido la lucidez del personaje que interpreta Karra Elejalde es bastante significativa.
La directora Icíar Bollaín consigue trasladar la historia a la pantalla con una fluidez notable, haciendo que pasado y presente vayan de la mano ofreciendo un mensaje común. Y aunque pueda parecer que estamos ante una película densa o pesada, nada más lejos de la realidad. Todo en También la lluvia trasmite una ligereza muy de agradecer.

No ganamos el Oscar, pero nos hemos dado este año el gustazo de haber llevado el dedo a donde hay más llagas que sangrar.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL También la lluvia
AÑO 2010
DURACIÓN 104 min.
PAÍS España
DIRECTOR Icíar Bollaín
GUIÓN Paul Laverty
MÚSICA Alberto Iglesias
FOTOGRAFÍA Alex Catalán
REPARTO Luis Tosar, Gael García Bernal, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri, Raúl Arévalo, Cassandra Ciangherotti, Carlos Santos, Dani Currás, Vicente Romero

"Tienen que querernos" Ray Davies, 1969

The Kinks - Arthur Or The Decline And Fall Of The British Empire (1969)

Mucho más cercano al clásico “álbum conceptual” que Village Green -del que surgen algunos de sus temas-, podría decirse, con razón, que la “ópera” de Ray Davies Arthur es un álbum mejor tanto por la calidad de las composiciones como por su interpretación. Posiblemente sea como comparar un diamante con otro, y Arthur tiene tantos momentos brillantes que parece un tanto absurdo discutir sobre sus fallos (para algunos la sátira simplista “She bought a Hat Like Princess Marina” a pesar de que los fans más acérrimos la consideran ¡la mejor canción del álbum!.

Arthur es la banda sonora de un proyecto fallido de Granada TV para el que Davies trabajo con el dramaturgo y guionista Julian Mitchell. También es algo así como la banda sonora de los últimos días del imperio británico y su gente. Arthur es un inglés como otro cualquier del siglo XX, partícipe de guerras horripilantes y que contribuye a la gloriosa muerte de Inglaterra con un hermano y un hijo. Ahora está a punto de perder a otro hijo, Derek, en el programa de inmigración de la posguerra a Australia. ¿Es feliz? A veces, los Kinks creen que lo es: tiene una casa, Shangri-La, y disfruta de una vida bastante confortable. A veces creen que es un autómata sin posible salvación.

Divertido, conciso y capaz de contagiar, Davies hace uso de su particular estilo hall-calypso para crear un poderoso efecto. Los mejores temas son, con toda probabilidad, el amargo y potente “Victoria” versionado por The Fall en los 80 y el presuntuoso “Shangri-La” versionado por Versus en el nuevo milenio, así como el cómico y vigoroso “Australia” y el sensacional “Drivin”; ambos merecerían nuevas versiones si todavía no se han hecho. Un clásico de principio a fin.

Películas de gente andando

CAMINO A LA LIBERTAD (2010)


Recuerdo la definición que hacia un personaje de Clerks II de la película "El Señor de los Anillos" decía: " Películas de gente andando, ¡si hasta los arboles andan en esa película!.", pues estoy seguro que no habían visto Camino a la Libertad, bueno tenían la suerte que todavía no existía....

El principio promete, la parte en la que están confinados en el Gulag. Pero es echar a andar y la cosa va decayendo. Cada vez más. Y más.

Y al final, toda la trama se reduce a seguir caminando. Nada más. Ni rastro de tensión. Son un grupo de fugitivos demacrados que ni huyen de nadie, ni se pelean entre ellos, ni discuten por quién es el jefe, ni se traicionan, ni compiten por la chica, ni nada de nada.

Sólo andan. Tiritan. Beben agua de un trapo. A veces se cuentan sus penas. Andan. O van cayendo como moscas. Plof. Y los que no, siguen andando. Y venga a andar.

Pues macho, así ya me dirás tú cómo narices mantienes despierto al espectador. Supervivencia fílmica en toda regla, oiga. Porque por muy sobrecogedores que sean los paisajes, por mucha crudeza que transmita el viento helado siberiano, si no hay tensión, si no hay nada que te mantenga en vilo, la historia no te engancha. Y si la cosa llega al punto en el que los sabañones se convierten en el mayor enemigo del grupo, ya me dirá usted.

Extenuado que te quedas, te recomiendo que la veas con un par de cafés en el cuerpo, advertido estas.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Way Back
AÑO 2010
DURACIÓN 130 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR Peter Weir
GUIÓN Peter Weir, Keith R. Clarke (Libro: Slavomir Rawicz)
MÚSICA Burkhard von Dallwiz
FOTOGRAFÍA Russell Boyd
REPARTO Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan, Dragos Bucur, Gustaf Skarsgård, Alexandru Potocean, Mark Strong, Sebastian Urzendowsky

Psicodélia made in Pink Floyd

PINK FLOYD - MORE FURIOUS MADNESS FROM THE MASSED GADGETS OF AUXIMENES (1969)

Estamos en el año 1969 en plena era psicodélica, Pink Floyd decidieron hacer un show en vivo llamado More Furious Madness From The Massed Gadgets Of Auximenes.

