El final de una época

Neil Young – HARVEST (1972)


Este pasado mes de febrero cumplió 40 años el Harvest de Neil Young, ¡y yo como si nada!.

Cuarto álbum de estudio del cantante canadiense y el que mejor evoca el movimiento contra cultural y de cambios que se vivía en aquella época en la ciudad de San Francisco. Una época con dos corrientes muy marcadas por un lado una hippie y folk y por otro una mucho más eléctrica.

Casi como un parto cerca de nueve meses tardo en gestarse.
Los viajes a su rancho donde se grabo parte, Nashville donde también participo en el Show de Johnny Cash y finalmente a Londres a grabar con la sinfónica, y unos fuertes dolores de espalda que arrastraba Young en aquella época y su divorcio, motivaron el retraso de su publicación.
Harvest es también el éxito, ya que fue nº1 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, la única vez que Young ha logrado llegar a la cima de las listas (no creo que le importe mucho).
Y la negación, tal vez el sentimiento que terminaba una época y la llegada de otra con fuerza, de tipos como Bowie y Reed con una forma muy diferente "de ver y vivir la vida". “No esperaban cumplir los treinta años y no les importaba…”

Contiene temas como el gran éxito comercial de “Heart of Gold” que iba a intimidar a Young durante décadas hasta tal punto que se negara a tocarlo en directo y canciones como “Alabama” un alegato antiracista, “The needle and the damage done”, con texto premonitorio incluido “Vi cómo la aguja se llevaba a otro hombre. Se fue, se fue, el daño hecho. Canto esta canción porque amo al hombre. Sé que alguno de vosotros no comprenderá…” al guitarrista de Crazy Horse, Danny Whitten que murió por sobredosis de heroína nueve meses después de la publicación de Harvest...
En resumen Harvest es mejor reflejo del final de una época, el fin de las ilusiones generadas durante la década prodigiosa.

Por siempre Elvis

AMOR A QUEMARROPA (1993)

Un garito, una rubia borracha, un "chaval" que le habla de su admiración por Elvis, de lo mucho le gusta al punto de que si tuviera que tirarse a un tío ese sería Elvis, por siempre Elvis... y desde ahí como si estuviéramos en una montaña rusa…acción, road movie , violencia y amor mucho amor.

El primer guión que escribió Quentin Tarantino y una joya olvidada. Tuvo que vender el guión para financiar "Reservoir Dogs", nunca sabremos si él lo hubiera hecho mejor pero  tal y como está la película es un clásico de los 90.

Logra entretenerte desde el minuto 1 con ese Clarence (Christian Slates), ingenioso, friki e incomprendido, Con una vida aburrida y solitaria. Y Alabama, guapa, simpática, dulce, y “flipada” por este personaje encerrado en su mundo tan genuino.

¿Y lo secundarios?

Brad Pitt (megafumado casi inmóvil como el hermano pequeño del Nota), Gary Oldman (el blanco feroz que se cree negro) está sencillamente espectacular, ¡con tan solo dos apariciones!, Christopher Walken-Dennis Hopper en un duelo realmente asombroso, ingenioso diálogo en la caravana sobre el origen de los sicilianos muy made in Tarantino (de lo mejor de la película), James Fiorentino, y la pareja de policías formada por Chris Penn y Tom Sizemore...

¡Ah! Y una gran banda sonora.

En resumen, original, divertida, y muy entretenida.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL True Romance

AÑO 1.993

DURACIÓN 120 min

PAÍS EEUU

DIRECTOR Tony Scott

GUION Quentin Tarantino

MÚSICA Hans Zimmer

FOTOGRAFÍA Jeffrey Kimball (AKA Jeffrey L. Kimball)

REPARTO Christian Slater, Patricia Arquette, Dennis Hopper, Christopher Walken, Gary Oldman, James Gandolfini, Brad Pitt, Val Kilmer, Michael Rapaport, Bronson Pinchot, Saul Rubinek, Samuel L. Jackson, Chris Penn, Tom Sizemore, Anna Thomson

“Tuve un viaje y nunca regresé”

Fleetwood Mac-Man of The World (1969)


Hoy toca una canción. Estoy convencido que si preguntase por canciones de Fleetwood Mac, la inmensa mayoría contestaría con una lista de éxitos muy comerciales ochenteros como Go Your Own Way, Don't Stop, Gipsy, Dreams o Landslide.

