“Little Steve Wonder”

Stevie Wonder - I Was Made To Love Her 1967

Stevland Judkins nació prematuramente en Saginaw, Michigan. Se creía que su ceguera fue causada por el excesivo nivel de oxígeno al que de niño fue expuesto en su incubadora, pero fue el oxígeno lo que le salvó la vida. La causa real fue el desarrollo prematuro de su ojo, lo que provocó que los vasos sanguíneos se desprendieran de la retina.

Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y le dieron un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, las congas y la armónica.

En 1961 fue descubierto por Ronnie White de los Miracles quien lo ayudó a conseguir una audición con Berry Gordy en Motown. Gordy no lo pensó dos veces y firmó un contrato con él, lo rebautizaron como “Little Steve Wonder” y lo pusieron a trabajar con el productor y compositor Clarence Paul. Stevie lanzó sus dos primeros álbumes en 1962: “A Tribute to Uncle Ray”, un LP en el que Stevie Wonder cantaba los temas más importantes de su héroe Ray Charles, y “The Jazz Soul of Little Stevie”, un disco orquestado de jazz en el que se destacan sus interpretaciones en el piano, la armónica y la percusión. Ninguno de los dos discos vendió bien, pero las cosas cambiaron con el disco en vivo de 1963 “The 12 Year Old Genius”, en el que se presentaba una versión extendida del solo de armónica en la canción “Fingertips”. Editada para ser lanzada como un sencillo “Fingertips, 2ª. Parte” llegó a ser número uno tanto en la lista pop como en la lista R&B. Casualmente, el LP fue el primer disco de Motown en ser número uno en el cuadro de álbumes.

Aunque logró colocar un par de sencillos en las listas, sus subsiguientes esfuerzos no alcanzaron el éxito de “Fingertips, 2ª. Parte”. Debido a la pubertad, su voz cambiaba y fue necesario poner su carrera en el congelador, por su parte se dedicó a estudiar piano clásico en la Escuela para Ciegos de Michigan.

Al mismo tiempo quitó de su nombre artístico el “Little” y en 1965 reapareció con “Uptight (Everithing's Alright)” una típica canción bailable Motown que estuvo en el primer lugar de la lista R&B y fue número 5 en la pop lo que demostraba que Stevie Wonder era un artista que cruzaba las audiencias sin mayor inconveniente.

El tema fue escrito por él y otro productor; y sirvió para que se reinventara como un cantante más maduro frente a una audiencia que aún lo recordaba como un niño. Sus primeras canciones marcadas por el conflicto de los derechos civiles de las personas negras apareció en 1966 a través de su versión de “Blowin' in the Wind” original de Bob Dylan y por “A Place in the Sun”.

Dado que Motown tenía la última palabra sobre la dirección de la carrera de Stevie Wonder no permitieron que pudiera desarrollarse en esa dirección. Sin embargo, Stevie Wonder empezaba a tomar más control de su carrera. Participó en la composición de sus siguientes éxitos: "Hey Love," "I Was Made to Love Her" y "For Once in My Life". Con el nombre de esta última canción apareció su LP de 1968 en el que quedaba claro que su personalidad y estilo estaban marcando el resultado de lo que salía del estudio. Del disco se extrajeron tres sencillos que fueron número uno en la lista R&B: "Shoo-Be-Doo-Be-Doo-Da-Day," "You Met Your Match," y "I Don't Know Why."

Los jóvenes leones

EL BAILE DE LOS MALDITOS (1958)

"El baile de los malditos" es un retrato de la II Guerra Mundial realizado desde dos puntos de vista: el alemán, encarnado en la figura de Marlon Brando, y el americano, con Dean Martin y Montgomery Clift interpretando a dos reclutas del "Tío Sam".

El primero de ellos es un eficiente oficial alemán, cuyo patriotismo le lleva a cumplir con los deberes de la patria por encima de cualquier otra cosa. Brando es el reflejo de todos aquellos alemanes esperanzados con la figura de Hitler que con el transcurso de la guerra ven decepcionadas sus expectativas.
Por otro lado está Montgomery Clift, una persona acomplejada y retraída pero tenaz y valiente y Dean Martin que interpreta al amigo de Montgomery Clift, un cantante de éxito vividor y cobarde.

Los actores no están enormes, ni Montgomery Cliff está del todo bien, ni Dean Martin, aunque para su nivel está más que correcto, ni mucho menos Marlon Brando que con esta película le marcaría el primer fracaso importante después llevar una década de los cincuenta casi perfecta.

