The smoke

THE SMOKE


Probablemente por causa de los hábitos humeantes de la juventud del momento, había varios grupos llamados The Smoke en el mundo a finales de los 60. Los caballeros del psyco pop del Reino Unido, una oscura banda en Auckland, Nueva Zelanda, y al menos tres en E.E.U.U.: unos de Michigan con un solitario single; otros, moteros de Hoston, Texas, con dos LPs en su haber. Y los que aquí nos ocupan, invento californiano de un personaje de larga carrera de fondo llamado Michael Lloyd.

Michael Lloyd lider de The Smoke, comenzó a los 12 años a tocar en bandas. Su primera conexión fue con el Surf tocando versiones de The Ventures en pequeños locales, junto a Jimmy Greenspoon y compañeros de colegio.


La obsesion musical de LLoyd le lleva a dejar en otoño del 64 la Beverly High School para asistir a la escuela profesional de Hollywood.

Inspirados por Jeff Bech y The Yardbirds, comienzan a grabar canciones en su propia habitación. En una fiesta un joven llamado Bob Markley se ofrece a financiarles grabaciones en estudio de dos pistas a cambio de de dejarle unirse a la banda como pandereta, porque le ayudaría a atraer a las chicas.


Estas grabaciones rudimentarias, en su mayor parte versiones, fuerón lanzadas localmente en un álbum llamado "The West Coast Pop Art Experimental Band Vol. 1". A partir de aquí firman con Reprise con la que editan su segundo disco "Part One" (1967) y su siguiente trabajo "Vol.2" durante el cual Lloyd abandona el grupo. Michael Lloyd retornaria para el trabajo junto a Bob publicado como "Markley, A Group" de 1970.

Mientras tanto, Michael fue fichado por el joven ejecutivo Mike Curb y con el productor Kim Fowley. Son notables sus arreglos sofisticados de cuerda, cuerno, organo, clavecin; de canciones de Hendrix, Cream, Creedence, Doors, Beatles y Rolling Stones; conocidos como "The Songbooks Of".

Asi nacio The Smoke. Stan Ayeroff Guitarra y coescritor de tres de las canciones, Michael voz principal; teclados y bajo y Steve Baim a la bateria.

Michael se vuelca en este albúm y ambicionaba girar con el grupo. Había asistido a alguna sesión de grabación del "Good Vibrations" de Brian Wilson y esto se nota en la gobernada por el organo "Indians And Cowboys", de influencias notorias del "Heroes And Villains". Evidentemente su influencia principal fueron los Beach Boys post Pet Sounds, pero también los Beatles del Sargent Peppers.
El coro de "Lucy In The Sky With Diamonds" es citado en la transición a "Fogbound". Las influencias beatlenianas son evidentes tambien en "Gold Is The Color Of Thought" y en pasajes donde los arreglos exhuberantes de trompeta, clavecin, cuerdas y dulces voces, hacen su aparición.
En esta edición incluyó la fogosamente pop "October Country", y hay otros grandes momentos pop en "Umbrellas And Odissey". El albúm se lo dedico a uno de sus heroes Stuart Stutcliffe.
Una de estas canciones "October Country", en la que Michael habia confiado en su exito, la había publicado con el grupo de igual nombre y más adelante en Single como The Raw Edge. Es una preciosa cancion de solida melodia que queda calidamente flotando. El instrumental "The Hobbit Symphony" , Del guitarrista Stan Ayeroff es un pequeño y encantador compendio de los sonidos y ambientes de la epoca.


Despues de haber grabado mas de diez albumes con diferentes bandas y algunos singles. La falta de exito comercial hizo que aceptase un puesto de vicepresidente de MGM al lado de Mike Curb y ahí fue donde desde la producción de gente tan importante como The Osmonds, Shaun Casidy, Belinda Carslile, Barry Manilow o la mas lucrativa BSO de la pelicula Dirty Dancing obtuvo su exito.

Bien Alex!!

Como la película que vi el fin de semana no merece la pena ni ser comentada y como además ayer fue el día del cine español. Os voy a colgar el discurso que dio Alex de la Iglesia, creo que merece la pena...

Buenas noches. El día de hoy ha llegado porque hace 25 años, doce profesionales de nuestro cine, en medio de una crisis tan grave como la nuestra, caminaron JUNTOS a pesar de sus diferencias. Quiero empezar este discurso felicitando a los fundadores de la Academia.

No sólo ellos, sino todos los que me han precedido en esta institución, vicepresidentes, miembros de las juntas directivas y el conjunto de los académicos, nos han traído esta noche aquí, al Teatro Real, para celebrar el 25º aniversario de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas y la existencia misma de los premios Goya. A todos, muchísimas gracias.

