Una película interpretada por pájaros y algún ser humano

LOS PAJAROS

La película número 50 del señor Hitchcock "está interpretada por pájaros, y algún ser humano", como el mismo dijo en la rueda de prensa.

Mucho antes de que empezase la paranoia de la gripe aviar ya estaba el tío convirtiendo unos seres que siempre habían sido considerados tiernos e inofensivos en unos monstruos plumíferos capaces de causar el pánico y simbolizar el Horror.

De hecho, el hombre fue tan visionario que, cuando rodó esta película en 1963, el Partido Popular todavía no había diseñado su logo con la siniestra gaviota!

Los pájaros son unos seres bastante despreciables. A mi no me van mucho. Los de grandes proporciones son dueños de una de las miradas más incómodas de aguantar. Huelen mal, ensucian tu coche, revolotean a medio metro de tu café en las terrazas, y emiten sonidos desagradables. Todo ello sin hablar de los numerosos gérmenes y la cantidad de enfermedades que van cagando mientras vuelan sobre tu cabeza. Y nosotros encima le echamos miguitas de pan en la plaza.

Es por eso que me gusta la peli de Hitchcock. Trata al ave como lo que es. Algo terrorífico. Me parece una cinta muy interesante además de tensa y adictiva. Rodada con escenas espectaculares y difíciles de olvidar.


Sí tengo, por contra, cosas que achacarle. La historia paralela a la de los pájaros, o sea, el tonteo que se traen la Melanie y el Mitch me parece absurdo. Muy poco trabajado, el cómo se conocen y el por qué se vuelven a encontrar. Se ve todo como muy metido con calzador. Hitchcock parece demasiado impaciente por contar lo que vendrá más adelante....

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Birds

AÑO 1963

DURACIÓN 115 min.

PAÍS USA

DIRECTOR Alfred Hitchcock

GUIÓN Evan Hunter (Relato: Daphne Du Maurier)

MÚSICA Bernard Herrmann

FOTOGRAFÍA Robert Burks

REPARTO Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright, Ethel Griffies

Lady Soul

Aretha Franklin Arethe: Lady Soul (1968)

Hija del cantante de gospel C. L. Franklin, Aretha sin duda tenia casta. Pero no fue hasta que fue contratada por Atlantic records cuando fue coronada Lady Soul.

En su anterior compañía, Columbia, le habían hecho cantar pop insulso, pero el productor Jerry Wexler de Atlantic casó su voz, toda una fuerza de la naturaleza, con la sección rítmica del estudio Muscle Shoals Sounds, y el soul arrebatado de Aretha se desató.

Lady Soul era el tercer álbum juntos, y el mejor de todos. Aretha había adquirido confianza con su debut en Atlantic, I Never Loved A Man The Way I love You, mientras que el más ecléptico Aretha Arrives realzó los puntos fuertes y los límites de su talento.

Lady Soul sacaba partido a los primeros: la doble pasión de Aretha por el rhythm & blues el himno recriminatorio de Don. Covay "Chain of Fools" , y "Since You´ve Been Gone", en la que The Sweet Inspirations, el coro de Franklin, entona una feroz salida vocal contra el novio ausente del título y el gospel (la versión exquisitamente orquestada del "People Get Ready" de Curtis Mayfield, arreglada por Arif Martin).

Aunque el solo de Eric Clapton en el blues líquido "Good To Me As I Am To You" es una muestra de aceptación de los avances contemporáneos del Rock, Lady Soul se sumerge en la sustancia del título, y Aretha hace versiones de los maestros (Mayfield, James Brown, Ray Charles) con talento y autoridad. "A Natural Woman " es la más destacada; el peregrinaje de músicos de Muscle Shoals a los estudios Atlantic de New York durante esas sesiones refleja el propioperiplo artístico de Aretha, que infunde a la maravillosa canción la honestidad y la pasión que había adquirido en Memphis, y halla su auténtica voz en el proceso.

APOCALIPSIS TRANSEXUAL

Extravagante, marciana, sarcástica, odisea inclasificable del kitsch .