Con un marcado carácter antibelicista, la película intenta, dar dos puntos de vista diferentes de un mismo conflicto, pero no logra profundizar en la creación de dos formas diferentes de concebir la batalla más que a base de tópicos. al intentar abarcar demasiados hechos en poco tiempo, no consigue dar sensación de fluidez. Nunca te logra situar en el verdadero conflicto, dándote apenas un par de escenas bélicas de una débil recreación.La película fue hecha añicos por la censura española, por el tema de los campos de concentración. A pesar de ser una película llena de tópicos, donde los nazis son muy malos y los judíos intelectuales que leen a Joyce, podemos decir que su visionado no defraudará del todo, mucho más por tener un formato de vidas cruzadas que tanto se lleva en nuestros días.

FECHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Young Lions
AÑO 1958
DURACIÓN 167 min
PAÍS EEUU
DIRECTOR Edward Dmytryk
GUIÓN Edward Anhalt (Novela: Irwin Shaw)
MÚSICA Hugo Friedhofer
FOTOGRAFÍA Joseph MacDonald (B&W)
REPARTO Marlon Brando, Montgomery Clift, Dean Martin, Maximilian Schell, Hope Lange, Barbara Rush, Lee Van Cleef, Mai Britt

Deadhead

AMERICAN BEAUTY (1970)

Grateful Dead, funcionaban como un ser unicelular, siempre en la carretera o encima de un escenario en busca de la felicidad psicodélica. Conocían todos los trucos acerca del blues, bluegrass, rock, country y especialmente del folk, en cuyo ámbito perdieron la inocencia los dos guitarristas y voces cantantes Jerry Garcia y Rob Weir. Estos tipos fueron la propia Música, la respiraban con una rara sensibilidad. Todas esas canciones cobraban vida propia en sus manos, a veces en forma de pequeñas historias de ambiente rural, otras en gigantescas jams...

El final de los 60 y el principio de los 70 presenciaron saltos sustanciales en la tecnología de los estudios. No obstante, Grateful Dead parecía complacerse en su método indisciplinado de grabar, de manera que el Workingman’s Dead y el American Beauty su continuación, son las dos obras maestras grabadas por la banda en 1970.

Este año supuso un comienzo por parte del grupo hacia un nuevo camino alejado de los experimentos psicodélicos de sus dos talentosos primeros discos. No hay ningún "jamming" en este álbum, son solo canciones cuyas interpretaciones las convierten en hermosas.

David Nelson toca el único solo de guitarra eléctrica en "Box Of Rain" una completa maravilla construida con unos mimbres tan sencillos como lejanos para la mayoría de los mortales.

No es la única canción enorme del disco, pero quizás si la mejor, aún concediendo a "Friend of the devil" o "Sugar Magnolia" grandes dosis de inspiración, a la altura de la frescura de "Operator" o la dulzura de los momentos más country de dos piezas que crecen con las escuchas, "Ripple" y "Candyman". ¿Necesitas una balada sentida, honesta, sencillamente rural? Entonces lleva la aguja del reproductor hasta el corte correspondiente a "Brokedown palace", toda una delicia, lo mismo que la pieza final, la grandiosa "Truckin", ese tipo de blues que solo los Grateful Dead fueron capaces de destilar.

Las grabaciones extras de esta edición son principalmente canciones en directo con el característico sello de la banda. La madurez de los Dead como compositores queda patente por cuarta vez en este magnífico álbum.

VIVA EL PORTERO AUTOMATICO !!

MIENTRAS DUERMES (2011)

Hannibal Lecter, Darth Vader, Freddy Kruger, Norman Batesl...Hay multitud de representantes del mal en diferentes épocas y situaciones. Sólo que la mayoría tiene motivos para ser un anti-héroe ya sean el dinero, el poder, los traumas infantiles...César (Luis Tosar) no. Él es así, nació sin esa capacidad para sentir el bien como quien nace sordo, mudo.
Rara vez encontramos en el cine un personaje, como el interpretado por este gran actor, tan nocivo, vil, infame, perverso y cobarde, que además nos es exhaustivamente explicado, porque todo lo que pasa está narrado por él o visto desde su óptica. Su motivación para hacer las atrocidades no es la venganza, ni el dinero, ni tan siquiera el sexo, es la satisfacción de ensañarse con la inocencia, de acabar con la alegría del mundo, en las víctimas que tiene a su alcance.
Es un "Pequeño Hermano": que vigila, controla, condiciona, altera y malogra la vida de quienes tienen la desgracia de colocarse en su punto de mira.