PUEDE PARECER que llegamos a este día separados, con puntos de vista diferentes en temas fundamentales. Es el resultado de la lucha de cada uno por sus convicciones. Y NADA MÁS. Porque en realidad, todos estamos en lo mismo, que es la defensa del cine. Quiero por ello felicitar y agradecer a todos los que estáis aquí, por caminar juntos en la diferencia, y hasta en la divergencia.

Hacemos mucho ruido, pero es que esta vez, hay muchas nueces. El choque de posturas es siempre aparatoso y tras él surge una nube de humo que impide ver con claridad. Pero la discusión no es en vano, no es frívola y no es precipitada.

No podemos olvidar lo más importante, el meollo del asunto. Somos parte de un Todo y no somos NADIE sin ese Todo. Una película no es película hasta que alguien se sienta delante y la ve. La esencia del cine se define por dos conceptos: una pantalla, y una gente que la disfruta. Sin público esto no tiene sentido. No podemos olvidar eso JAMÁS.

Dicen que he provocado una crisis. Crisis, en griego, significa "cambio". Y el cambio es ACCION. Estamos en un punto de no retorno y es el momento de actuar. No hay marcha atrás. De las decisiones que se tomen ahora dependerá todo. Nada de lo que valía antes, vale ya. Las reglas del juego han cambiado.

Hace 25 años, quienes se dedicaban a nuestro oficio jamás hubieran imaginado que algo llamado INTERNET revolucionaría el mercado del cine de esta forma y que el que se vieran o no nuestras películas no iba a ser sólo cuestión de llevar al público a las salas.

Intenet no es el futuro, como algunos creen. Internet es el presente. Internet es la manera de comunicarse, de compartir información, entretenimiento y cultura que utilizan cientos de millones de personas. Internet es parte de nuestras vidas y la nueva ventana que nos abre la mente al mundo. A los internautas no les gusta que les llamen así. Ellos son CIUDADANOS, son sencillamente gente, son nuestro PUBLICO.

Ese público que hemos perdido, no va al cine porque está delante de una pantalla de ordenador. Quiero decir claramente que NO TENEMOS MIEDO a internet, porque internet es, precisamente, la SALVACION de nuestro cine.

Sólo ganaremos al futuro SI SOMOS NOSOTROS LOS QUE CAMBIAMOS, los que innovamos, adelantándonos con propuestas imaginativas, creativas, aportando un NUEVO MODELO DE MERCADO que tenga en cuenta a TODOS los implicados: Autores, productores, distribuidores, exhibidores, páginas web, servidores, y usuarios. Se necesita una crisis, un cambio, para poder avanzar hacia un nueva manera de entender el negocio del cine.

Tenemos que pensar en nuestros derechos, por supuesto, pero no olvidar NUNCA nuestras OBLIGACIONES. Tenemos una RESPONSABILIDAD MORAL para con el público. No se nos puede olvidar algo esencial: hacemos cine porque los ciudadanos NOS PERMITEN hacerlo, y les debemos respeto, y agradecimiento.

Las películas de las que hablamos esta noche son la prueba de que en este país nos dejamos la piel trabajando. Sin embargo, el mismo esfuerzo o mayor hicieron tantas otras películas que NO HAN LLEGADO a los sobres de las candidaturas. Ellos tambien se merecen estar aqui, porque han trabajado igual de duro que nosotros.

Quiero despedirme en mi última gala como presidente, recordando a todos los candidatos a los Goya TAN SÓLO una cosa: qué más da ganar o perder si podemos hacer cine, TRABAJAR en lo que más nos gusta. No hay nada mejor que sentirse LIBRE creando, y compartir esa alegría con los demás. Somos cineastas, contamos historias, creamos mundos para que el espectador viva en ellos. Somos más de 30.000 personas que tienen la inmensa suerte de vivir fabricando sueños. Tenemos que estar a la altura del PRIVILEGIO que la sociedad nos ofrece.

Yo creo, con toda humildad, que si queremos que nos respeten, hay que respetar primero.

Y Por último, me gustaría contarle algo al próximo Presidente de la academia, que ya me cae bien, sea quien sea: estos han sido los dos años más felices de mi vida. He conocido gente maravillosa de todos los sectores de la industria. He visto los problemas desde puntos de vista NUEVOS para mí, lo que me ha enriquecido y me ha hecho mejor de lo que era. He comprobado que trabajar para los demás es una experiencia extraordinaria por muy duro que resulte en un principio, y sobre todo: han pasado 25 años MUY BUENOS, pero nos quedan muchos más, y seguro que serán MEJORES.

Buenas noches.

OTIS

Otis Redding - Otis Blue / Otis Redding Sings Soul (1966)

Otis blue/ Otis Redding Sings Soul es su tercer álbum de estudio y considerado por muchos el más representativo de su carrera. En él podemos escuchar a un Otis Redding superlativo, derrochando talento al micro y envolviendo todas las composiciones con una especial sensibilidad que acaba conquistando cualquier corazón.