Sin embargo pocos saben que antes de esos Fleetwood Mac tan comerciales hubo otros con un estilo tan diferente como la noche y el día.

La historia comienza así…

A finales de los sesenta se reunieron un grupo de chavales enamorados del blues eléctrico, algunos provenían de la banda de John Mayall…

Bufff!! Perdón, “siempre el viejo Mayall”. Me vais a disculpar pero me voy a dispersar un poco, mientras escribo estas letras estoy escuchando John Mayall Jazz Blues Fusion (Live in Boston and New York) y creo que merece la pena que me disperse un poco con este “tipo”, aunque lo más justo sería que le escribiese uno o varios post pero… hoy estoy con Fleetwood Mac.

Lo que quería decir, es que John Mayall en cuestión de cuatro o cinco años tuvo entre sus filas a: Eric Clapton, Jack Bruce (Cream) Peter Green, Mick Fleetwood, (Fleetwood Mac), Mick Taylor (Rolling Stones) Harvey Mandel, Walter Trout, Larry Taylor que más tarde formaron parte de Canned Heat.
Está claro que en aquella época eran jóvenes promesas…pero ¡JODER! que ojo Sr. Mayall.

Venga volvemos a los Fleetwood Mac, el caso es como os decía ese grupo de chavales formaron una banda para dar rienda suelta a su pasión musical. El nombre provenía de la sección rítmica de la banda: Mick Fleetwood y John McVie, liderados por el guitarrista y cantante Peter Green . Originalmente nombrada como Peter Green's Fleetwood Mac.
Y ¿Quién era ese Peter Green? Pues un chaval de Londres del que B.B. King se refirió a él diciendo que era “El único hombre que me llegó a hacer sudar” y al que por desgracia se le fue la mano con eso del LSD, como el decía: “Tuve un viaje y nunca regresé” de él por ejemplo son, Oh Well, la instrumental Albatross o Black Magic Woman…que todavía muchos piensan que es de Santana.
Tras todos esos éxitos y poco antes de perder la cabeza vendría en 1969 el Man of The World una triste balada que cuenta la historia de un tío que tiene de todo menos el amor de su vida…Y SUENA ASÍ DE BIEN.

¿Apetece un bañito?

Hay dos escenas en la historia del cine que creo que han afectado a millones de personas.

La primera la famosa escena de la ducha de Psicosis.

¿quién no ha recordado mientras se daba una ducha indefenso, en esas cortinas corriéndose de golpe y el enorme cuchillo “jamonero” en manos del “pirao” de Norman!!

Y la otra, una película que rompió moldes y quitó las ganas de bañarse en el mar a toda una generación e incluso que te recorriera un escalofrío cuando te metías en la bañera e hizo que las piscinas se pusieran de moda.

Me imagino que ya sabéis por donde voy ¿verdad?

Efectivamente….

TIBURÓN (1975)

La película que lanzaría a la fama a Steven Spielberg y con algunos de los mejores efectos especiales que han existido.

Tenéis que tener en cuenta que esta rodada en 1975 ¡¡olvidaros del ordenata!! y salvo en algún momento te llegas a preguntar si el tiburón es ¡real!.  

¿Y que podemos decir de esa maravillosa banda sonora compuesta por el maestro Williams?

¿Quién no ha tarareado alguna vez en el mar o en la piscina el “Tantantantan Tantantantan Tantantantan tiruriiiiiii”?. Tensión…agobio… miedo… ¡terror! cuando se asomaba esa enorme aleta dorsal cerca de la playa y veías a toda esa gente indefensa bañarse tranquilamente en la playa.

Spielberg logra con esta película algo increíble. Que el tiburón se convierta en el animal más temido por el ser humano, y que gracias a esta película canales del tipo Discovery, National Geographic… se han forrado a base de hacer documentales sobre tiburones, los pobres escualos son como los ¡nazis del mar!, otra temática muy usada también.

A mi, que eso de los fondos marinos me gusta bastante, os aseguro que te ataque un tiburón es algo realmente difícil o casi imposible. Pero vamos es inevitable acercarse al mar sin tener el recuerdo de esta película. ¡Y esto lo logró Spielberg!

