De "viaje" con Roky

13th Floor Elevators – Bull of The Woods (1968)

Uno de los primeros grupos en transferir los efectos de la droga en sus composiciones musicales, fue esta banda de Texas, 13th Floor Elevators, creada en Austin en 1965. El consumo excesivo de drogas les trajo problemas siendo arrestados en bastantes ocasiones, hartos de tanto acoso se mudaron a San Francisco donde desarrollan prácticamente su carrera musical hasta su desaparición en 1968.

El primer nombre del grupo fue The Lingsmen, una formación integrada por el cantante Max Rainey, el guitarrista Stacey Sutherland, el bajista Benny Thurman y el batería John Ike Walton. A los pocos meses de su creación Rainey abandono la formación, incorporándose dos nuevos elementos que serian clave para el devenir de la banda, Tommy Hall y el que sería su enigmático y lunático líder Rooger Kynard Ericson, más conocido como Roky, siendo rebautizado el grupo como 13th Floor Elevators. Después de grabar varios sencillos publican su primer larga duración en 1966 “ The Psycheelic Souns of 13th Floor Elevator”, todo un disco clave en la historia de la psicodelia, en 1967 graban “Easter Everywhre”, y el que os traigo hoy ya en periodo de desintegración del grupo “Bull of the Woods” (1968), disco en el cual Roky Erickson tan solo canta en tres de las pistas.

La ruptura fue debida a que Roky fue condenado por posesión de drogas y para evadir una larga estancia en la cárcel se declaró mentalmente incapacitado y se le recluyó por tres años en el hospital psiquiátrico.


Cuando salió del centro, Ericson, que nunca se recuperaría del todo de sus problemas mentales, quiso retomar la banda, sin poder conseguirlo, grabando en los años 80 y 90 discos como “Roky Ericson & The Aliens” (1980), “All that may do my rhyme” (1995) y el recopilatorio de temas inéditos “Never say goodbye” (1999) pero con un impacto muy alejado de su influyente legado con los 13th Floor Elevator”.

Sobre la libertad...

"El hombre de Alcatraz" (1962)

Y vendrá luego un canario… y otro... y otro, y su instinto protector se desarrollará a la máxima potencia. Y necesitará aprender a cuidarlos, alimentarlos, curarles las enfermedades…

Es la historia de Robert Stroud un condenado que descubre en un pájaro el concepto de redención. Un relato sobre la libertad aunque para este hombre es la celda el único espacio que posee para alcanzar la libertad. Y del paso del tiempo y de la vejez y de sus efectos temperantes en las pasiones humanas, aun en aquellas que nos parecen un día las más poderosas e inaplacables, como el amor o el odio,

Conmovedora sin necesidad de sensiblerías, emotiva sin caer en lo cursi, cruda y sin concesiones a la hora de enjuiciar las duras condiciones de vida de los reclusos y un obcecado y estúpido sistema penitenciario que niega toda posibilidad de redención a los que llegan a caer en el pozo de la cárcel, pero altamente comprensiva, sin embargo, con algunos de quienes deben participar en él.

Como se dice en la película, la cárcel no devuelve la dignidad a un hombre, solo puede hacerse digno así mismo siendo (y sobre todo sintiéndose) realmente útil a la sociedad.

Razones por las que hay que ver “El hombre de Alcatraz”

Tiene un blanco y negro precioso. Un regalo para la vista.
Burt Lancaster hace un papel exageradamente genial.
Aunque madre no hay mas que una, hay que echar a volar.
Hay gente capaz de ver en el interior de las personas y encontrar en ellas la validez, sin importar su aspecto, su situación, su pasado...

Y Por último:

Que películas como esta, es por lo que uno ama el cine.


Dos horas y media a la que no le sobra ni un minuto.