En él, el cuarteto improvisaba temas de sus primeros álbumes, The Piper at the Gates of Dawn, Saucerful of Secrets y More además de avanzar algunas canciones que después formarían parte del disco Ummagumma.

Dado el carácter innovador de Pink Floyd, el show no solo consistía en tocar música, era todo un espectáculo de luz y sonido con performances por en medio, por ejemplo, construían una mesa con sierras y martillos y luego se tomaban el té en ella.

El concierto del 17 de septiembre en el Concertgebouw de Ámsterdam es el más pirateado de la gira, ya que fue transmitido por la emisora de radio VPRO. Los planes para un lanzamiento del álbum oficial en vivo con el nombre de The Man and the Journey fueron considerados, pero se abandonó debido al lanzamiento inminente de Ummagumma.

La Pobreza Humana

Pa negre (Pan negro) (2010)

Una buena película, es aquella que tiene dos características: que te abduce mientras que la estás viendo y que te sugiere muchas cosas cuando ya la has visto.

Villaronga, bastante desconocido para mí, nos entrega una película adaptación de una obra de Emili Teixidor, para construir una historia de durísimos cimientos. Donde la servidumbre y la pobreza humanas se entrelazan sobre el despertar al mundo adulto de un muchacho que descubrirá las bajezas y villanías del ser humano.

“Pa Negre”, es una historia sobre la posguerra fraticida que ojala, no tengamos que vivir nunca más, Villaronga le impone un ritmo y tono absolutamente clásico, y a la vez moderno a esta historia de traiciones y villanías humanas.

Son los niños, su mirada se va reforzando con lo que aprenden, y lo que observan. No sería lo mismo contada desde otro lugar, con otro enfoque. Tal vez la ternura en un clima tan tenso la aportan ellos, el único escape que hace soportable la opresión a la que les someten quienes mandan.

Es una película, sobre unos personajes heridos sin remedio y con un soberbio mensaje final: sus errores les perseguirán toda la vida y nunca lograrán deshacerse de ellos salvo que renieguen de sí mismos, ó de aquellos seres que tanto habían amado.

La crueldad de un mundo polarizado entre buenos y malos.

Un mundo donde el pan blanco, el bueno, tiene unos dueños determinados (los vencedores), y el pan negro, el del pobre, es el único que está al alcance de la mayoría (los perdedores).

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Pa negre
AÑO 2010
DURACIÓN 108 min.
PAÍS España
DIRECTOR Agustí Villaronga
GUIÓN Agustí Villaronga (Novela: Emili Teixidor)
MÚSICA José Manuel Pagán
FOTOGRAFÍA Antonio Riestra
REPARTO Francesc Colomer, Nora Navas, Roger Casamajor, Marina Comas, Laia Marull, Eduard Fernández, Sergi López, Lluïsa Castell, Mercè Arànega, Marina Gatell, Elisa Crehuet, Joan Carles Suau, Jordi Pla, Pep Tosar

"Nos pusimos manos a la obra...." Jimmy Page

LED ZEPPELIN- LED ZEPPELIN I (1969)

Incluso al principio de su carrera, el estilo del grupo de heavy, blues y folk rock más famoso e influyente fue único e identificable. Tras adoptar el temible estilo de riffs de pioneros como Cream y ponerlo al día para convertirlo en una nueva e inspiradora rama del rock, Led Zeppelin amplió las fronteras de la música en su álbum de debut, al tiempo que rendía homenaje a los grandes que les habían inspirado desde el folk, el blues y el R&B.

En tanto la ingeniosa guitarra de Jimmy Pages, cuando versionea los temas de Willie Dixon "You Shook Me" y "I Can't Quit You Baby", documenta el sólido dominio del rock que subyace en las raices de la banda, el futuro del rock de los 70 ya estaba trazado en canciones inmensas como "Dazed and Confused" (atención al bajo descendente) y "Communication Breakdown" (escuchad con atención el limpio riff, casi en la linea de Pete Townshend). El sonido extraordinario del bajo de John Paul Jones en temas míticos como "Good Times, Bad Times" solo fue igualado por John Entwistle y tal vez por Roger Glover, mientras el ahora legendario John "Bonzo" Bonham (cuyo famoso estilo de tocar, "disciplinado pero suelto", convirtió las grandes canciones de Zep en algo más grande todavía) destacaba por derecho propio.

Led Zeppelin era algo más que la suma de sus componentes. Las letras caprichosas, con frecuencia ingenuas, pero no obstante idolatradas, y el estilo vocal definidor de un género de Robert Plant quizá fueron mejor utilizados en discos posteriores del grupo, y en 1969 los músicos aun tenían que alcanzar la madurez, pero el hito definido por este álbum dinámico y perfecto en todos sus apartados lo convierte en un objeto de merecida devoción.