Y además de todos esto es una clase magistral. Una lección de cómo dosificar y deshilvanar una intriga, cómo dominar el ritmo.

Por un lado el suspense con los múltiples ataques a la población y por otro la aventura con la caza del animal gracias a las inmensas interpretaciones de los excelentes Scheider, Dreyfuss y sobretodo un inmenso Robert Shaw.

En resumen la mejor película de Steven Spielberg y un clásico que merece la pena volver a disfrutar.

Que ¿Apetece un bañito?

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Jaws

AÑO 1975

DURACIÓN 124 min

PAÍS EEUU

DIRECTOR Steven Spielberg 

GUIÓN Peter Benchley, Carl Gottlieb (Novela: Peter Bentchley)

MÚSICA John Williams

FOTOGRAFÍA Bill Butler

REPARTO Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey C. Kramer

Ternura

Ella Fitzgerald & Louis Armstrong

Hoy vamos a cambiar de estilo musical. Dejamos por una semana Rock, Blues, Soul, Country Rock etc. y nos sumergimos en las profundas y oscuras aguas del jazz.

El jazz nace como música popular, y existen muchos tipos de Jazz muy diferentes entre sí. Un disco de jazz clásico puede sonar totalmente diferente al Free Jazz.

En esta ocasión vamos a viajar a la “Edad de Oro del Jazz” de la mano Ella Fitzgerald y Louis Armstrong.

Louis Armstrong, nació el 4 de julio de 1900 en New Orleáns (Luisiana)

de una familia muy pobre, sin ningún antecedente musical. Su interés por la música lo desarrolló oyendo tocar célebres bandas de New Orleáns que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad. Pero su primer contacto con la trompeta no lo tuvo, hasta que por su buena conducta lo admitieron en la banda del reformatorio.

Ella Jane Fitzgerald Newport (News, 25 de abril de 1917), conocida como Ella Fitzgerald. Como Louis fueron almas gemelas en eso de tener una niñez terrible ya que los dos eran de familias muy pobres y Ella también probo eso del reformatorio y también fue allí, donde empezó a cantar y bailar

Dos auténticos gigantes de la música que con su música luminosa y optimista alumbraron 3 álbumes que, aún hoy, se cuentan entre los más vendidos de la historia del jazz. 


Por un lado la voz  maravillosa de The First Lady of Song (La primera dama de la canción),  y por otro la trompeta sin igual de Louis Armstrong.

Durante un año, el productor de jazz Norman Granz supervisó varias sesiones de grabación y un puñado de conciertos en el Hollywood Bowl. Fitzgerald estaba en la cima de la popularidad y Armstrong ya era una Leyenda de jazz. Sobre el escenario a pesar de la diferencia de edad eran una máquina perfecta que mezclaba buen humor y simpatía con swing, solos de trompeta y geniales vocalizaciones.

El resultado una JOYA, temas como  “Cheek to Cheek”, “Summertime”, “Tenderly”, Let’s Call The Whole Thing Off  (simplemente exquisita),  Autumn In New York o la clásica Stompin’ At The Savoy.

Y no quería terminar este post sin hablar de la portada del disco, Louis y Ella sentados sobre unas sencillas sillas, como en un descanso en el estudio entre tema y tema.

Los dos con cara de circunstancia, Ella viste un traje de flores y él con su trompeta en el regazo y unos pantalones que le quedan cortos dejan ver unos calcetines blancos recogidos como cuando éramos niños…

Es simplemente genial porque la misma ternura que transmite esta portada  lo hace su música.

¿Nacionalidad? -Borracho

Casablanca (1942)

Lo reconozco soy seguidor de Cuéntame…esta bien, podéis descojonaros y mandar todo tipo de comentarios ¡Me da igual! 

Amo a Antonio y Merche y a toda su prole…Y cuando me entere que la retiraban… no se si por problemas de presupuesto o simplemente porque se había terminado la temporada, me sentí un poco huérfano.

Pero no todo iban a ser desgracias…

El caso es que Televisión Española nos ofrece ahora todos los jueves un programa que se llama “Clásicos de la 1” parece que poco a poco vamos teniendo más cine de calidad…

…Por ejemplo, este jueves pusieron Casablanca.