Que disfrutéis de esta maravillosa película.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Birdman of Alcatraz

AÑO 1962

DURACIÓN 143 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR John Frankenheimer

GUIÓN Guy Trosper

MÚSICA Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA Burnett Guffey (B&W)
REPARTO Burt Lancaster, Karl Malden, Neville Brand, Thelma Ritter, Betty Field, Hugh Marlowe, Edmond O'Brien, Telly Savalas

Manfred Mann - Four Manfred Mann Originals (1964-66)

Uno de los grupos pioneros de la nueva ola R&B que sacudió Londres entre 1962 y 1963 y que barrió el resto del mundo a partir del 64. Peculiares y diferentes a las demás bandas por provenir del mundo del Jazz, los Manfreds supieron reunir purismo y un sentido nato de la comercialidad.
Tachados de intelectuales pedantes y con un cierto complejo de superioridad (Paul Jones no dejaba nunca pasar la oportunidad de recordar que él había ido a la universidad) Manfred Mann fue un grupo fuera de lo corriente, que reunió R&B, Jazz y Pop con la vista puesta siempre en las listas de éxitos. 'Pop Thing' repasa los logros de las dos formaciones clásicas, con y sin Paul Jones.

Manfred Mann, como grupo de tal nombre, no apareció hasta que fueron fichados por 'EMI' en julio de 1963. El mánager del grupo les consiguió una audición gracias a sus contactos con el productor John Burgess y la prueba se pasó con éxito el 26 de julio de 1963. The Mann Hugg Blues Brothers, que así se llamaban al principio, lograron su contrato discográfico, con una condición: que se cambiasen el nombre. Manfred Mann (nacido Manfred Lubowitz) era el teclista y líder del combo y su nombre gustaba tanto a Burgess que éste indicó bien claro que o la banda al completo pasaba a llamarse Manfred Mann o no había contrato. Aunque al propio Manfred no le gustó la imposición, el grupo aceptó y ahí empezó la carrera de los Manfreds como tales, pese a que con el antiguo apelativo ya tenían una horda de seguidores en el circuito R&B de Londres.

Paul Jones (voz y armónica), Manfred Mann (órgano y piano), Mike Hugg (batería y vibráfono), Mike Vickers (guitarra y otros instrumentos diversos) y Dave Richmond (bajista hasta diciembre de 1963, luego sustituido por Tom Mc.Guinness) empezaron su carrera como puristas del R&B.

Los Manfreds eran sin duda uno de los grupos más respetuosos con el legado del blues y el jazz de todos los que surgieron de la moda R&B de finales de 1963. Pero eso duró poco. Sólo un año escaso. En ese tiempo, Manfred Mann fueron un brillantísimo grupo de que publicó cuatro sencillos, tres de ellos con composiciones propias, y un LP ('Five Faces Of Manfred Mann', abril 1964, grabado en sólo 12 horas, más o menos lo mismo que les costó a Los Beatles grabar su primer LP un año antes.

Querido Hrundi V. Bakshi

EL GUATEQUE (1968)

El País en su colección semanal “Gran Cine El País” ayer regalo “El Guateque”. No tengo ni idea las veces que habré visto esta película, la primera vez no pasaría de los 10 años un verano en un cine de esos al aire libre… una de esas películas de la niñez que se quedan agazapadas en la memoria.

¿Cómo hacer reír de una forma tan natural y tan sana y casi sin hablar? Esta película es increíble de principio a fin. Se me hace cortísima cada vez que la veo y me río a cada instante. Contiene escenas antológicas donde el humor fluye de manera natural, nada forzado, en episodios sin igual a los que se llega porque es necesario. Se recurre a gags que no finalizan sino que enlazan con otros ya existentes en ese momento y, de repente, renace el gag anterior. Fue vanguardista en su género en el año 68 e incluso hoy día sorprende por la complejidad de algunas situaciones.

Tiene una magia especial, derivada de una buena realización la interpretación de Peter Sellers, los personajes del camarero borracho o de la estrella del cine western, todos ellos buenísimos. Ha supuesto de base para posteriores comedias.

Aprovechando la “ola de frío siberiano” que nos invade me dispuse hacer una prueba. Volvería a verla pero esta vez con mis hijos de 11, 8 y 4 años. Y observaría….Todo en sí tiene un humor infantil, opta por acercarse a los gags del cine mudo tipo Chaplin, y por eso creo que les iba a gustar….