El punto fuerte de la historia y la dirección por la que ha optado Balagueró es el punto de vista. Somos César. Vamos a donde él va. Vemos lo que él ve. Dañamos a quien él dañe. Balagueró y Marini, instauran la dictadura en nuestra mente para inculcarnos que no hay nada más para nosotros que no sea ese hijo de puta.

La película tiene muy buen ritmo, sin efectismo, y con un permanente aura de desasosiego e incomodidad, donde odias a un personaje..En resumen, una peli original y bien hecha.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL Mientras duermes (Sleep Tight)
AÑO 2011
DURACIÓN 107 min
PAÍS España
DIRECTOR Jaume Balagueró

GUIÓN Alberto Marini

MÚSICA Lucas Vidal
FOTOGRAFÍA Pablo Rosso
REPARTO Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida

Seis músicos sureños de aspecto desaliñado

The Allman Brothers Band - Idlewild South (1970)

Simple y llanamente imprescindible. El segundo álbum de estudio parido en 1970 por estos seis músicos sureños de aspecto desaliñado y pelo largo, deja atónito a cualquiera. Gracias en parte a las enormes dosis de energía y pasión que ponían al asunto, parecían estar tocados por un ángel que les permitía transformar en oro todo lo que tocaban. Es fácil dejarse fascinar por su equilibrada y fresca mezcla de gospel, jazz y blues electrizante con texturas acústicas.

Con "Idlewild South" la banda saboreó de nuevo unas más que excelentes críticas al igual que con su primer álbum homónimo publicado el año anterior. Pero esta vez los Allman consiguieron algo más de éxito ampliando de manera notable su grupo de seguidores, aunque su golpe sobre la mesa definitivo sería un año después con la publicación de la legendaria obra maestra en forma de doble álbum en directo :"At Fillmore East".

"Idlewild South" es un álbum clave, no sólo por la estupenda experiencia que supone disfrutar de su música, sino también para entender el desarrollo que trazará esta rama del sonido sureño a lo largo de aquella década y que tantas perlas dejará por el camino. Eso si, la música de los Allman seguirá siendo única gracias a su inconfundible sabor metálico que amiga cualquier sonido al blues urbano eléctrico y a las citas country abonadas por unos controladísimos y geniales toques jazz.

Papá, papá ¿Dónde tienes esos cuentos de Tintín de los que me hablabas ayer?".

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (2011)

Soy tintinólogo. No oculto mi condición, es más, la llevo con orgullo, y nunca olvido que una parte significativa de mi educación lectora se la debo a Hergé. Tengo todos los cómics de Tintín. Todos ellos recopilados durante mi niñez. Pequeñas joyitas, coleguitas de infancia, leídos y releídos. Vamos, las típicas cosas que uno guarda con firmeza.

Tintín no volaba, no tenía visión de rayos X, ni tenía una fuerza descomunal. Ni falta que le hacía.Tintín era un simple reportero con el olfato siempre a punto... y que además tuvo la suerte de vivir en una época en la que el romanticismo era un concepto todavía vivo. Una época en la que la red de redes no era ni siquiera un proyecto, y en la que las bibliotecas eran la elección predilecta de todo buen sabueso. Una época en la que con una triste moneda podían adquirirse auténticos tesoros; en la que hasta los criminales más ruines vestían elegantemente y en la que el exotismo aún no había perdido su capacidad para maravillar, al existir todavía lugares que esperaban ser descubiertos

Por esto esta adaptación para mi y para los que hayan tenido a Tintín como parte de su infancia, se trata de magistral, magnífica y no alcanzo a creer como podría ser superada. Me explico:Para empezar, el detalle del principio con Hergé, como en cualquier tomo (los tintinólogos saben de lo que hablo) es genial, sutil y todo un homenaje que se merece.
La caracterización de los personajes es, sencillamente espectacular, hasta el más mínimo personaje está calcado igual que el libro con precisión cirujana, incluida la portera del protagonista!!! Y eso no es todo, los diálogos también, y lo más importante: si estamos alerta podremos ver INFINIDAD de detalles espectaculares referente las otras aventuras del reportero, todo tiene su sentido de una u otra forma.