Creo que está ya todo o casi todo dicho de Casablanca, tal vez no sea la mejor película de la historia pero si es una de las más queridas. Un Icono del séptimo arte como lo es “Lo que el Viento se Llevo”, “Ciudadano Kane”, “Psicosis”.... Es la típica película de la que puedes leer cientos de análisis de gente muchísimo más preparada y con mayor cultura cinematográfica del que os habla y además  todos o casi todos la hemos visto más de una vez con ese genial blanco y negro ¿os podríais imaginar Casablanca en color? Imposible ¿verdad?. Por eso hoy simplemente os voy a relatar lo que me transmite, lo que siento cada vez que me siento a ver Casablanca.

Lo he dicho cientos de veces e incluso me pongo pesado una de las virtudes y magia que para mi tiene la música es que hay algunas canciones que si cierras los ojos te consiguen transportar, lo mismo viajas a un campo de algodón en Misisipi, como a un festival lleno de hippies o a un pub en el centro de Manchester…¡MAGIA!.

El cine tiene otro tipo de magia, hay algunas películas que consiguen meterte de tal forma en una historia que realmente durante unas horas te pasa como en aquella maravillosa película de Woody Allen “La Rosa Púrpura del Cairo” entras a formar parte de la historia que te están contando.

La soledad tan enorme que transmite, la atmósfera que se respira, el desamor, la expresividad de cada personaje y como todo transcurre con una increíble tranquilidad y parsimonia en ese microcosmos que es el local de Rick. Cada vez que la veo consigue transportarme y estoy con ellos, a su lado y hasta puedo oler sus cigarrillos, el perfume de la Bergman, todo el bullicio de ese café lleno expatriados en plena Guerra Mundial… y la voz de Sam al piano  “tócala otra vez...”.

Siento su melancolía y quiero emborracharme con Rick en una de las mesas de su local mientras lloras al amor perdido. -¿Nacionalidad? -Borracho

Sí, es el principio de una buena amistad…

FICHA TÉCNICA

        

TÍTULO ORIGINAL Casablanca

AÑO:1942

DURACIÓN 102 min

PAÍS EEUU

DIRECTOR Michael Curtiz

GUIÓN Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch (Obra: Murray Burnett, Joan Alison)

MÚSICA Max Steiner

FOTOGRAFÍA Arthur Edeson (B&W)

REPARTO Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Hereind, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Dooley Wilson, Joy Page, John Qualen, Leonid Kinskey, Curt Bois.

Aquella chica Port Arthur

PEARL (1970)

Hoy voy hablaros de la mejor vocalista del mundo. ¡Así es!.

Nada más y nada menos que Janis Joplin, aquella chica Port Arthur, un pueblucho de mala muerte del estado de Texas en el que como decía Serrat en aquella canción  “por no pasar, ni pasó la guerra…”. Y en el que nunca terminó por encajar.

Era diferente…Su ropa, sus gustos musicales (las grandes damas del soul y el jazz), sus amistades (casi todos negros). No era la típica chica blanca educada en la tradición del Sur más profundo. Por eso sus vecinos y compañeros de instituto la insultaban y vejaban...Y por eso se largó.

Lo que vino después, San Francisco, The Big Brother Holding Company, las drogas, el alcohol el desamor.... Todos lo conocemos, por eso hoy vamos a centrarnos en su último disco Pearl. Grabado junto a The Full Tilt Boogie y bajo la producción de Paul A. Rothchild, colaborador de Los Doors o de Love.

Por desgracia como todos sabéis Janis murió en plena sesión de grabación de sobredosis de heroína en octubre de 1970, por eso no pudo disfrutar del éxito, ya que alcanzo rápidamente el número uno de las listas americanas en 1971.

Y que decir de este disco…

Pues que es una serie de perlas unidas una es el rock otra el blues otra el country otra el folk otra el soul hasta crear una joya única engarzada con la piedra preciosa que es la interpretación de una Janis con una voz estremecedora.

Canciones como, “Cry baby”, “Move Over”, “Half Moon”, la conmovedora balada soul “Trust me” , “Me &; Bobby McGee” (tema compuesto por Kris Kristofferson que había sido pareja de Janis) la cantada a capella “Mercedes Benz” y el tema instrumental “Buried alive in the blues”  que en un principio no lo iba a ser pero al fallecer no pudo incluirse el texto. Forman esta maravilla.