El argumento es simple, un tema base, como la mayoría de las grandes películas de la historia del cine, sólo que, la sucesión de los acontecimientos convierte la escena en algo delirante y hasta surrealista, llegando al absurdo en muchas situaciones entre el protagonista y el resto de personajes.

Os preguntaréis que paso, bueno voy a ser sincero el de 4 años no pasó de dos minutos por otro lado lógico, el mayor de 11 años tampoco note que le apasionara, la vio completa pero al preguntarle, me contesto que sí, pero con la boca pequeña, estuvo más pendiente de un amigo que tenia que venir a visitarle que de la película. En cambio el de 8 tumbado en el sofá no separo ni un minuto los ojos de la pantalla y con esas carcajadas que sólo un niño puede crear ya que nacen de la más profunda sinceridad, me hizo pensar…. Hoy ha nacido un nuevo fan de Sellers.

FICHA TÉCNICA


TÍTULO ORIGINAL The Party
AÑO 1968
PAÍS EEUU

DIRECTOR Blake Edwards

GUIÓN Blake Edwards, Tom Waldman, Frank Waldman

MÚSICA Henry Mancini
FOTOGRAFÍA Lucien Ballard

REPARTO Peter Sellers, Claudine Longet, Marge Champion, J. Edward McKinley, Fay McKenzie

Cuadros en una exposición

Emerson, Lake & Palmer-Pictures At An Exhibition (1973)



Uno de los discos de rock progresivo más representativos e imprescindibles en cualquier discoteca independientemente que te guste más o menos este estilo musical. Una obra conceptual, y debe ser tomada como un todo. Desde todo el universo musical creado, hasta toda su obra pictórica representada en la portada.


No sé realmente cuál es la relevancia actual de bandas como ELP. Cuentan aún con el respeto del mundo pero ya no son referencia como sí lo son Led Zeppelin, Black Sabbath, King Crimson o Pink Floyd. No obstante, y aunque muchos sigan acusándoles de pretenciosos y efectistas, es imposible olvidar que ELP fueron una de las mejores bandas de su tiempo, una power-trio progresivo que recogió la herencia de las 3 bandas de origen (The Nice, King Crimson, Atomic Rooster) y la sintetizó en un estilo único y sorprendente que resultó altamente influyente y aún más imitado.


Pero lo más resaltante era el altísimo nivel instrumental que los hacía sonar como un grupo más numeroso: Keith Emerson no en vano era conocido como el Jimi Hendrix de los teclados dado su virtuosismo; Greg Lake era un magnífico bajista poseedor además de una hermosa voz y fue de paso casi tan bueno a la guitarra como con el bajo; y Carl Palmer fue uno de los bateristas más versátiles y veloces de la historia.


Después de un demoledor primer y homónimo disco en 1971, Keith Emerson coronó uno de sus más grandes proyectos: la versión contemporánea de la suite sinfónica "Cuadros en una exposición" del compositor Ruso Modest Mussorgsky; si bien esta obra ya formaba parte del repertorio del trío, Keith había esperado con paciencia el poder grabar una versión 100% satisfactoria con miras a su edición, lo que finalmente ocurrió el 26 de Marzo de 1972 en el City Hall de la ciudad de Newcastle. Salvando las lógicas diferencias de estilo y época, la versión de ELP no desvirtúa la obra original, más bien la reinterpreta con gran fidelidad, intercalando los movimientos de aquella con algunos temas propios compuestos especialmente para la ocasión.
Se trata de un clásico de los años 70 y que todo aficionado al Rock debería escuchar al menos una vez en su vida.

‘Celeeeeebritiiiies’

J. Edgar (2011)

Eastwood vuelve a hacer lo que ha hecho mejor siempre: retratar la historia estadounidense. Ha pasado, por la depresión de los años 20 en El Intercambio, los horrores de la segunda gran guerra en Banderas de Nuestros Padres o los escándalos políticos de los 90, en Poder Absoluto. J. Edgar encaja a la perfección dentro de esa radiografía americana.