El álbum original esta compuesto por 11 temas, de los cuales solo tres: “Ole Man Trouble”, "I've Been Loving You Too Long" y “Respect” son propios, en el resto, Otis hace suyas canciones míticas de su ídolo Sam Cooke, fallecido meses antes de la grabación de este álbum, tales como “Shake”, “Wonderful World” o “A Change Is Gona Come”, de B.B. King: “Rock My Baby”, de The Temptations: “My Girl” e incluso de los Rolling Stones: “Satisfaction”.

A toda esta variedad de estilos sabe aplicarle su sello personal, una forma tan poderosa de transmitir que solo su voz poseía y que a la postre lo convertiría en el rey del Soul. Así, hoy día casi todas las canciones de este album pueden considerarse clasicos del genero.

Para su grabación se trasladó a Memphis, a los míticos estudios de Stax Records donde rodeado de algunos de los mejores músicos de soul del momento como Isaac Hayes y Booker T Jones a los teclados, Steve Cropper en la guitarra, Donald "Duck" Dunn al bajo, Al Jackson Jr. en la batería y la sección de viento de The Memphis Horns crearían esta experiencia musical para la historia en tan solo 24 horitas.

Esta edición contiene el álbum en versión Mono y en Stereo, además de los directos Live at the Wiskey A Go Go y Live in Europe.

Se trata de mi infancia

LA GRAN EVASIÓN

Una película que marca para siempre. Una película que si la viste de pequeño siempre la volverás a ver con ojos de crío. Una película de domingo de sobremesa que se pasa de padres a hijos y que es motivo para que ese día no se haga la siesta.

Vale, será una peli tontorrona.

Con profusión de instantes sensibleros.

Con unos alemanes que hablan todos con la "erre".

Con un campo de concentración que más parece un campamento de verano.

De acuerdo. No es Bergman quien ha escrito su guión.

Pero, coño, se trata de mi infancia.Aún la sigo viendo fascinado y, mentalmente, a medida que avanza su metraje, elaboro una quiniela de salvados y vencidos. He perdido la cuenta de las veces que sus fotogramas han pasado ante mis ojos. Y siempre me sorprende su frescura.

Por más que la veo y la reveo, jamás consigo adivinar quienes serán los que se escapen...

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Great Escape
AÑO 1962
DURACIÓN 168 min.

PAÍS USA
DIRECTOR John Sturges

GUIÓN James Clavell & W.R. Burnett (Book: Paul Brickhill)
MÚSICA Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA Daniel L. Fapp
REPARTO Steve McQueen James Garner Charles Bronson Richard Attenborough James Coburn James Donald Donald Pleasence David McCallum Gordon Jackson

"No me veo como jamaicano. ¡Me veo como rasta!"

BOB MARLEY & THE WAILERS - CATCH A FIRE (1973)

En diciembre de 1971, un Bob Marley completamente hundido entró en la oficiena de Londres de Chris Blackwell, fundador de Island Records, en busca de una oportunidad. Blackwell lo vio claro y le dio a Marley y a su banda, los Wailers, 4.000 libras para que volvieran a Jamaica y grabaran un disco. En cuanto le llegaron las cintas del master, Blackwell reclutó a varios músicos americanos y sobrecargó los teclados y las guitarras dándole al conjunto un aire mucho más rockero. El álbum recibio excelentes críticas y sirvio de plataforma para el despegue internacional de la música reagge.

Catch a Fire no sólo fue el primer disco de reggae que irrumpio en el mercado del rock (hasta ese momento ese género funcionaba a base de singles que rara vez salian de Jamaica), también fue la colaboración definitiva de Marley con los fundadores de los Wailer, Peter Tosh y Bunny Livingston. Apoyándose en el profundo y disciplinado bajo de Aston Barret y la pulida guitarra de Tosh, el trio se vació en el apartado vocal, exponiendo sus consignas militantes en perfecta armonía.

La envolvente "Concrete Jungle" nos habla de la devastadora miseria del gueto urbano; la enérgica canción de Tosh "400 Years" y la amenazante "Slave Driver" nos sumergen en el legado de opresión que dejó tras de sí la esclavitud. "No More Trouble" propone una solución desafiante: "What we need is love" (lo que necesitamos es amor). También encontramos canciones románticas, como "Stir it Up", con un bajo saltarín y un solo de wah wah serpenteante cortesía de Blackwell. Y después llega la relajada "Kinky Reggae" con su divertido juego de pregunta y respuesta.

Marley ejerce de líder y cantante en todo el disco salvo en dos canciones, pero sin duda alguna Catch a Fire es el trabajo de equipo de una banda hambrienta y sobrada de creatividad.