Levántense y aplaudan o, si se les permite, pónganse a bailar. En ocasiones el buen gusto se demuestra en lo feo, lo puro en lo artificial, toda la esencia del espectáculo en un solo y perverso guiño de ojos a cargo de un insuperable maestro de ceremonias como es Tim Curry. Perversamente divertida, “The Rocky Horror Picture Show” se exhibe sin complejos ni manías. Como el niño marginado del colegio deja que la insulten, que la llamen marica, fea y nenaza, porque sabe que lo es, pero eso le encanta.

Luce cuero y plataformas, pelo en pecho y purpurina, es pura dinamita vacilona y descarada en estado de celo contenido. No por mucho tiempo, claro. Porque desde muy lejos, quizás desde Transylvania, ya se gesta un rumor, una melodía, un ritmo altamente peligroso que amenaza cantando: “I'm just a sweet transvestite. From Transexual, Transylvania.” Es el Apocalipsis, eso sí, transexual.....

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Rocky Horror Picture Show

DURACIÓN 100 min.

PAÍS UK

DIRECTOR Jim Sharman

GUIÓN Jim Sharman & Richard O'Brien

MÚSICA Richard O'Brien

FOTOGRAFÍA Peter Suschitzky

REPARTO Susan Sarandon, Tim Curry, Barry Bostwick, Richard O´Brien, Patricia Quinn, Little nell, Jonathan Adams, Peter Hinwood, meat Loaf, Charles Gray

No sea que el cielo caiga sobre nuestras cabezas!

No se si os habrá pasado alguna vez, pero hoy me he levantado con una canción taladrándome la cabeza, como una especie de letanía, lo mismo es un mensaje de los dioses ya que la canción es bastante mística...,por eso he pensado dedicarle el post de los viernes por si acaso......No sea que el cielo caiga sobre nuestras cabezas!

"My Sweet Lord" de George Harrison, fue un exitazo en el Reino Unido y está incluida en el espectacular disco triple lanzado por el ex-Beatle en 1970 titulado All Things Must Pass.

La letra de la canción trata sobre el Dios hindú Krishna aunque muchos la consideradan como el primer himno religioso que no ofende a ninguna religión , ni pregonaba ninguna específica, aunque pueda sonar contradictorio.

Originalmente Harrison habia escrito este tema para Billy Preston quien habia estado meses antes tocando su teclado junto a The Beatles en la sesión musical Get Back. La idea de George era que este tema formara parte del disco "Encouranging Words" que Preston estaba grabando. Fue escrita en 1969 cuando ambos musicos se encontraban en Dinamarca, pero fue grabada en Londres y fue colocada dentro del disco de Billy. Pero Harrison tambien decidió grabarla para su primer disco como solista que venia ya programando.

Cuando se lanzó el single que incluia esta canción, este rapidamente encabezó las lista a ambos lados del "charco" siendo un exito de ventas lo cual tambien ayudó bastante a la promoción del disco que igualmente llegó a los primeros lugares en Estados Unidos y el Reino Unido y tuvo seis discos de platino.
El 2002 la canción volvio a llegar al numero uno de las listas del Reino Unido debido a la reedición del disco que se publicó en enero de dicho año después de la muerte de Harrison por causa de un cáncer.

Si escuchamos atentamente la letra de este temazo nos damos cuenta que en los coros del fondo se repite la palabra "Aleluya" que es muy usada en los canticos cristianos y alabanzas judias. Más tarde, el coro de fondo interpreta partes de un mantra hindú en dos oraciones:Hare Krishna / Hare Krishna / Krishna Krishna / Hare Hare / Hace Rama / Hace Rama...
Esta oración que es parte del Vaisnava Hindu era muy usada por Harrison en su vida diaria ya que él era un devoto a esta religión.
También podemos escuchar otros canticos como: Gurur Brahma, gurur Viṣṇur, gurur devo Maheśvaraḥ. Este mantra es cantado por los hindues antes de comenzar cualuqier acción y tambien antes de cantarle himnos a Ganesha y Sarasvati.
Quizas toda esta mistica religiosa que trae la letra del tema fue lo que gustó en la gente, que por aquella epoca estaba marcada por la busqueda dela paz mundial, la vida basada en la paz y el amor, por ello esta canción marcaba esos deseos en su mensaje lirico.