Hoover se convirtió en lo más cercano a un dictador que han tenido los Estados Unidos. Fundador y director del FBI durante 50 años, introdujo reformas y técnicas de investigación como el sistema de huellas dactilares, su perseverancia, sus grandes dosis de afán de protagonismo, no le pudieron derrocar ninguno de los siete presidentes que sobrevivió ante la presión y terror que ejercía con sus archivos secretos que conseguía a base de escuchas ilegales, de interceptar correos y de cualquier otro método que le pudiese valer para conseguir su fin y que no dudaba en ejercer todo su poder para destruir por completo a todo comunista, pacifista o activista que se cruzase en su camino.

Una parte de la película consigue, como resultado final, humanizar a un personaje frío, distante, con escasas relaciones sociales y personales. Un "villano", en resumidas cuentas. Se centra en su orientación sexual y la relación con su madre, que lo limita y lo reprime. Di Caprio es un gran J. Edgar una actuación madura y formidable. Pero el mayor problema es que una historia tan larga y compleja es muy difícil de tratar, al final todo sabe a poco: el fragmentario tratamiento del caso Lindbergh, el uso de dossiers, el chantaje, las relaciones con los Kennedy, etc. Por no hablar de lo mucho que queda apenas insinuado por falta de tiempo: la mafia, MacCarthy, etc.

En fin, me parece una buena película, bastante completa, pero a la que le falta algo de chispa, algo de fuego y corazón que me enamore tal y como lo hicieran Gran Torino, Million Dollar Baby o Mystic River

Eso sí lo que está claro es que J. Edgar no ganará el Oscar al mejor maquillaje, el personaje de Clyde Tolson a todos los fans de Muchachada Nui seguro que nos vendrá a la mente aquello de ‘Celeeeeebritiiiies’.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL J. Edgar
AÑO 2011
DURACIÓN 136 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Clint Eastwood
GUIÓN Dustin Lance Black
MÚSICA Clint Eastwood
FOTOGRAFÍA Tom Stern
REPARTO Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Judi Dench, Armie Hammer, Ed Westwick, Dermot Mulroney, Lea Thompson, Jeffrey Donovan, Michael Gladis, Stephen Root

Un buen amigo de Keith

GRAM PARSONS “GP” (1973) Y Gravious Angel (1974)

El legado musical de Gram Parson es corto pero intenso, de una magnitud, que el tiempo se ha encargado de revalorizar, paralelo a su culto, que no ha dejado de crecer.

Aunque nacido en Florida los estudios lo llevaron a Massachusets en 1966, él y otros procedentes de la escena de folk de Boston formaron The International Submarine Band, como tantos otros, retomo el camino de vuelta que en aquel tiempo era un lugar de peregrinación: California, algo se estaba cociendo y Parsons no iba a perdérselo, integrándose y contribuyendo a ser unos de los pioneros del country-rock.

En total grabo cinco discos: con The International Submarine Band ”Safe at Home” 1968 con The Byrds, “Sweethart of the Rodeo” 1969 con The Flying Burrito Brothers “The Gilded Palace of Sin” (1969) y “Burrito de Luxe” (1970) y dos en solitarios que son los que os recomiendo esta semana, “GP” (1973) Y y Gravious Angel (1974) este es su último disco y el más logrado de su carrera, en donde se destaca la voz de una jovencísima Emmylou Harris y el siempre tan preciso pedal steel.

Posteriormente en 1976 apareció “Sleepless Night” con temas de desechos y otras rarezas.

En un viaje a Inglaterra hizo amistad con Mick Jagger y sobre todo con Keith Richard a los cuales impregno de su influencias que más tarde se vieron reflejadas en sus discos y esto le regalaron el tema “Wild Horse “ que aparece en “Burrito de Luxe” y que posteriormente los propios Stones incluyeron en su discografía.

Gram Parson murió muy joven, con tan solo 27 años, como tantos de su generación, dejándonos por desgracia sin el talento y obra de lo que nos podía haber dado en una larga vida.