Y es que el Tintín de Spielberg podría ser un Indiana Jones, pero no, es Tintín. Y se nota que es Tintín, porque con un ritmo tan frenético de película, casi visceral, el contenido de la historia es acertado y denso, dando a las aventuras un toque de intriga más del cine de espías, algo que siempre ha caracterizado a Tintín, que era un aventurero que pensaba y razonaba.
Estamos ante una película de aventuras, y no me canso de repetirlo, diseñada para que en cada imagen nos quedemos prendados y con la boca abierta, con un guión espléndido, una adaptación fiel, unos personajes llenos y ricos en detalles.
En resumen: una genial película en todos los sentidos, con una historia muy entretenida, con un gran aire ochentero que recuerda a las geniales películas de aventuras de esa época y que cuenta con un increíble apartado técnico. Muy recomendable.

Ah! Otra cosa! Lo mejor a la mañana siguiente: 9 de la mañana del domingo, en la cama completamente dormido, empiezo a escuchar a mi hijo de 8 años entre sueños, abro un ojo medio dormido y:-. “Papá, papá ¿Dónde tienes esos cuentos de Tintín de los que me hablabas ayer?".

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn
AÑO 2011
DURACIÓN 107 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR Steven Spielberg
GUIÓN Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish (Cómic: Hergé
MÚSICA John Williams
FOTOGRAFÍA Animation
REPARTO Animation, Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Mays, Toby Jones, Enn Reite, Joe Starr, Mackenzie Crook, Kim Stengel, Gad Elmaleh, Tony Curran, Cary Elwes, Sebastian Roché

Crucemos Abbey Road

ABBEY ROAD (1969)

Los Beatles fantasearon con varios nombres para el que sería su última obra de estudio, al final terminaron por inclinarse por bautizarlo como la calle en donde se encontraba el estudio de grabación en donde gestaron un enorme porcentaje de su legado.

Algunos de los temas datan del viaje a la India en 1967 y muchos de ellos fueron ensayados durante las sesiones de “Let it be“.

Paul habló con George Martin para pedirle su colaboración en este disco. Querían hacer un disco “como antes”, para marcar una diferencia respecto a las traumáticas sesiones de “Let it be“. Martin aceptó, a condición de tener total autoridad durante las sesiones. También convencieron a Geoff Emerick, el ingeniero de sonido de Revolver, Sargent Pepper, Magical Mistery Tour y parte del Álbum Blanco, que había decidido no trabajar nunca más con el grupo tras soportar las constantes peleas.

Los Beatles usaron, por primera vez, un sintetizador Moog. Era este un equipo comprado por George Harrison en los Estados Unidos en 1968 (y usado por él en un proyecto solista) que requería de todo un trabajo para ser programado.
George tocó el Moog en Oh Darling, Octopus´s garden, Here comes the sun y Because.
 John lo hizo en I want you (she is so heavy) y Paul en Maxwell Silver Hammer.

John no tocó en todas las canciones, se perdió las primeras semanas de grabación por haber tenido un accidente automovilístico junto a Yoko. Como resultado del accidente, Yoko tuvo que guardar reposo. John, que no estaba dispuesto a separarse de ella, hizo que se instalara en pleno estudio de grabación ¡una cama!. Pidió también que le acercaran un micrófono conectado directamente al centro de control, en caso de que Yoko tuviera alguna recomendación que hacer. Esto no hizo más que sumar negativamente a la ya difícil incomodidad por la sempiterna presencia de la japonesa invadiendo el espacio del grupo.

A pesar de esto parece ser que el clima de las sesiones fue bueno en general, mucho mejor que durante el Álbum Blanco o Let it be.

En Anthology documental de más de diez horas de duración en la que de forma cronológica se narra la historia de los Beatles a través de una serie de entrevistas, Paul, George y Ringo dicen que sabían que Abbey Road iba a ser su última obra conjunta. La historia dice algo diferente, ya que ni siquiera con el anuncio de la partida de John realmente creyeron que los Beatles habían finalizado.
 De hecho, hasta esa reunión en donde John pidió el divorcio, Paul insistía con que programaran una gira pequeña para tocar en lugares con muy poco público para recuperar su esencia

LA FAMOSA PORTADA

Alrededor del mediodía del 8 de agosto de 1969, los cuatro Beatles y el fotógrafo Ian McMillan salieron a la calle para realizar la sesión fotográfica que daría como resultado la mítica portada.

La calle Abbey es muy transitada. Para poder contar con el tiempo y tranquilidad necesaria para las tomas, un policía colaboró cerrando la calle por unos 10 minutos.

McMillan se colocó con su cámara a cierta altura de la calle, tomando un ángulo que difícilmente pueda reproducirse sin la ayuda del corte de vehículos. Se tomaron un total de 6 fotos del cruce, una de las cuales fue luego seleccionada por Paul para ser la de la portada.