Pero cuando todo parecía color de rosas para el Ex-Beatle, las cosas se vieron opacadas cuando se enteró que una compañía de Nueva York, llamada Bright Tunes, lo habia demandado por plagio musical. Harrison habia sido demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita al single de la banda sesentera The Chiffons llamado "He's So Fine" que habia sido escrita por Ronnie Mack. Finalmente fue multado por plagio inconsciente en 1976. Durante el juicio, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3.

Pero las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles Allen Klein que acabó denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, ya cansado de tantos problemas, Harrison acabaría comprando los derechos de ambos temas... facil solución.

Esta cancipón fue clasificada en el puesto #454 por la revista Rolling Stone en su lista "the 500 Greatest Songs of All Time."

El dolor me jode, pero morirme me jode más

El sábado murió Don Luis García Berlanga.

El director de cine español más importante de todos los tiempos.

Sus películas -«Plácido»- ya eran nominadas a los Oscar en 1961 y batían récords de taquilla impensables -«La Vaquilla»- en los 80.

Hoy os voy a poner aquí un artículo de Alex de la Iglesia que leí ayer en el país, como homenaje al gran director...

Me despierta un número largo, de esos que te dan miedo. Me dan miedo porque sé qué significa. Sé que cuando aparece un número muy largo en mi móvil me llaman de una televisión o una radio, y cuando las llamadas se suceden una tras otra, es que algo terrible ha ocurrido.

"¿Qué puedes decirme de la muerte de Luis García Berlanga?" La noticia suena como un disparo en mis oídos.

"Algo rápido, dos frases". Es para las noticias.

La crueldad suele ser muy sincera. Pensar algo con sentido, resumir una vida en dos frases. Surgen en mi cabeza todos los momentos personales vividos junto al Maestro, con mayúsculas, y se me hace un nudo en la garganta. En fracciones de segundo pasan delante de mis ojos imágenes de sus películas, de su obra inabarcable.

¿Me están pidiendo de verdad que resuma a Berlanga en dos frases?

¿Es una broma?

¿Cómo les explico que Berlanga es más importante para mí que Dreyer, que Ford?

¿Cómo les explico que Plácido cambió mi vida?

¿Cómo me puedo acercar, tan sólo aproximar a una idea que refleje la tormenta de imágenes y sentimientos que me están haciendo llorar? "

¿Cómo era? Decían que era peculiar".

¿Peculiar? No puedo evitar ofenderme.

"Por favor, ¿puedes elegir otra palabra mejor que "peculiar", a la hora de elaborar tu pregunta?".

Berlanga metió un puño en mi corazón y lo arrancó de cuajo, mientras con la otra mano me hacía burla. Y yo me reía, y lloraba, en el cineclub de la universidad, y no sabía que esa película, Plácido, me acompañaría en sueños toda la vida. Los rostros de sus actores, Jose Luis López Vázquez, Manuel Alexandre y tantos otros, serían mi familia para siempre. Berlanga y Buñuel son el alma de país cruel que trata a sus genios de "peculiares", el corazón sangriento y negro de un país ingrato que nunca aprenderá a amar a sus hijos lo suficiente, a devolverles el valor incalculable de su aportación artística. Berlanga supo amar y odiar y reír y rodar con la fuerza asombrosa de un hombre libre, pese a la dictadura, a la intransigencia y la supuesta inteligencia de algunos. Berlanga se encuentra en el olimpo de los grandes, no de este país, del mundo entero.

La mejor película que se ha rodado nunca, El verdugo, define los límites del discurso acerca de la condición humana. Y lo hace con el lenguaje de los dioses, con la Divina Comedia, con el ácido corrosivo de la sonrisa demoníaca y tierna. Nos devuelve la verdad más negra con un abrazo, el negro corazón que nos fue arrebatado se nos entrega envuelto en ternura. Nadie en la historia del cine ha llegado tan lejos en talento y tan cerca de nuestras almas malheridas. Luis Buñuel es el único que puede mirarle frente a frente. Nadie tan grande como Berlanga.

Me debo ir o me debo quedar

Hoy es viernes y me encuentro un poco Punkarra por eso os voy a contar alguna cosilla de una canción....

"Should I Stay or Should I Go" The Clash

Esta canción de la banda británica The Clash, lanzada como sencillo e incluida en el álbum publicado en 1981 llamado Combat Rock.

Lo curioso es que el sencillo se convirtió en el único de la banda que alcanzó el número uno en las listas británicas, aunque una década después de que fuera originalmente lanzado. Esto fue en marzo de 1991, cuando la banda permitió que la canción fuera usada en un anuncio de Levi's (que cosas ¿no? una canción de una banda tan reivindicativa vendiéndose a una multinacional. Ya lo decía Quevedo "Poderoso caballero....) y fue gracias al anuncio que la canción subió al número uno, convirtiéndose así en el primer y único número uno de la banda en el UK singles chart.

Si escucháis el álbum Combat Rock os daréis cuenta que el tema es quizá el corte con mas "sonido Clash" de finales de los setenta, tendiendo hacia el retro-punk y una estructura de blues.

La canción fue escrita en 1981 y muchos fanáticos de la banda han visto la letra del tema como un posible comentario de Mick Jones(quien canta a voz principal) sobre su posición en la banda y su inminente expulsión de la misma (de hecho el estribillo "should I stay or should I go" es traducible como "me debo ir o me debo quedar"). Esto se debe a que después de este disco Jones fue expulsado de la banda por Strummer y la causa era "problemas de ideología política", mientras que luego se dio a conocer que el hecho de la expulsión del guitarrista fue por sus problemas con las drogas.

Por otro lado, otros arguyen que se inspira en la vida amorosa del guitarrista ya que en aquella época Jones tenía una relación inestable con su novia Ellen Foley que pronto finalizaría por lo cual la canción podría interpretarse como una discusión interna de Mick sobre si debería continuar con la relación o buscarse algo mejor.

Si escuchas bien, mientras Jones canta la letra, su compañero Strummer hace unos coros en español (mas bien espaninglish):
Sobre este tema Joe Strummer dijo: "De repente dije: "Voy a hacer los coros en español..." Necesitábamos un traductor, así que Eddie García, el técnico de sonido, llamó a su madre a Brooklyn Heights y le leyó la letra por el teléfono, y ella la tradujo. Pero Eddie y su madre son ecuatorianos, así que es español ecuatoriano lo que Joe Ely y yo cantamos en los coros."

SOY MARXISTA !!!

Para recuperarme de lo del fin de semana pasado, este decidí apostar sobre seguro y me volví a ver.....

UNA NOCHE EN LA OPERA

Lo malo de ponerse a realizar una crítica de un clásico como este es que, digas lo que digas, ya está todo dicho. No harás más que repetir lo que muchos otros dijeron antes. En fin, allá vamos...

"Una noche en la ópera" es, esto nadie lo discute, un gran clásico. Pero, ¿qué es un clásico y qué películas lo son? Un clásico es aquella película que, por mucho que pasen los años, nunca pasa de moda, nunca envejece.

Conserva toda su frescura, toda su originalidad. Es realmente sorprendente que en 72 años no haya envejecido nada, que sus gags no hayan perdido en absoluto su gracia.

Los siempre geniales Hermanos Marx superaron a "Sopa de ganso" y consiguieron su obra más redonda en todos los aspectos, y por supuesto, la más divertida. Escenas como la del camarote, la de los falsos aviadores, la de las camas...pasarán a la historia como algunas de las más divertidas y alocadas. Las interpretaciones, especialmente la del siempre genial Groucho, el mejor cómico de la historia, y la de Margaret Dumont, son magistrales.

Recomiendo verla a cualquiera que quiera pasar 94 divertidísimos minutos de auténtico cine.

Compañeros os lo recomiendo

HACEROS MARXISTAS NO OS ARREPENTIRÉIS!!!

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: A Night at the Opera

AÑO: 1935

DURACIÓN: 94 min.

PAÍS: USA

DIRECTOR: Sam Wood

GUIÓN George S. Kaurman & Morrie Rysking

MÚSICA Herbert Stothart

FOTOGRAFÍA Merrit B. Gerstad (B&W)

REPARTO Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx Margaret Dumont, Kitty Carliste, Allan Jones, Sig Ruman, Walter Woolf King, Edward Keane, Robert Emmer O´Connor, Lorraine Bridges

Blue Cheer - más ruidosos que Dios

BLUE CHEER "Vincebus Eruptum (1968) "

Aquí es cuando todo se pone heavy. Tomando su nombre de un tipo de LSD que a su vez lo recibía de un detergente, este trio de San Francisco increiblemente energético apostó por el rock & roll ruidoso con su álbum de debut, allanando el terreno a todo tipo de propuestas desde los Stooges hasta Led Zeppelin, desde el heavy metal hasta el rock experimental.

Efectivamente a lo largo de los 60 existieron incontables bandas de garaje y psicodelia que armaron un ruido salvaje, pero ninguna de ellas tenía la frecuencia capaz de sacudir cimientos ni la rugiente intensidad de feedback de Blue Cheer. Por algo recibieron el epíteto de "más ruidosos que Dios" .

La primera vez que Blue Cheer intentaron grabar Vincebus Eruptum hicieron estallar la mesa de mezclas. Pero con las debidas precauciones consiguieron registrar el mejor disco, de largo de su carrera. El álbum esta compuesto por cuatro temas originales y dos versiones: una lectura demoledora y sucia de "Summertime Blues" (superando la tremenda versión de The Who) y el clásico del blues "Rock me Baby". Dicha canción se situo entre los veinte primeros puestos de las listas en Estados Unidos, algo sorprendente para una banda que pretendía superar los límites de volumen y no los relacionados con la técnica musical. No eran precisamente los mejores intérpretes del momento, pero hay algo admirable e hipnótico en sus solos claramente improvisados y su ruido absoluto apenas controlado, o en los gritos impetuosos que prorrumpía Dickie Peterson mientras el grupo tocaba a toda velocidad " Parchment Farm".

Uno de los puntos álgidos de la etapa inicial de la música heavy: desde la hermosa portada morada y gris hasta su espíritu atronador demencial y rotundo.

Jim Morrison llamaba al grupo "La banda más poderosa que he visto nunca"

Guillem, hijo mío, tu no eres Hitchock

LOS OJOS DE JULIA

Guillem, hijo mío, tu no eres Hitchock. Intentas homenajear al maestro del suspense y el resultado es más bien patético.

Todo suena a falso y a duplicado cinematográfico. Pero eso no es lo peor. El metraje avanza y todo adquiere unas dimensiones disparatadas que me dejan alucinado, siendo testigo del increíble delirio paranoide al que es abocado el espectador. Paulatinamente todo se desborda y, concluida la película, el estupor es rotundo:

"Los ojos de Julia" es una película horrorosa.

La interpretación: me suena a un reloj de fichar (entro a las ocho y salgo a las quince). Belen Rueda, me cansa con su continuo gesto de tensión y su desbocada intensidad.

Para mi gusto, nada recomendable. 8 € a la basura.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Los ojos de Julia

AÑO 2010

DURACIÓN 107 min

PAÍS España

DIRECTOR Guillem Morales

GUIÓN Guillem Morales, Oriol Paulo

MÚSICA Fernando Velázquez

FOTOGRAFÍA Óscar Faura

REPARTO Belén Rueda Lluis Homar, Julia Gutierrez Caba, Pablo Derqui, Francesc Orella, Daniel Grao, Hèctor Claramunt, Joan Dalmau